Test DVD : Ben Is Back (03 juillet 2019) de Peter Hedges avec Julia Roberts, Lucas Hedges

La veille de Noël, Ben, 19 ans, revient dans sa famille après plusieurs mois d’absence. Sa mère, Holly, l’accueille à bras ouverts tout en redoutant qu’il ne cède une fois de plus à ses addictions. Commence alors une nuit qui va mettre à rude épreuve l’amour inconditionnel de cette mère prête à tout pour protéger son fils.

Chronique : Ben Is Back est le dernier film à s’attaquer à la bataille perdue d’avance que mène ce pays contre la crise des opioïdes. Cependant, plutôt que de montrer les effets de la toxicomanie et le long chemin qui mène au rétablissement, il met plutôt l’accent sur la participation de l’élément criminel au cours d’une seule journée.

Quand nous voyons Ben (Lucas Hedges) pour la première fois, il essaie d’entrer dans la maison familiale, bien que personne ne soit à la maison. Sa mère (Julia Roberts), deux jeunes demi-frères et demi-sœurs et sa sœur adolescente sont sur le chemin du retour après les répétitions du spectacle de Noël. Quand ils aperçoivent Ben dans l’allée, presque chaque personne dans le break a une réaction différente à sa réapparition. Maman est extatique. Sœur Ivy (Kathryn Newton) est déçue et bouleversée. Les deux jeunes semblent assez heureux, mais ne partagent pas la perplexité de leur mère. Et comment ont-ils pu ? Ils ne savent pas que Ben n’était pas censé quitter son centre de désintoxication, en aucune circonstance.

Quand son beau-père (Courtney B. Vance) revient à la maison, il devient plus clair à quel point le retour de Ben est vraiment compliqué. Ils s’étaient arrangés pour aller lui rendre visite au centre de traitement le lendemain, et il n’était pas en état de rentrer chez lui. Bien que Ben jure qu’il a été autorisé à rentrer à la maison pour la journée, il ne dit pas la vérité. Ses mensonges ne sont rien de nouveau pour la famille, et ils les ont tous profondément blessés, mais maman ne peut s’empêcher d’être heureuse de voir son petit garçon.

Au fur et à mesure que la journée avance, les choses commencent typiquement à Noël. Ils décorent l’arbre et les jeunes enfants jouent dans la neige. Les choses prennent un tournant quand Ben supplie maman de l’emmener au centre commercial pour acheter des cadeaux. Là, à l’extérieur de la coquille protectrice de la maison, il rencontre a passé de front. La tournure des événements au centre commercial est assez mineure, mais les gens qu’il voit déclenchent une série d’événements qui le mettent, lui et sa mère, dans le piège de son passé criminel. Il est clair que Ben n’était pas un utilisateur ordinaire et qu’il doit encore se débarrasser des péchés de sa vie antérieure.

Bien que Ben Is Back parle de la famille et de la façon dont la dépendance d’une personne peut avoir un impact sur une communauté, il devient une sorte de thriller sur la criminalité. D’un côté, l’action est belle à voir parce que le drame familial était à moitié foutu, mais de l’autre, c’est un peu inquiétant que le film n’ait jamais voulu nous montrer l’impact émotionnel et physique de la dépendance.

Julia Roberts est, comme on pouvait s’y attendre, merveilleuse dans son rôle de mère mise dans une situation terrible. Plutôt que d’équilibrer l’amour dur stoïque et stoïque avec une véritable affection, et une bonne dose d’hystérie terrifiée, elle oscille entre ces différents modes. Le comportement de Ben la déchire, mais elle doit garder la famille et elle-même ensemble, d’une certaine façon. De petites actrices ne seraient pas capables de transmettre toutes ces émotions guerrières en une seule scène, ou en un seul dialogue, mais Roberts y parvient.

Ben Is Back n’est pas un drame de dépendance typique et pleurnichard. Mais la dépendance n’est pas un monolithe et si le fait d’ajouter un peu d’intrigue à cette histoire nous donne une autre version de cette histoire, alors ça me convient.

Note : 9,5/10

ben-is-back-880x320.jpg

Vidéo : Ben is Back est présenté avec un transfert 1080p encodé AVC en 2.39:1. Le générique de fin propose un logo « Arri caméra et locations » sans spécifier de modèle, et l’IMDb n’offre aucune donnée (y compris la résolution de l’ID, qui, je le suppose encore une fois, a été finie à 2K). Ceci dit, il s’agit d’un film rempli de tons bleus froids d’hiver qui sont souvent utilisés assez efficacement, et qui peuvent fournir des quantités souvent surprenantes de détails fins. Mis à part le type d’éclairage blanchi de décembre, le film ne semble pas avoir été classé de façon trop agressive, et la palette, sans être particulièrement éclatante, semble naturelle et bien imprégnée. Il y a quelques séquences nocturnes où les détails des ombres peuvent sembler un peu sombres, mais même ici, il y a une résolution précise de choses comme les tissus sur certaines couches des vêtements d’hiver que portent les personnages, du moins lorsque des gros plans sont utilisés.

