Le blues de Ma Rainey 18 décembre 2020 /De George C. Wolfe Avec Viola Davis, Chadwick Boseman, Colman Domingo sur NETFLIX

Quand Ma Rainey, la « mère du blues », enregistre un disque en studio à Chicago, en 1927, les tensions s’exacerbent entre elle, son agent – blanc –, son producteur et les membres de son groupe.

Chronique : Quelle claque! J’avais peur d’un cadre trop restreint et que adaptation ne se détache pas assez de son support initial mais tout le contraire. L’écriture est incroyable, les personnages tous très intéressants. La musique, pièce centrale du film est parfaite.

En 2016, Denzel Washington a produit, réalisé et joué dans l’adaptation à l’écran de la pièce Fences d’August Wilson en 1985 , remportant un Oscar de l’actrice de soutien pour Viola Davis, ainsi que des hochements de tête pour le meilleur acteur, la meilleure image et une nomination à titre posthume pour le scénario de Wilson, décédé en 2005. Davis est de retour dans la course aux récompenses pour son rôle de dynamite en tant que «Mère du blues» Gertrude «Ma» Rainey dans cette dernière adaptation à l’écran de l’œuvre de Wilson, sur laquelle Washington sert à nouveau de producteur. Comme Fences , il présente un tour de force, avec Chadwick Boseman au sommet de son art dans ce qui s’avérera tragiquement être son dernier rôle à l’écran. Pourtant, comme son prédécesseur , les origines théâtrales de Le blues de Ma Raineyy pèse lourd sur ce film, réalisé avec un air scénique par George C Wolfe, lauréat du prix Tony.

À la fin des années 1920 à Chicago, l’atmosphère humide d’un studio d’enregistrement miteux est rendue plus chaude par les tensions brûlantes entre musiciens, producteurs, managers et une star de plus en plus récalcitrante. La session comprendra la coupe de la chanson signature de Ma Rainey – un disque vendable qui rapportera sans aucun doute plus pour ses soutiens blancs que n’importe lequel des joueurs noirs qui composent la musique.

La plupart sont résignés à leur sort, vivant stoïquement de concert en concert. Mais le jeune joueur de cor Levee (Boseman), qui vole la vedette à Ma dans une séquence passionnante au début, a de plus grands projets. Non seulement il a des créations sur l’hymne bluesy de Ma, mais il rêve aussi de diriger son propre groupe et d’enregistrer ses propres chansons. Quant à Rainey, elle est enchaînée à son jeune neveu, Sylvester (Dusan Brown), pour faire entendre l’intro de sa chanson, malgré le fait que son bégaiement ajoutera simplement plus de prises (et donc plus de temps) à l’enregistrement déjà tumultueux.

Il est clair dès le départ qu’il y a une méthode d’acier dans la folie apparemment chaotique de Rainey. De son arrivée tardive dans un accident de voiture à son insistance tenace pour que le groupe continue de jouer l’intro jusqu’à ce que Sylvester fasse les choses correctement (et soit payé pour ses efforts), tout est conçu pour s’assurer qu’elle est aux commandes. C’est une bataille que Rainey a combattue toute sa vie, et Davis dépeint avec brio à la fois la position vulnérable et l’esprit indomptable de cette silhouette robuste, avec des yeux de feu qui brillent à travers les ombres sombres et le rouge battu de son maquillage, tenant fièrement son terrain.

En revanche, Levee est un arnaqueur au pied léger, hérissé de fierté pour ses nouvelles chaussures de fantaisie, esquivant et plongeant dans un monde dans lequel il a appris dès son plus jeune âge à cacher sa colère derrière un sourire. Boseman, qui a obtenu les coups de pied de James Brown dans le sous-estimé Get on Up , se hérisse d’énergie nerveuse en tant que petit nouveau sur le bloc, tranchant et pétillant. Le directeur de la photographie Tobias A Schliessler capture parfaitement la danse physique qui se joue entre ces deux personnages disparates, permettant aux actions et au mouvement de parler plus fort que les mots.

C’est donc dommage que malgré les meilleurs efforts du scénariste Ruben Santiago-Hudson, une grande partie de cela ressemble toujours à une collection de décors théâtraux, qu’il s’agisse de discours prononcés avec émotion sur Dieu, l’histoire et les cicatrices de l’enfance, ou une tragédie du troisième acte qui aurait produit des halètements sur scène mais se sent étrangement artificiel à l’écran. La musique Sterling, la conception de la production et le travail des costumes de Branford Marsalis, Mark Ricker et Ann Roth ajoutent respectivement à un ensemble élégant, mais ce sont les performances qui gagnent la journée.

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