3770947.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg

Audio : Comme pour l’élément visuel, le titre Dolby Digital de Ben is Back n’est pas ouvertement  » showy  » au sens propre du terme, bien qu’il y ait une activité d’ambiance cohérente et subtile grâce à la partition de Dickon Hinchcliffe et à certains éléments  » ordinaires « , comme le bruit de fond des enfants jouant dans la maison familiale (et ailleurs). La plupart du film se déroule dans des scènes de dialogue à plus petite échelle, où les bruits ambiants peuvent à l’occasion ponctuer les lieux, même si l’immersion n’est pas incroyablement remarquable. La fidélité est très bien tout au long de la présentation, et il n’y a aucun problème d’aucune sorte à signaler.

 

  • Acteurs : Julia Roberts, Lucas Hedges, Courtney B. Vance, Kathryn Newton, Rachel Bay Jones
  • Réalisateurs : Peter Hedges
  • Format : PAL
  • Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 2.0)
  • Sous-titres : Français
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
  • Région : Région 2
  • Rapport de forme : 2.39:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : TF1 Studio
  • Date de sortie du DVD : 3 juillet 2019
  • Durée : 99 minutes

61-MB0sWOZL._SY445_.jpg

 

Test Blu-Ray : Rémi sans famille ( 03 juillet 2019) de Antoine Blossier avec Daniel Auteuil, Maleaume Paquin

À l’âge de 10 ans, Rémi est arraché à sa mère adoptive et confié au Signor Vitalis, un mystérieux musicien ambulant. À ses côtés, il va apprendre la rude vie de saltimbanque et à chanter pour gagner son pain. Accompagné du fidèle chien Capi et du petit singe Joli-Coeur, son long voyage à travers la France, fait de rencontres, d’amitiés et d’entraide, le mène au secret de ses origines…

Chronique : Le grand film d’aventure familial français est de retour ! « Rémi sans famille » a tout pour plaire au plus grand nombre : une histoire riche, des personnages forts portés par des acteurs fabuleux, dont la révélation du film, le jeune Maleaume Paquin qui crève l’écran d’une douceur et justesse incroyable, un thème musical magistral, des décors/paysages et costumes superbes. Que demander de plus ? Ben justement… un peu plus ! A l’heure des séries tv qui explorent, épisode après épisode, toutes les arcanes des personnages et nœud scénaristique, ici, la densité du scénario aurait pu facilement faire l’objet de deux films. Chose rare, on peut donc regretter le rythme soutenu, le condensé des rebondissements et l’épilogue un peu rapide. L’histoire relativement fidèle au roman « Sans famille » d’H.Malot, pose d’ailleurs des questions très actuelles sur la valeur des hommes selon leurs origines ou encore sur les choix à faire entre une vie dans le moule d’une société confortable ou suivre sa vocation au risque d’une vie marginale mais plus excitante.

Note : 9/10

4882044.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg

Video : La clarté du film  est juste magique et avec un contraste exceptionnels ait ressortir les délicats tissages de costumes des acteurs, rehaussent la profondeur et mettent en valeur les intérieurs. Bien qu’il n’y ait pas de point de grain visible, l’image dégage une merveilleuse sensation de film qui rappelle les films de la période historique. Les couleurs sont un peu atténuées pour refléter la nature désastreuse de la situation, mais des éclaboussures de paysages verts verdoyants et des éclats de neige  sont luxueusement riches, les blancs sont brillants mais ne fleurissent jamais, et les tons de chair restent naturels et constants tout au long. Les détails sautent de l’écran, tandis que des gros plans pointus soulignent les lignes, les rides et les taches sur les visages des personnages âgés, ainsi que la belle fraîcheur du teint de l’acteur qui joue Remi.

512JCThEvmL._SX679_.jpg

Audio :  Bien que les accents surround soient faibles, la fidélité supérieure et la profondeur tonale permettent à l’audio d’obtenir une sensation d’enveloppement fluide. Une séparation stéréo plus distincte est visible à l’avant, car des transitions douces élargissent bien le paysage sonore. Le bruit d’un bouchon de champagne et le tic-tac d’une horloge sont merveilleusement croquants. Les basses fréquences sont puissantes et une large gamme dynamique gère tous les hauts et les bas sans aucune distorsion. La musique jouit d’une belle présence et remplit  avec aisance . C’est une piste beaucoup plus intéressante que ce à quoi on pourrait s’attendre, et l’excellent rendu accentue son impact.

61Ur7jig22L._SX679_.jpg

Bonus :

Making of : Ce Making of comprend des interviews avec le réalisateur  et les acteurs et d’autres, ainsi que divers membres du personnel technique. Les sujets abordés comprennent la prémisse du film, les personnages, le maquillage, la conception de la production,

 

  • Acteurs : Daniel Auteuil, Maleaume Paquin, Virginie Ledoyen, Jonathan Zaccaï, Jacques Perrin
  • Réalisateurs : Antoine Blossier
  • Format : PAL
  • Audio : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1)
  • Audio description : Français
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
  • Région : Région 2
  • Rapport de forme : 2.39:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : TF1 Studio
  • Date de sortie  : 3 juillet 2019
  • Durée : 104 minutes

81hyKfMSIkL._SY445_.jpg

 

 

 

Test DVD : HAPPY BIRTHDEAD 2 YOU (19 Juin 2019) de Christopher Landon avec Jessica Rothe, Israel Broussard

Alors que Tree pensait s’être définitivement débarrassée de celle qui voulait sa mort et qu’elle file le parfait amour avec Carter, elle se retrouve projetée dans une dimension parallèle à notre monde. Elle doit désormais affronter des fantômes de son passé et de nouveaux ennemis.

Chronique : Beaucoup mieux que le premier film ! Dans ce deuxième volet, nous connaissons la boucle et ce qu’elle produit, permettant une meilleure compréhension du film. La remarque que je vais dire n’est pas du tout objective mais, à certains moments, les dialogues étaient plus scientifiques voire même la situation était un peu « farfelue » ce qui m’a perdu à plusieurs reprises. Mais ces perditions de mon esprit n’étaient que temporaires car je replongeais très vite. Il y a une réelle évolution entre le premier et le deuxième film : la manière de tourner est différente ; on s’attache énormément aux personnages. ; le scénario et les dialogues sont améliorés… Pour moi, la catégorie « épouvante-horreur » convient mieux au deuxième film qu’au premier. En effet, les scènes d’angoisse et de peur sont plus fréquentes que l’ancien volet. De plus, même s’il n’y a pas de scènes pour nous faire peur, on peut tout à fait s’appuyer sur ce que j’appellerais « la torture mentale » : on se met à la place des personnages et nous fait ressentir leurs émotions. Vous n’avez plus qu’à prendre 1h40 de votre temps et regardez ce film car il en vaut la peine (ATTENTION : regardez le 1er avant le 2e pour bien comprendre comment l’histoire se forme.

Note : 8 /10

Video :. Toutes les pièces sont en ordre, y compris des couleurs vives et une clarté texturale à haut rendement, prise après coup. Le contraste a été légèrement augmenté, donnant à presque toutes les nuances une augmentation évidente du zeste qui confère au film une apparence légèrement hyperréaliste. Les lèvres et les yeux sont vraiment éclatants et les éléments de l’environnement – naturels et synthétiques – à l’intérieur et à l’extérieur – sont également présents avec une saturation intense. Les textures sont solides. La monture est parfaitement nette. Les traits du visage sont un délice, les vêtements sont définis avec précision, et tout, des dortoirs aux bibelots des laboratoires scientifiques en passant par les plans extérieurs larges, est clair et très détaillé. Un peu de bruit apparaît dans diverses situations de faible luminosité, ce qui est tout à fait normal pour une production numérique (bien qu’il existe un bruit très visible dans quelques clichés de jour clairs, comme à 27:13 lorsque Ryan, Carter et Tree marchant délibérément sur le campus). Pourtant, l’image ne souffre d’aucune autre source et ne code pas pour le moins possible.

Audio : La bande son sans perte DTS-HD Master Audio 5.1 de Happy Death Day 2U offre une expérience d’écoute complète et très complémentaire. Les auditeurs apprécieront les éléments sonores environnementaux de qualité, y compris la cafétéria Din au chapitre deux et à une partie de basketball au chapitre trois, ce dernier offrant également la meilleure implémentation surround du film lorsqu’une alarme retentit au milieu du jeu et qu’une voix commande aux élèves d’évacuer, les deux émanant d’une position ferme vers l’arrière. Les graves s’engagent lorsque la machine explose au chapitre quatre avec une forte poussée positive dans la zone d’écoute. Cela se produit à quelques reprises, chacune avec le même composant bas de gamme extrêmement profond. Les effets d’action généraux – coups de feu, collisions, etc. – offrent une profondeur et des détails intéressants, sans exception. La définition musicale est forte, large et présente un complément positif à l’arrière. Le dialogue est fidèle au positionnement naturel, à la clarté et à la hiérarchisation.

death-day-2-u-babyface.jpg

Bonus :Le bonus Never-Ending Birthday permet aux acteurs et à l’équipe de retrouver la joie de revenir à ces personnages, et plus particulièrement à l’histoire de 2U et à la façon dont elle a élevé les attentes de tous les fans du premier film.

J’aimerais saluer un certain court-métrage, mais encore une fois, je vais devoir être vague. Ce qui fait Web of Love : Tree’s Triangle est un bonus si impressionnant qu’il emmène les spectateurs au cœur du véritable test que Landon avait sur les bras en créant quelque chose qui peut mettre Tree, et ses compagnons de jeu dans ce monde fou, dans des situations nouvelles (et crédibles) qui émettent un poids émotionnel pour enrichir davantage le lien du public avec ces personnages. Après tout, ils ont fait deux fois le voyage avec eux.

Il y a un gag reel, ce qui est toujours agréable avec des films d’horreur parce que cette tension est si élevée que lorsqu’il y a une opportunité de tout laisser sortir, c’est généralement à propos de quelque chose d’hilarant.

Il y a aussi une scène supprimée qui voit Tree courir dans l’hôpital où nous passons tant de temps. Elle était poursuivie par ce masque obsédant ? Non, un garde de sécurité. C’est agréable de voir à quel point Landon est à l’écoute de la portée de sa franchise et de ce qu’il a choisi de couper.

 

  • Acteurs : Jessica Rothe, Israel Broussard, Phi Vu, Suraj Sharma, Sarah Yarkin
  • Réalisateurs : Christopher Landon
  • Format : Couleur
  • Audio : Italien (DTS 5.1), Allemand (DTS 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS 5.1), Espagnol (DTS 5.1)
  • Sous-titres : Danois, Portugais, Espagnol, Islandais, Norvégien, Hindi, Allemand, Arabe, Français, Néerlandais, Suédois, Finnois, Italien
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
  • Région : Toutes les régions
  • Rapport de forme : 2.39:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : Universal Pictures France
  • Date de sortie du DVD : 19 juin 2019
  • Durée : 99 minutes

 

 

Storm Boy De Shawn Seet Avec Jai Courtney, Geoffrey Rush, David Gulpilil (26 juin 2019 en VOD)

Michael Kingley, homme d’affaires de 70 ans respecté au caractère bien trempé, se replonge dans une enfance qu’il pensait enfouie à tout jamais. Une époque où il était Mike, dit Storm Boy, « l’enfant-tempête ». Une époque où il vivait avec son père, Tom, dans une cabane faite de bric et de broc, sur un coin sauvage du littoral méridional de l’Australie. Une époque où il sauva d’une mort certaine un extraordinaire bébé pélican baptisé Mr Perceval, dont le destin influença sa vie à tout jamais.

Chronique :  Dans une nouvelle adaptation du livre australien pour enfants « Storm Boy » du début des années 1960, l’histoire d’un enfant qui élève des pélicans est mise à jour avec un effet mixte.

De nos jours, un homme d’affaires, Michael Kingley (Geoffrey Rush), est prêt à conclure un marché avec le diable – dans ce cas-ci, une société minière – qui décimerait l’écosystème naturel de sa maison. Sa petite-fille (Morgana Davies) le pousse à reconsidérer sa décision, poussant Michael à lui parler de son enfance. Il se souvient de sa jeunesse sur la côte, racontant l’époque où il était mieux connu sous le nom de Storm Boy.

Le réalisateur Shawn Seet passe entre les scènes de Michael à l’âge adulte et ses souvenirs de Storm Boy (Finn Little), un enfant qui vit dans l’isolement avec son père, Hideaway Tom (Jai Courtney). Ils habitent dans une cabane qui se trouve sur une terre dont ils espèrent qu’elle deviendra un sanctuaire pour les pélicans, mais les chasseurs menacent la pureté de la région et tuent les oiseaux pour le sport.

L’éducation lâche de Storm Boy vient de son père, ce qui lui laisse un temps infini pour se promener sur la plage. Il trouve trois poussins orphelins de chasseurs et décide d’élever les oiseaux avec l’aide de son père et de Fingerbone Bill (Trevor Jamieson), un autochtone  qui lui apprend à prendre soin de la terre et des animaux. Storm Boy nourrit les trois pélicans, formant un lien particulier avec un oiseau qu’il nomme M. Percival, qui rend à l’enfant sa loyauté au-delà de toute attente.

« Storm Boy » tente de se présenter comme une fable moderne, où les leçons apprises sont directement liées aux préoccupations actuelles concernant l’environnement, l’industrialisation et la marginalisation des cultures indigènes. Mais ces thèmes semblent plus didactiques qu’émouvants.

Imprégnée des traditions locales fournies par Fingerbone Bill de Trevor Jamieson, un Ngarrindjeri indigène avec lequel Michael forme également un lien, tout en puisant dans plusieurs questions environnementales et culturelles pertinentes, la production magnifiquement filmée du réalisateur Seet s’avère aussi pertinente aujourd’hui qu’il y a 40 ans et plus.

A la fois exaltant et mélancolique, c’est le bon « Storm Boy » pour notre époque turbulente.

Note : 8,5/10

2583217.jpg

 

Test Blu ray : Unfriended: Dark Web (2 mai 2019) de Stephen Susco avec Kurt Carley, Colin Woodell

Un jeune homme trouve un ordinateur portable et, innocemment, le ramène chez lui. Dans les dossiers, il déniche d’inquiétants fichiers cachés qu’il s’empresse de montrer à ses amis sur Skype. Sans le vouloir, tous se retrouvent dans les tréfonds du Dark Web et découvrent rapidement que quelqu’un les observe et que cet inconnu est prêt à tout pour récupérer son portable et protéger ses secrets.

Chronique : Bien que la plupart des gens qui reconnaissent son nom l’associent probablement aux films de Night Watch , ou peut-être à son vrai succès, au succès au box-office Wanted , le cinéaste Timur Bekmambetov s’est secrètement créé un nouveau nom en tant que pionnier dans un seul genre de niche. : le film de genre sur écran. Bekmambetov est le producteur des films Unfriended et de Searching. Unfriended: Dark Web (le premier long métrage de Stephen Susco, auteur du remake de Grudge ) se détourne de l’histoire surnaturelle contenue dans l’original de Unfriended et évolue vers des peurs réelles.

Matias (Colin Woodell) vient de recevoir un « nouvel » ordinateur portable (nouveau pour lui, pas tout neuf) et cherche comment l’utiliser au début du film. Son désir principal d’obtenir un ordinateur plus rapide est la possibilité d’utiliser son programme Papaya pour communiquer en ASL avec sa petite amie sourde Amaya (Stephanie Nogueras), mais cela plait également à son groupe d’amis de la nuit de jeu sur Skype – le tout récent fiancé Nari ( Betty Gabriel) et Serena (Rebecca Rittenhouse), le technicien britannique Damon (Andrew Lees), le dopey podcasteur AJ (Connor Del Rio) et Lexx (Savira Windyani) – qui sont ravis de le voir passer à une technologie plus moderne. Le seul problème est que les notifications du propriétaire précédent ne cessent de s’afficher, et elles deviennent de plus en plus étranges: de nombreuses femmes réclamant « Norah » leur achètent des billets d’avion, parlent de transactions passées et présentes, et enfin, une femme nommée Erica exigeant de savoir où Matias a eu le portable … une question qui va rapidement devenir pertinente pour Mathias et tous ses amis alors qu’ils approfondissent le contenu de l’ordinateur et se retrouvent plongés dans un jeu mortel au chat et à la souris.

Susco, qui a également écrit le scénario, établit des liens bienvenus avec le premier film Unfriended . Comme ce film, c’est un conte de moralité d’horreur classique, avec les rebondissements terrifiants servant de retour pour une transgression. Il y a aussi une scène où des appelants anonymes de Skype commencent un compte à rebours numérique éprouvant pour les nerfs. « Vieux amis » et « interaction en ligne » sont des choses qui entravent facilement les écrivains, mais Susco s’acquitte assez gentiment, avec l’avertissement que la plupart des téléspectateurs (moi-même inclus) n’en sauront pas assez sur le « web sombre » pour savoir si la description du film n’est pas exacte. Tout le groupe d’amis n’est pas entièrement épanoui – Damon est vaguement défini jusqu’à ce qu’il essaie d’utiliser des solutions techniques pour aider Mathias à se sortir du pétrin, et Lexx n’a jamais beaucoup de personnalité, mais les deux relations amoureuses du film sont étoffées assez pour un certain niveau d’investissement émotionnel.

Ce qui manque au film dans la dynamique de groupe, c’est le mystère. L’histoire des fantômes de Unfriended était convaincante, mais la fantasmagorie de la toile sombre est plus qu’un crochet suffisant pour un suivi. Susco transmet avec succès le sentiment de danger qui règne dans la ruelle alors que Mathias fouille de plus en plus profondément dans les dossiers cachés de l’ordinateur et, à l’instar du premier film, l’anonymat de l’antagoniste du film ajoute à l’atmosphère (les téléspectateurs risquent de faire des cauchemars au sujet du Skype par défaut). avatar). Il serait difficile de faire valoir que, soit Unfriended n’est pas au moins un peu idiot, mais il y a juste ce qu’il faut d’informations indépendantes pour laisser le spectateur deviner, alors que Susco dénoue les divers rebondissements du film.

Dark Web ne se sent pas aussi ambitieux ni aussi avisé quant à la façon dont les gens utilisent leurs écrans que le premier film, mais le film ne traîne jamais et ne devient visuellement pas intéressant. La distorsion électronique qui entoure les personnes qui cherchent un ordinateur portable est ridicule, et pourtant Susco le fait fonctionner (à l’exception d’une bande vidéo déformée dans un clip YouTube de la mort d’un personnage). La conception sonore est généralement efficace, y compris la fissure brutale d’une arme contre le crâne de quelqu’un et le silence inquiétant qui plane souvent dans les airs pendant que les personnages attendent que d’autres chaussures tombent. Dark Web exploite une certaine peur du pouvoir que la technologie place au bout des doigts – au moment d’écrire cet article, je me suis retrouvée à regarder par-dessus mon épaule.

Note : 8/10

51tjLfpscfL._SX679_.jpg

La vidéo et l’audio
Unfriended: Dark Web est présenté dans un transfert AVC 1080p de 1,78: 1 qui a généralement l’air beau, dans la mesure où il est censé toujours être « beau ». Il y a des erreurs de distorsion vidéo intentionnelles, des vidéos « webcam » (qui sont sujettes à l’écrasement, au crénelage, à la douceur, etc.) et à d’autres petites anomalies, mais toutes ces choses sont évidemment imputables à la façon dont le film est conçu – L’aspect le plus important ici est que le spectateur peut lire clairement le texte à l’écran, ce qui est rendu clairement. La même licence esthétique s’applique à la piste DTS-HD Master Audio 5.1 du film – les personnages se déplacent vers et hors des microphones d’ordinateurs portables, abandonnent et parfois « soufflent » – tout cela fait partie de la conception. Le silence (ou le silence relatif de tout, sauf de la frappe au clavier) est un élément important de l’action ici, avec quelques indices de partition minimaux. Les sous-titres en anglais pour les sourds et les malentendants sont également inclus.

51zoTn2eUTL._SX679_.jpg

Les extras
Les trois fins alternatives annoncées sur la couverture représentent les seuls extras sur le disque. Ils sont présentés comme un « choisissez votre propre aventure » se terminant par le sous-titre « Qui mérite de vivre? » Pour éviter les spoilers, je ne peux pas révéler les titres de chacun, mais il existe évidemment trois options distinctes (5h30, 7h52 et 7h03). L’une des terminaisons, la dernière des trois options, jouée lors de certaines séances dans les théâtres, comme l’ indice d’ origine, est sans aucun doute la plus satisfaisante des trois terminaisons alternatives, et peut même même être meilleure que la fin théâtrale du film. Les deux autres sont des haussements d’épaules, des tentatives anti-climatiques où le téléspectateur sera capable de réfléchir, mais aussi de comprendre pourquoi ils ont été largués. C’est dommage qu’aucune autre option d’affichage ne soit disponible ici. Si la possibilité de choisir l’autre version jouée de manière théâtrale était une option, j’y répondrais à chaque fois.

 

  • Acteurs : Kurt Carley, Colin Woodell, Betty Gabriel, Stephanie Nogueras, Rebecca Rittenhouse
  • Réalisateurs : Stephen Susco
  • Format : Couleur
  • Audio : Allemand (DTS 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS 5.1)
  • Sous-titres : Français, Allemand
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
  • Région : Toutes les régions
  • Rapport de forme : 1.78:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : Universal Pictures France
  • Date de sortie du DVD : 2 mai 2019
  • Durée : 92 minutes

61mKhbTzz0L._SY445_.jpg

 

 

 

Test Blu ray : Le Grinch ( 3 avril 2019) de Scott Mosier, Yarrow Cheney

Chaque année à Noël, les Chous viennent perturber la tranquillité solitaire du Grinch avec des célébrations toujours plus grandioses, brillantes et bruyantes. Quand les Chous déclarent qu’ils vont célébrer Noël trois fois plus fort cette année, le Grinch réalise qu’il n’a plus qu’une solution pour retrouver la paix et la tranquillité: il doit voler Noël.

Chronique : Après la version live de 2000, le revoici version 2018, et en animer. Tout comme son prédécesseur, c’est un immense effet de masse ultra coloré et festif et bien plus musical qui nous est offert. De sa première à sa dernière seconde, rien n’est laisser au hasard pour ne jamais nous lassez. Un grinch qui cette fois-ci est bien plus amical que dans l’autre film. Une histoire qui elle, est radicalement opposée sans en oublier le fondamental. Après certes, quand on à vu les 2 versions, inutile d’en ressortir une 3ème dans 5 ou 10 ans, ou alors l’adaptation déformerait tous. Une leçon de vie également lorsque la petite héroïne s’explique sur son futur entretien avec sa star légendaire. Une surconsommation de noël qui est là bien plus brève mais tout aussi présente mais d’une manière moins « violente » que dans le film. Des gags à gogo pour un moment monumental, qu’Illumination se doit parfaitement bien.

Note : 9,5/10

 

Vidéo : Le Grinch se traîne dans les cinémas à la maison avec un encodage MPEG-4 1080p / AVC de qualité de référence absolument époustouflant qui éclate dès le départ avec un magnifique défilé de couleurs.

Notre anti-héros débraillé et laineux est d’un vert éclatant et brillant, mais il se sent étrangement maladif et nauséabond. Son rougissement est nettement différent de celui des pins et des genévriers plus profonds du feuillage environnant et du sapin de Noël ginormeux. Les décorations et les maisons de vacances sont d’un rouge cerise radieux et le ciel est d’un bleu céruléen intensément brillant. Le reste de Whoville est inondé de teintes secondaires somptueuses et séduisantes et de pastels fascinants. Dans le même temps, le contraste produit des blancs brillants et brillants dans la neige, éblouissants et lumineux, faisant scintiller et scintiller les cristaux de glace individuels à la lumière du soleil. Les noirs riches en encre couvrent les coins les plus sombres avec des ombres de minuit luxueuses sans ruiner les aspects les plus fins.

Présentée dans son format de base original de 2,35: 1, l’animation est extrêmement nette et plutôt extraordinaire à regarder, car même la décoration la plus minutieuse et l’objet à l’arrière-plan sont clairement visibles à distance. Les téléspectateurs peuvent distinguer les caractéristiques les plus infimes des formations rocheuses du sommet de la montagne et de la grotte, les petites crevasses situées sur les murs des bâtiments de Whoville et les détails élaborés à la baudouche des gigantesques ornements d’arbres. Plus étonnant encore sont les poils bien définis et extrêmement réalistes du Grinch, les aiguilles individuelles des pins et la neige poudreuse réaliste. Choisissez n’importe quelle scène au hasard, la présentation générale est un pur régal pour les yeux.  

 

Audio : Le blockbuster de vacances fait ses débuts avec une excellente bande son Dolby Atmos qui ne poussera pas exactement son système audio à ses limites, mais qui complète néanmoins les visuels pour une efficacité satisfaisante.

La conception avant lourde crée une scène sonore large et splendide, l’action se déplaçant entre les trois canaux de manière fluide et dans l’espace hors écran. L’imagerie présente une clarté et des détails extraordinaires au cours des segments les plus forts et les plus perçants, permettant ainsi au son de la neige d’être parfaitement entendu, tout en maintenant une intonation et une hauteur distinctes et précises des différentes voix. Pendant la majeure partie de l’exécution, les graves bas de gamme se situent naturellement dans la plage des médiums, mais occasionnellement, ils creusent légèrement plus profondément dans quelques endroits inattendus. La partition de Danny Elfman dégage beaucoup de chaleur et de fidélité tout en saignant légèrement aux alentours et dans les hauteurs, créant ainsi un effet de demi-dôme amusant et très engageant.

Pour un film d’animation loufoque et loufoque comme celui-ci, l’activité arrière est étonnamment limitée et limitée à l’action à l’écran. De temps en temps, quelques atmosphères sont employées, telles que la faune locale au loin ou lorsque des personnages sont aperçus en train de glisser dans des arbres ou de descendre des pentes dans les montagnes. La même chose peut être dite des canaux de hauteur, car quelques-uns de ces effets dispersés voyagent au-dessus de la zone d’écoute. Certes, de tels cas se déroulent parfaitement entre les haut-parleurs et sont appréciables, mais ils ont aussi tendance à attirer l’attention sur eux-mêmes tout en ne générant pas un champ acoustique hémisphérique véritablement convaincant. En mettant ces problèmes de côté cependant, la combinaison d’objets est finalement très agréable pour les plus petits de la famille.

 

Bonus  :

 

  • Who’s Who in Who-Ville (2160p): Une carte interactive virtuelle conçue dans le style d’un livre pop-up, offrant aux téléspectateurs l’occasion d’en apprendre davantage sur les personnages et leur fabrication. Lorsque vous sélectionnez l’un de ces caractères, les quatre options suivantes sont disponibles:
    • Profil du personnage
    • Tests d’animation
    • Progression Reel
    • Galerie de photos
  • Mini-films (2160p): un trio de courts métrages animés, tous présentés en Dolby Vision HDR, procure quelques minutes de divertissement supplémentaires à toute la famille. L’un d’entre eux mettant en vedette les Minions joués au début du film dans les cinémas.
    • Jaune est le nouveau noir (4 min)
    • Les journées du chien en hiver (4 min)
    • Petits aides du père Noël (4 min)
  • La réalisation des mini-films (2160p, 6 min): explorez brièvement les thèmes de chacun des mini-films à travers les yeux des cinéastes qui les ont réalisés.
  • La bûche de Noël de Cindy-Lou (2160p, 8 min): une version Grinch de la cheminée virtuelle stylisée après le salon de Cindy-Lou le soir de Noël avec de la musique alors que les décorations sont volées.
  • Tous ceux qui peuvent dessiner (2160p, 7 min): Animés par Mark O’Hare, un artiste de Illumination, les téléspectateurs peuvent apprendre à dessiner Grinch, Max et Fred.
  • Vidéo lyrique (2160p, 5 min): Essentiellement, une paire de clips musicaux à écouter en solo par Tyler, le créateur.
    • « Vous êtes un méchant, M. Grinch »
    • « Je suis le Grinch »
  • Du vert à l’écran (2160p, 6 min): très brève pièce de style EPK avec des interviews des acteurs et de l’équipe qui discutent des personnages, des thèmes et de l’adaptation avec des séquences BTS.
  • Illuminating The Grinch (2160p, 5 min): Une autre featurette réalisée à partir d’interviews et de séquences BTS abordant l’animation des personnages, du croquis au produit fini.
  • Mes premiers souvenirs de Grinch (2160p, 3 min): l’équipe de casting et l’équipe dévoilent leurs premiers souvenirs et l’attrait persistant de ce classique des fêtes.
  • Grinchy Gadgets (2160p, 3 min): explorez le monde merveilleux des gadgets de Grinch.
  • Chansons de son petit cœur (2160p, 3 min): de la partition de Danny Elfman aux chansons spécialisées, une brève discussion sur la création de la musique derrière le film.
  • Noël autour du monde (2160p, 2 min): souligne rapidement comment différentes cultures célèbrent la saison des vacances.
  • Bébés de production (2160p, 1 min): Célébration des bébés nés des cinéastes pendant la production.

 

  • Audio : Italien (Dolby Digital 5.1), Roumain (Dolby Digital 5.1), Néerlandais, Français, Anglais, Néerlandais belge
  • Audio description : Français
  • Sous-titres : Italien, Roumain, Français, Néerlandais
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
  • Région : Toutes les régions
  • Rapport de forme : 2.39:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : Universal Pictures France
  • Date de sortie du DVD : 3 avril 2019
  • Durée : 85 minutes

614vEsq2JwL._SY445_.jpg

 

Critique : Love, Death + Robots (15 Mars 2019) De Tim Miller, David Fincher avec Aaron Himelstein, Jill Talley

Un yaourt susceptible, des soldats lycanthropes, des robots déchaînés, des monstres-poubelles, des chasseurs de primes cyborgs, des araignées extraterrestres et des démons de l’enfer assoiffés de sang : tout ce beau monde est réuni dans 18 courts d’animation déconseillés aux âmes sensibles.

Chronique : Lorsque David Fincher s’associe à Tim Miller (réalisateur de Deadpool) pour produire une série anthologique d’animation, cela ne peut que être excitant. En effet, les 2 compères se sont rencontrés il y a des années déjà pour composer la séquence de générique très graphique de « The Girl with the Dragon Tattoo », via la société Blur (spécialisée dans les effets spéciaux et l’animation 3D de divers films ou cinématiques de jeu vidéo), fondée par Miller. Fincher fit à ce dernier la promesse qu’il l’aiderait à produire le projet de son choix si il en avait l’envie, et ce jour est enfin arrivé avec « Love, Death + Robots ». Nourrie à des oeuvres pulp des années 70-80 comme Robot Carnival ou Métal Hurlant, cette anthologie de 18 épisodes entre 5 et 20 minutes mêle les genres avec une efficacité et une inventivité tout simplement effarante : science-fiction, horreur, action, fantastique, anticipation ou humour noir. Chaque épisode se renouvèle également, via son animation,qui passe de la 2D traditionnelle à la 3D photoréaliste, en passant par la japanimation, le jeu vidéo et le comic book. Définitivement pour un public adulte, adepte d’oeuvres subversives et singulières, « Love, Death + Robots » est d’une richesse dingue, proposant une pléthore d’univers uniques allant du mystique dans la Chine du XIX siècle, de la hard-SF tendance space opera, de l’uchronie fantastico-médiévale ou le trip visuel halluciné, en passant par une guerre entre fermiers et aliens ou un survival archéologique. Plus que de l’amour, de la mort ou des robots, c’est une véritable déclaration d’amour au pulp, à l’imagination et à la créativité, entre le jeu vidéo, le cinéma et la Bande-dessinée. Seule une constante règne : la violence, qu’elle soit physique, graphique, psychologique ou sous-jacente C’est simple, adepte de genre, on est scotché à chaque fois devant ce maelstrom d’écriture, de conception et d’animation, où chaque personnage est parfaitement caractérisé, chaque univers plus fou, chaque high-concept plus recherché, chaque réalisation poussée à fond et enfin chaque style d’animation propre à chacun des studios et artistes qui a participé à ce formidable ensemble (plus d’une dizaine de studios, dont des français,des américains, des hongrois, des chinois ou encore des canadiens Profondément unique et dément, hardcore ou poétique, grisant ou débridé, jouissif ou métatextuel, « Love, Death +Robots » est un petit chef-d’oeuvre tout simplement.

Note : 9,5/10

Love, Death & Robots, le vendredi 15 mars sur Netflix.
3274407.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg