« Evermore », la suite de « Folklore » de Taylor Swift, est un voyage plus profond vers l’intérieur

Taylor Swift, dans un champ hivernal, dans une tresse et un manteau à carreaux.

Le nouvel album parvient à inclure à la fois une chanson douce sur la grand-mère de Swift et le meilleur juron de sa carrière.

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Quand tout clique pour Taylor Swift, le risque est qu’elle va le pousser trop loin et surcharger l’appétit du public. Sur « Mirrorball » de Folklore , elle chante, avec une admirable connaissance de soi, « Je n’ai jamais été un naturel / Tout ce que je fais c’est essayer, essayer, essayer. » Alors, quand je me suis réveillé hier à la nouvelle qu’à minuit, elle allait répéter le truc qu’elle avait réussi avec Folklore en juillet – la sortie surprise d’un album de chansons pop-folk de mauvaise humeur enregistrées à distance en quarantaine avec Aaron Dessner du National comme ainsi que son producteur de longue date Jack Antonoff – j’étais inquiet. Retomberait-elle dans le schéma de surexposition et de contrecoup qui s’est produit entre 1989 et réputation ?

Cependant, écouter le nouvel Evermore ne semble pas être une telle menace. Un meilleur parallèle pourrait être avec les albums « Side B » que Carly Rae Jepsen a sorti après Emotion et Dedicated , tout simplement issu de l’enthousiasme mutuel de l’artiste et de ses fans. Ou, plus proche des propres impulsions de Swift ici, publier un livre d’histoires courtes d’un auteur peu après un roman à succès. Lockdown a été un énorme défi pour les musiciens en général , mais cela a libéré Swift des tournées et de la publicité quasi perpétuelles dans lesquelles elle était depuis son adolescence, et de son sens de l’obligation de produire de la musique qui fait monter les foules du stade et de la radio. programmeurs. Swift a toujours semblé le plus elle-même comme l’auteur-compositeur au talent précoce; le côté de la pop-star est l’endroit où sa maladresse difficile et étudiante fait le plus surface. La quarantaine est venue comme un laps de temps pour se concentrer principalement sur son métier à maturité (elle aura 31 ans le dimanche), à ​​l’atelier et au bûcher. Quand Evermore a été annoncé, elle a dit qu’elle et ses collaborateurs – clairement surtout Dessner, qui co-écrit et / ou coproduit toutes ces 15 chansons sauf une – ne voulaient tout simplement pas arrêter d’écrire après Folklore.

Taylor Swift surprised fans with a second album written and recorded during the coronavirus lockdown, “Evermore.”

Ce disque souligne en outre son saut de l’autobiographie dans des chansons qui sont soit de pures fictions, soit des paroles symboliques d’une manière qui n’agit pas comme des romans à clef . Sur Folklore , cela est venu avec le frisson d’une percée. Ici, elle peaufine l’approche, avec le résultat qu’Evermore ressemble à une anthologie, avec moins d’une ligne émotionnelle intégrée. Mais que ça ne se sent pas aussi important que le folklore est aussi sa vertu. Des enjeux réduits offrent la permission de jouer, de plaisanter, de donner moins de baise – et cet album a certainement le meilleur juron de toute l’œuvre de Swift.

Parce que c’est presque tout Dessner qui supervise la production et les arrangements, il n’y a pas la variété stylistique que la plus grande présence d’Antonoff a apportée au folklore . Cependant, Swift et Dessner semblent avoir réalisé que le minimalisme maximaliste qui dominait le folklore, avec des couches sur des couches de lignes instrumentales retenues pour le bien de l’atmosphère, était trop une bonne chose. Il y a plus de pauses dans l’ambiance sur Evermore, comme il y en avait avec «Betty» de Folklore , la chanson country qui figurait parmi les favoris de nombreux auditeurs. Mais il y a encore des moments qui risquent une lugubre brumeuse, et peut-être avec une récompense réduite.

Dans l’ensemble, les gens qui ont aimé le folklore aimeront au moins Evermore aussi, et la minorité des appréciateurs de Swift qui ont désapprouvé peut même se réchauffer à plus de sons ici. J’ai envisagé de faire une comparaison piste par piste entre les deux albums, mais cela m’a semblé un peu pathologique.

Taylor Swift 'evermore' Review: Her NPR-Indie Singer-Songwriter Era  Continues

Miley Cyrus: critique de Plastic Hearts – trop plastique, mais a du cœur

Un album moins intéressant que l'artiste qui l'a réalisé ... Miley Cyrus.

Il y a six ans, Miley Cyrus Tour Bangerz de arrivé à Londres. C’était aussi ridicule et ridiculement divertissant un spectacle pop de stade que n’importe qui est susceptible de le mettre en scène, mettant en vedette Cyrus dansant sur scène avec un cheval pantomime, chantant une ballade tout en étant poursuivi par un oiseau marionnette orange fluorescent géant et apparaissant à côté d’une statue de 30 pieds d’elle. le chien Floyd récemment décédé, qui a tiré des lasers de ses yeux. Juste au moment où vous vous demandiez ce qu’elle pourrait faire ensuite, elle a demandé au public s’il aimait Bob Dylan . Le silence de tumbleweed qui a suivi a suggéré que non, mais elle a quand même chanté You’re Gonna Make Me Lonesome When You Go. À d’autres occasions, elle a favorisé la foule avec les Smiths ‘There Is a Light That Never Goes Out, le classique soul de la Nouvelle-Orléans d’Irma Thomas en 1963, Ruler of My Heart et Babe I’m Gonna Leave You de Led Zeppelin .

Ce n’était pas une pop star qui complétait consciencieusement son set avec quelques chansons bien connues: c’était une preuve audacieuse du goût intrigant catholique que la carrière ultérieure de Cyrus a essayé de satisfaire. Elle a suivi Bangerz avec Miley Cyrus & Her Dead Petz , qui la mettait en scène jouant des bols tibétains et collaborant avec les Flaming Lips , dont elle rappelait fréquemment le son. Elle a fait un album country froidement reçu suivi d’un EP lourd de synthé qui présentait des apparitions de Ghostface Killah, Swae Lee de Rae Sremmurd et RuPaul. Son dernier arrive emballé comme un album new wave des années 80: rose fluo sur noir, photo de Mick Rock d’un Cyrus à chaud au peroxyde portant des gants en cuir et un T-shirt portant l’inscription «CENSORED». Il a été suivi par un fantastique single, Midnight Sky , qui a interpolé le succès de Stevie Nicks en 1981, Edge of Seventeen (le chanteur de Fleetwood Mac est apparu plus tard sur un remix de mashup), et une succession de versions de reprise comprenant une interprétation acoustique de Pink Floyd . Wish You Were Here et Blondie ‘s Heart of Glass ont été enregistrés avec un groupe live. Ceux-ci ont été accueillis avec enthousiasme, et il est assez évident pourquoi. Pour utiliser le genre de terme que Cyrus aurait pu utiliser pendant la tournée Bangerz, elle a chanté la merde de tous, sa voix rauque – un instrument au son très différent de celui de n’importe quel autre grand chanteur pop grand public – ajoutant une puissance brute même à une version du Zombie en phase terminale venteux et dominateur des Cranberries .

La liste des invités met en évidence le chemin délicat que Plastic Heart emprunte à travers les goûts de Cyrus: les stars punky des années 80 Billy Idol et Joan Jett aux côtés de Dua Lipa . Il lance des ballades qui affichent divers degrés de traditionalisme de Nashville – de l’acoustique High au Golden G-String final, qui est décoré de beaux synthés Abba-esque – contre la pop 2020 grand public, les restes électroniques de l’album mis au rebut She Is Miley Cyrus et les morceaux qui s’inscrit dans le penchant de Cyrus pour le rock. Ces derniers sont de loin les choses les moins réussies ici, en grande partie parce qu’ils offrent l’idée d’un producteur de pop grand public 2020 de ce à quoi devrait ressembler la musique rock. Malgré la distorsion, il y a quelque chose d’antiseptique dans les guitares qui la soutiennent lors de son récent divorce sur WTF Do I Know, tandis que l’éclat obligatoire d’Auto-Tune réussit à stériliser la voix de Cyrus, la faisant rugir étrangement à pleine gorge. À l’exception de Bad Karma, produit par Mark Ronson et prêtant une sensation live à travers ses tambours battants, cela ressemble à de la musique rock soumise à un filtre Instagram. C’est décevant une fois que vous avez entendu ce que Cyrus peut faire quand elle laisse rip live: si vous ne l’avez pas fait, Heart of Glass et Zombie sont ajoutés à l’édition de luxe.

La présence du classique pop de Blondie jette une partie de la composition de l’album sous une lumière assez impitoyable, bien qu’il y ait du bon matériel. Angels Like You est une ballade de stade usinée avec précision, avec un chœur cloué. Les affectations des années 80 de Night Crawling sont bien faites, augmentées encore par Billy Idol en mode de mariage blanc plein de grognements («come awhn!»). Never Be Me et Gimme What I Want sont des exemples supérieurs de synth pop flottante. Mais la collaboration avec Lipa Prisoner est beaucoup moins intéressante que sa vidéo sanglante, mangeuse d’araignées, citant John Waters: son son n’est pas à un million de kilomètres de Future Nostalgia de Lipa, mais la chanson elle-même n’est pas aussi forte. comme les hits de cet album. Vous ne doutez pas du lien émotionnel de Cyrus avec les paroles angoissantes de Hate Me, ni avec la chanson titre, mais sa voix est mal desservie par les mélodies standard et les paramètres musicaux.

En écoutant Plastic Heart, il est difficile de ne pas soupçonner un sentiment de compromis: tenter de rassembler les intérêts divers de Cyrus dans quelque chose avec un attrait commercial évident pour éviter les ventes en sourdine de Younger Now en 2017, qui n’a pas réussi à convaincre les fans de pop ou à attirer la foule country traditionnelle . Ce n’est pas un mauvais album mais c’est beaucoup moins intéressant et plus simple que l’artiste qui l’a fait.

Mesdames / Grand Corps Malade

Pour son 7e album, Grand Corps Malade a décidé de mettre à l’honneur la gent féminine. 

Quelque chose d’important à faire pour l’artiste qui s’inquiète encore en 2020 de la condition de la femme et des inégalités qui perdurent. 

Critique : Ode aux femmes, à leur courage et à leur beauté, le morceau Mesdames ouvre sur un album par définition engagé. Mais pas trop non plus. Des grands mouvements tels que #MeToo ou des femmes ayant marqué l’histoire ne sont pas évoqués. Il se penche plutôt du côté du quotidien, de la femme que l’on côtoie, croise ou fantasme. Seul Pendant 24h révèle les problèmes de fond de la société. Grâce au procédé astucieux de l’échange de corps, Grand Corps Malade et Suzane redécouvrent la vie sous le prisme de l’autre genre.

Ainsi, la femme ne se résumant à la maternité, aucun titre ne lui est dédié; seul Une Sœur fait écho à une figure féminine familiale. Je ne serai que de trop la présente comme l’amante d’un soir. Ou elle représente un cœur à prendre dans Un verre à la main sur fond de synthétiseur entraînant jusqu’au bout de la nuit. En somme, Mesdames se place sous le signe de la symbiose; hommes et femmes sont complémentaires. Les vers flattent indéniablement l’oreille, mais Grand Corps Malade n’est malheureusement pas au top de sa forme.

Cette légère baisse de qualité ne s’accompagne heureusement pas du rebut de ses sujets de prédilection. La maladie et la vie en cité s’immiscent alors dans cet album. Et la crise actuelle lui inspire Confinés, un titre complémentaire à Effets Secondaires. Celui-ci porte la voix des enfants, en général peu entendues, sur la redéfinition du quotidien lors du confinement.

Mesdames se réinvente à chaque titre, le mariage de la voix grave de Grand Corps Malades aux plus aiguës de ses invitées séduit indéniablement. Cet album engagé né des inégalités entre hommes et femmes s’envisage alors comme une lueur d’espoir en ces temps tourmenté. Une initiative humaine qu’on ne se lasse pas d’écouter.

4 chansons de Mylène Farmer de la dernière décennie à sauver

Comme je l’ai écrit dans mon premier article consacré à l’artiste française la plus marquante de vingt dernières années, la dernière décennie a été compliquée pour moi en tant que fan. Mylène a opéré un changement durant ces années qui m’ont quelque peu décontenancé. Des chansons à la production hasardeuse, des clips moins ambitieux et surtout des paroles qui frisent parfois le ridicule. Pourtant sur les quatre albums que la chanteuse a produits durant cette décennie il y a tout de même quelques chansons qui ont trouvé grâce à mes oreilles.

Voilà pourquoi j’ai décidé de mettre en avant ces chansons à travers un humble top complètement subjectif. Évidemment il y a un bien plus que quatre chansons que j’ai conservé dans ma playlist mais ces chansons ont le mérite d’avoir un texte inspiré à défaut d’être révolutionnaire, une mélodie harmonieuse en plus de trouver une résonance personnelle.

Pour être sélectionnée les chansons ne devaient avoir été exploitées ni en single, ni sur scène. Une fois le choix effectué, ce qui représente tout de même une cinquantaine de titres en tout si l’on ajoute les chansons hors album, il est apparu que ces chansons avaient une approche commune mais je développerai ce point en fin d’article.

4 Parler d’avenir

On débute avec l’un des titres le plus récent de la discographie de Mylène. Paru sur l’album Désobéissance en 2018. Ce titre souffre d’une mélodie trop timide et gentillette. Certains auront vite fait de le cataloguer dans la case guimauve oubliable mais le titre a pour lui deux atouts qui lui valent la dernière place dans ce top. Le premier est qu’il représente parfaitement cette nouvelle approche de Mylène par rapport à l’écriture. Un style plus direct où Mylène s’adresse directement à l’auditeur dans un dialogue où elle nous invite à regarder l’état du monde actuel.

”Caché dans ton lit/tu fuis/le regard d’autrui/pourtant/ la vie…”

Le second atout est que, si le texte est plus ambigu, la voix de Mylene, douce et chaleureuse, inspire un optimisme salvateur durant cette période sclérosée où les appels à la révolte et au désespoir se multiplient.

3 Voie lactée

L’album Interstellaire, paru en 2015, souffre de deux gros défauts, à mon sens, qui le place irrémédiablement tout en bas de mon classement personnel des albums de la chanteuse. Une écriture bâclée et une production inaboutie. Sans compter que le thème de l’espace autour duquel est construit l’album tourne très vite en rond. Pourtant au milieu de ces titres pop qui mélangent allègrement le français et l’anglais se dissimule un titre mid-tempo qui souffre lui aussi de ce franglais repoussant ”il faut des up, des up”, qui m’ont fait mettre le titre aux oubliettes pendant un petit moment. Mais cet abus de la langue anglaise dissimule un appel au lâcher prise, à laisser les vieux démons au placard.

”Comme les flocons d’air/de neige en hiver/qui fondent au printemps/ me perdre/dans la voie lactée/ ourlée de mystère/ m’y plonger dedans

Cette chanson n’offre rien de novateur dans l’univers farmenien mais elle agit comme une véritable bouffés d’air frais pop et enthousiaste, porté par une production plus légère mais tout aussi électro que sur les autres titres de l’album. L’un des textes les plus personnels de la chanteuse dans cet album.

2 N’aie plus d’amertume

Cette ballade composée par Moby et réarrangée pour les besoins de l’album Bleu noir sorti en 2010 comporte tous les éléments d’une ballade farmenienne. Elle aurait d’ailleurs facilement pu figurer sur le précédent article que j’ai consacré aux ballades méconnues de la chanteuse. Les différents instruments, piano, guitares et basse se marient à la perfection pour livrer un écrin à la voix de Mylène qui semble s’adresser à un proche dans l’espoir d’obtenir son pardon et se réconcilier avec lui, ou elle.

”Et quand la danse cessera/ que jaillise encore ta voix/mais dieu que tu sembles si lasse/viens t’asseoir à côté de moi/ et passe”

Une chanson apaisante qui fait penser aux soirées qui suivent une journée orageuse, où les tensions avec l’être aimé se sont fait ressentir toute la journée et où le soir venu, enfin, on trouve la force de faire un pas vers l’autre pour faire taire l’orage qui gronde.

1 À-t-on jamais

L’album Monkey me est source de discorde parmi les fans de Mylène Farmer. Certains louent le retour de Laurent Boutonnat à la direction artistique tandis que d’autres déplorent les arrangements datés, les productions bourrines et le manque d’investissement global de la part de Mylène. Pour ma part je me situe dans un entre-deux, je trouve les visuels de cet album affreux et la place laissée à l’electro-pop donne à ce disque paru en 2012 un aspect bas de gamme qui le fait mal vieillir. Par contre les textes de Mylène, même si l’on peut détecter une certaine redondance et autres facilité tout à fait normal après tant d’années, déploient encore une palette d’émotions riche et variée. Et justement la chanson dont il question à présent est l’un des plus beaux textes de l’album.

D’affronter tant de nuits/les désastres du passé/ j’ai oublié de vivre/ d’accrocher l’astre à mon pied”

Chacun est libre d’interpréter le texte à sa façon mais pour moi il s’agit d’un texte éminemment personnel pour la chanteuse où elle semble faire le bilan d’une relation, entre regrets et remords afin de poursuivre sa route vers d’autres lendemains.

Coincée entre deux titres plus up-tempo, cette chanson passe facilement inaperçue. Elle est ce qu’on appelle dans le milieu musical un growner, à chaque écoute, même d’une oreille distraite, le titre gagne en puissance. La mélodie débute par des notes de guitares alors que la voit de Mylène se pose délicatement puis la batterie et le clavier s’emballent et la chanson s’achève sur une tempête de chœurs et de claviers. La présence de guitares et des chœurs de Esther Donbong’na Essiene au milieu des claviers chère à Laurent Boutonnat apporte un supplément d’âme à cette chanson qui dénote singulièrement par sa subtilité au milieu d’autres compositions moins fines dans leurs arrangements.

Quatre chansons, c’est peu me direz-vous au regard de la production de la chanteuse ces dernières années. Évidemment ce ne sont pas les seules chansons que je retiens du répertoire de la chanteuse des années 2010 mais ces quatre chansons, même si elles ne sont pas les meilleures et qu’elles tiennent parfois mal la comparaison avec d’autres titres plus anciens, résonnent de manière particulière dans mon petit cœur de fan. D’abord, mis à part Parler d’avenir, ces titres me semblent être très personnels, c’est comme ça que je les interprète, et Mylène m’a toujours plus touché à travers ses textes personnels.

Ensuite on peut noter que dans ces quatre chansons Mylène semblent s’adresser à un interlocuteur. C’est flagrant dans Parler d’avenir et N’aie plus d’amertume, peut-être un peu moins dans Voie lactée, mais dans À-t-on jamais on ressent aussi la présence d’une personne à qui Mylène dirait adieu. Avec ces titres c’est un peu comme si Mylène cherchait à briser le mur qui la sépare de son public, à se rapprocher de nous, plus près. Ce qu’elle finira par faire finalement à travers un documentaire disponible sur Amazon prime dont mon compère a parlé dans une vidéo dont je mets le lien ici.

Armin van Buuren propose des remixes insaisissables dans « The Lost Tapes »: Dancing Astronaut

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Armin van Buuren est le cadeau qui ne cesse de donner. Après avoir donné des ailes à l’album de remix de 30 chansons, RELAXED en mai, le 81-inclusion A State Of Trance 2020 (Mixé par Armin van Buuren) en avril, l’album de remix de 87 coupes Balance en mars et un flux incessant de singles entre les deux, van Buuren est de retour engager les auditeurs avec une autre offre complète.

Le vétéran électronique prouve que son endurance de production est inégalée avec The Lost Tapes, une collection de 31 chansons de remix inédits, dont beaucoup ne pouvaient être trouvés que dans l’un des sets live de van Buuren – jusqu’à présent. Le trésor des classiques d’Armin réinventés comprend des reprises d’ilan Bluestone, David Gravell, Assaf et bien d’autres, aboutissant à près de deux heures d’activité de streaming «bande perdue». «You Are», «If It Ain’t Dutch» et «This Is What It Feels Like» sont parmi les morceaux séculaires pour faire peau neuve sur The Lost Tape.

Armin van Buuren - Lost Tapes

 

Alanis Morissette: Avis sur l’album: Such Pretty Forks in the Road

Alanis Morissette est de retour! Après une interruption de huit ans, l’un des pionniers du rock alternatif des années 90 revient sous les projecteurs avec son neuvième album studio, Such Pretty Forks in the Road . Après quatre ans de travail et une sortie retardée de trois mois en raison du COVID-19, l’album applique un traitement de marque Morissette – des paroles coupantes et une voix qui hurle, croonne et chuchote aussi habilement qu’une flèche – aux questions de l’âge adulte, de la responsabilité, et la créativité à un effet plus grand et plus complet que ce que nous avions vu pour la dernière fois d’elle. L’album qui en résulte est extrêmement obsédant, impeccablement poli et d’une gentillesse complexe.

Alanis Morissette: Such Pretty Forks in the Road review – back to ...

Such Pretty Forks in the Road trouve Morissette explorant la fragilité de la renommée, de la jeunesse et de la passion, mais d’une manière qui contrecarre cette fragilité dans ses traces. Au risque de se rapprocher trop près d’un jeu de mots «ironique», l’une de ses forces a toujours été son étreinte de la contradiction et des frictions qui y vivent. D’une part, elle n’a pas peur de trouver son propre son et d’utiliser sa voix rageuse et expressive pour se tailler ses propres définitions de la grâce et semble n’avoir aucun scrupule à la vulnérabilité; pensez à la douleur brute et personnelle qu’elle partage dans «You Oughta Know» ou à sa nudité littérale dans le clip de «Thank U». Pourtant, d’un autre côté, ses paroles, notamment sur cet album, trahissent ses insécurités et les questionnent à chaque tournant.

Son chemin avec les mots ne va nulle part, et dans cet album, elle l’associe à une production enveloppante et à des instrumentaux rock matures. Son énergie est plus concentrée que nous ne l’avons vu depuis des années, entre le Havoc contemplatif et Bright Lights et le chagrin enflammé et exploratoire de Flavors of Entanglement. Certes, le nouvel album n’a peut-être pas l’électricité persistante de chansons comme «Citizen of the Planet» et «Straitjacket», mais il trouve son énergie dans des grooves plus profonds et plus détaillés. Il y a la guitare, qui, dans «Sandbox Love», sonne comme les roues scintillantes d’une chanson rock classique, et «Smiling» porte une teinte mystérieuse et pénétrante qui ressemble presque à un thème de Twin Peaks . «Reasons I Drink» a une verve de type Fiona Apple, et «Reckoning» apporte une gaine de rythme, guidée par un piano doux et percutant et plus tard une union de batterie et de guitare.

À mi-parcours de l’album, «Losing the Plot» puise son inspiration dans la peur et offre un autre moment fort: les caisses claires et les cymbales conduisent un moment introspectif qui voit Morissette «pleurer la fin de Superwoman-ing» mais affirmant que sa «mission n’est pas encore morte. «  Elle trouve un antidote possible à cette perspective dans «Elle», une ode à la divinité féminine invitant Morissette «à une enquête plus courageuse».

En dehors de «Reasons I Drink», il y a peu du caractère accrocheur inébranlable de certaines des mélodies les plus appréciées de Morissette, ce qui peut en paraître un point bas. Mais le caractère accrocheur ne semble pas être la mesure la plus utile pour juger cet album, car il ne semble pas que ce soit le type de musique qu’elle cherche ici. Sur « Nemesis », elle chante, « Change you are my Nemesis / Transition I hold my souffle », et plus tard, « Now I are not known / Je suppose que c’est une bonne chose / Et je veux toujours aller plus loin. » En tant que «habitant du fond notoire» autoproclamée, elle n’est pas triste; elle sonde les profondeurs sous elle et trouve des lueurs.

The Bad: Toutes les chansons ici valent à peu près leur sel, mais il y a quelques moments lyriques où la complexité et les contradictions se sentent un peu réduites. «Missing the Miracle» illustre à merveille son ironie avec des lignes nettes comme «Je vais pour la jugulaire / Tu frappes jusqu’à ce que tu entres», mais ne fait pas grand-chose dans ses paroles ou sa mélodie régulière pour repousser ce dos -et-en avant dans le sens plus profond du «miracle» ci-dessous. Cela a une certaine parenté avec l’écriture de «Hand in My Pocket», mais sans une dose aussi forte de ce à quoi tout cela se résume. Ailleurs, « Sandbox Love » apporte un peu de soleil nécessaire et présente certaines des meilleures paroles d’ouverture de l’album (« Catapult me ​​out / Of this fantasy / Ça n’a jamais été le mien / Ça a toujours été le vôtre »), mais sa résolution semble démentir certains des travaux les plus complexes de l’album. Peut-être parce que le refrain célèbre un amour qui est « maladroit comme une baise / Sexy comme une baise / Sacré comme une baise », quelque chose à ce sujet semble encore trop beau et propre.

Avec l’ombre d’un album comme Jagged Little Pill qui la suit si activement – avec sa nouvelle production à Broadway qui fait ses débuts l’année dernière, son 25e anniversaire Deluxe Edition sorti cette année et une tournée anniversaire prévue pour 2021, sans parler de son héritage record -des ventes et des morceaux de rupture logés dans le cœur d’une génération – trouver une redéfinition à travers la nouvelle musique est un défi de taille. Ces jolies fourchettes sur la route font un travail plus clair que certains de ses prédécesseurs des années 2000 en ne donnant pas l’impression de vouloir suivre quelque chose ou de prouver qu’il y a encore des trucs que Morissette peut tirer de ses manches. Et c’est cet objectif qui le rend finalement convaincant.

Le clip de «Reasons I Drink» présente certains des nombreux visages d’Alanis Morissette – la star signant des autographes et donnant des interviews, la mère inquiète qui allaite, l’Alanis dans l’écharpe rayée et la casquette en tricot de son clip «Ironic» – et tous communiquent ensemble en thérapie de groupe. C’est plus une confirmation que tout ce que malgré sa notoriété des années 90 et toutes nos associations collectives avec elle, il n’y a pas de côté d’elle qui soit plus vrai que les autres; comme pour nous tous, il n’y a qu’un ensemble d’expériences et une voix innée qu’elle cherche à canaliser dans son travail pour communiquer l’essence de ce que ces expériences ressentent. Dans Such Pretty Forks in the Road , elle choisit un nouveau moteur d’expériences de sa vie pour alimenter cette voix – s’attaquant au patriarcat, à la dépression post-partum, à la toxicomanie et à la santé mentale – et la canalise à nouveau.

‘Folklore’ de Taylor Swift: critique d’album

Il est difficile de se souvenir d’une superstar de la pop contemporaine qui s’est livrée à un acte de nettoyage du palais sonore plus sérieux ou plus réussi que Swift avec son huitième album, une affaire très discrète mais riche écrite et enregistrée dans des conditions de quarantaine.

Taylor Swift album cover Folklore

Alors que la plupart d’entre nous ont passé les quatre derniers mois à mettre sur une variante de « la quarantaine 15 », Taylor Swift a travaillé secrètement sur le « Folklore » 16. Sorti jeudi soir avec moins d’un jour d’avis, son huitième album est un album complet. collection de chansons qui sonne comme si c’était des années dans la création interactive, pas le produit d’un quart d’année de partage de fichiers à partir d’un splendide isolement. Remarquez que les mots «héros de la pandémie» devraient probablement être réservés aux véritables travailleurs de première ligne et non aux artistes de premier plan. Mais il y a un peu d’esprit Rosie the Riveter dans la façon dont Swift est devenu le premier grand artiste pop à livrer un album de premier rang qui est passé de la germination à être complètement verrouillé au milieu d’un verrouillage national.

Les thèmes et le ton de « Folklore », cependant, sont un peu moins « Nous pouvons le faire! » et un peu plus  » Cannous le faisons? » Parce que cette nouvelle collection est l’album le plus ouvertement contemplatif – par opposition à secrètement réfléchissant – depuis le favori des fans «Red». En fait, c’est un euphémisme. « Red » semble être un album de Chainsmokers comparé au « Folklore » entièrement sans banger, qui vit jusqu’à la première moitié de son titre en se débarrassant de toute trace persistante de dance-pop Max Martin-ized et en présentant Swift, à nouveau, comme votre nouveau balladeer indie-electro-folk / pop de chambre préféré. Pour les fans qui ont apprécié ces nuances de Swift dans le passé, cela viendra comme un côté d’elle qu’ils connaissent et aiment trop bien. Pour tous ceux qui ont toujours à l’esprit «You Need to Calm Down» de l’année dernière, il s’agira d’un acte cahoteux de rétrogradation manuelle pour se calmer.Au moins, celui-ci ne nécessitera pas un remake de Ryan Adams d’une longueur d’album pour convaincre quiconque qu’il y a de l’écriture de chansons. La meilleure comparaison pourrait être de prendre «Clean», le dénouement non représentatif de «1989», et… d’imaginer tout un album de cela. Vraiment, il est difficile de se souvenir d’une pop star de notre vie qui s’est livrée à un acte plus sérieux de nettoyage de la palette sonore.

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Histoires liées

Le ton de cette sortie ne sera pas un choc de minuit pour quiconque a pris les spoilers de l’annonce plus tôt dans la journée que la majorité des morceaux ont été co-écrits et produits par Aaron Dessner du National , ou que l’homme remplaçant Panic ! au Disco’s Brendon Urie comme le seul partenaire duo de cet album est Bon Iver. Peu importe le crédit que vous avez peut-être accordé à Swift dans le passé pour avoir pensé et travaillé en dehors de sa boîte, un rire surpris a peut-être été pour expliquer à quel point ces noms étaient inattendus sur la carte de bingo des dignitaires musicaux que vous attendiez de trouver la femme. qui vient de sortir « Moi! » travailler avec suivant. Mais son intuition créative ne l’a pas encore conduite dans une collaboration huile-eau. Dessner s’avère être un partenaire idéal, avec autant de savoir-faire virtuose et multi-instrumentale (particulièrement utile en cas de pandémie) que l’écrivain-producteur le plus apprécié de l’album «Lover» de l’année dernière, Jack Antonoff .

Lui aussi est présent et représenté sur «Folklore», dans une moindre mesure, et ensemble Antonoff et Dessner forment une équipe de soutien étonnamment bien adaptée. Les collaborations de Swift avec le MVP du National ont clairement donné le ton du projet, avec beaucoup de fingerpicking, de vraies cordes, une programmation de batterie douce et des mellotrons. Vous pouvez sentir Antonoff, dans les chansons qu’il a faites avec Swift, travailler pour répondre à l’ambiance et au style de ce que Dessner avait fait ou ferait avec elle, et faisant ressortir son propre côté acoustique moins connu et légèrement orchestré. Aussi bon que soit l’album, il n’est généralement pas trop difficile de savoir qui a travaillé sur quelle chanson – les contributions de Dessner ressemblent souvent à des riffs de piano ou de guitare presque néoclassiques sur lesquels Swift a dominé,tandis qu’Antonoff travaille un peu plus à renforcer les mélodies pop un peu plus familières de Swift, habillées ou habillées pour répondre à l’occasion plus sombre.

Pour certains fans, il faudra peut-être quelques tours autour du bloc avec ce modèle très différent pour se réhabituer à la façon dont il y a toujours la même puissance sous le capot ici. Et c’est vraiment tout Swift, dont le génie des mélodies conversationnelles et le talent pour donner à chaque refrain une nouvelle tournure révélatrice à chaque fois restent des marques de fabrique indéniables. Sur le plan thématique, c’est un peu plus un méli-mélo que des albums plus clairement autobiographiques comme «Lover» et «Reputation» avant cela. Swift a toujours décrit ses albums comme étant des journaux intimes d’une certaine période, et quelques chansons ici correspondent évidemment à ce projet de loi, comme la continuation du contentement retrouvé qu’elle a exploré dans le dernier album et demi. Mais il y a aussi un degré de fictionnalisation plus élevé que ce qu’elle a peut-être fait dans le passé,y compris ce qu’elle a décrit comme une trilogie de chansons tournant autour d’un triangle amoureux du lycée. Le fait qu’elle se réfère à elle-même, par son nom, comme «James» dans la chanson «Betty» est un bon indicateur que tout ici n’est pas arraché des titres ou des entrées de journal d’aujourd’hui.

Mais bon sang, une partie est sûre. Quiconque cherche des œufs de Pâques lyriques pour confirmer que Swift puise encore dans sa propre vie sera particulièrement ravi par la chanson «Invisible String», une sorte de chanson de type «Bénis les routes brisées qui m’ont conduit à toi» qui trouve son accomplissement dans un courant partenaire qui portait autrefois une chemise turquoise alors qu’il travaillait jeune dans un magasin de yaourt, alors même que Swift rêvait de la romance parfaite dans le parc du centenaire de Nashville. (Une recherche rapide sur Google révèle que, oui, Joe Alwyn était autrefois un travailleur essentiel de l’industrie du fro-yo à Londres.) Il y a aussi un peu d’auto-référencement sournois alors que Swift suit ce fil d’or qui les liait fatalement: «Bad was the blood de la chanson dans le taxi lors de votre premier voyage à LA », chante-t-elle.Le «bar de la plongée» qui a été créé pour la première fois comme la scène d’une rencontre mignonne il y a deux albums fait également une réapparition dans cette chanson.

Quant au vrai mauvais sang? Il figure à peine dans «Folklore», d’une manière substantielle et fidèle à la vie, contrairement à sa réputation d’écrire des paroles qui valent mieux que la vengeance. Mais quand c’est le cas, malheur à celui qui a traversé les T et mis les I sur un contrat qui, selon Swift, était une double croix. Au moins, nous pouvons fortement soupçonner quel ou qui est le sujet réel de «Mad Woman», un véritable moment de vitupération de cet album. « Que pensez-vous que je dirais à cela? » Swift chante dans les premières lignes. «Un scorpion pique-t-il en ripostant? / Ils frappent pour tuer / Et vous savez que je le ferai.  » Bientôt, elle ajoute du gaz au feu: «Maintenant, je respire des flammes à chaque fois que je parle / Mes canons tirent tous sur votre yacht / Ils disent ‘allez-y’ / Mais vous savez que je ne le ferai pas /… les femmes aiment aussi chasser les sorcières.  » Un coup de grâce est délivré:«Il est évident que vouloir ma mort vous a vraiment rapproché.» C’est une chanson à message, et le message est: Swift veut toujours vraiment que ses maîtres reviennent, en 2020. Et va vraiment encore vouloir qu’ils reviennent en 2021, 2022 et 2023 également. Que les voisins de l’exécutif ou des dirigeants qu’elle imagine prononcent vraiment les mots «f – vous» lorsque ces némés s’arrêtent dans leurs allées respectives peuvent être une question de projection, mais si Swift passe un bon moment à l’imaginer, beaucoup de ses fans aussi.Que les voisins de l’exécutif ou des dirigeants qu’elle imagine prononcent vraiment les mots «f – vous» lorsque ces némés s’arrêtent dans leurs allées respectives peuvent être une question de projection, mais si Swift passe un bon moment à l’imaginer, beaucoup de ses fans aussi.Que les voisins de l’exécutif ou des dirigeants qu’elle imagine prononcent vraiment les mots «f – vous» lorsque ces némés s’arrêtent dans leurs allées respectives peuvent être une question de projection, mais si Swift passe un bon moment à l’imaginer, beaucoup de ses fans aussi.

(Une deuxième référence de ce type peut être trouvée dans le morceau bonus, « The Lakes », qui ne sera disponible que sur les éditions de CD et de vinyle de luxe qui ne devraient pas arriver avant plusieurs semaines. Là, elle chante: « Qu’est-ce qui devrait être enfoui sous mon skin / Dans des vagues de douleur à couper le souffle / Je suis venu trop loin pour regarder des sleaze de namedropping / Dites-moi ce que valent mes mots. »Le reste de« The Lakes »est le fantasme d’un halcyon semi-retraite dans les montagnes – dans lequel «je veux voir la glycine pousser sur mes pieds nus / Parce que je n’ai pas bougé depuis des années» – «et pas sans ma muse.» Elle imagine même des roses rouges sortir d’une toundra, «sans personne aux alentours pour le tweeter »; les fantasmes d’une utopie sans médias sociaux sont vraiment généralisés par une pandémie.)

Taylor Swift 'Lover' Album: Review - Rolling Stone

L’autre chanson la plus ouvertement «confessionnelle» ici est aussi la chanson la plus à la troisième personne, jusqu’à un point révélateur. Dans «The Last Great American Dynasty», Swift explore la riche histoire de son manoir de bord de mer dans le Rhode Island, autrefois célèbre pour abriter l’héritier de la fortune Standard Oil et, après sa mort, sa veuve excentrique. Swift a un grand temps à s’identifier aux femmes qui, des décennies avant elle, ont obligé les habitants de la côte à aller «voilà le quartier»: «Voilà la femme la plus folle que cette ville ait jamais vue / Elle a passé un moment merveilleux à tout gâcher», chante-t-elle de la veuve disparue depuis longtemps, Rebekah. «Cinquante ans, c’est long / Maison de vacances assise tranquillement sur cette plage / Libre de femmes folies, de leurs hommes et de leurs mauvaises habitudes / Puis elle a été achetée par moi… la femme la plus bruyante que cette ville ait jamais vue.»(Une belle folie parmi les femmes fières est un autre thème récurrent.)

Mais, mis à part ces exemples, l’album est finalement moins manifestement auto-référentiel que la plupart des Swift. Le single «Cardigan», qui a un peu une sensation de Lana Del Rey (même s’il est produit par Dessner, pas le partenaire de Del Rey Antonoff) fait partie de la trilogie fictive du lycée de Swift, avec «August» et «Betty». Ce pull apparaît à nouveau dans la dernière chanson, dans laquelle Swift joue le rôle d’un garçon de 17 ans s’excusant publiquement d’avoir fait du mal à une fille – et qui déclenche un changement de clé triomphant à la fin qui sort juste de « Love Story, »Au cas où quelqu’un imaginerait que Swift est complètement passé de l’esprit des premiers triomphes.

«Exile», le duo avec Bon Iver, rappelle une autre chanson précoce de Swift, «The Last Time», qui avait ses couplets avec Gary Lightbody de Snow Patrol. Puis, comme maintenant, elle donne au gars le premier mot, et le couplet, sinon le dernier; elle est d’accord avec son partenaire sur certains aspects de leur dissolution («Je ne pouvais pas changer les choses» / «Tu n’as jamais renversé les choses») et pas complètement sur les autres («Parce que tu n’as jamais donné de signe d’avertissement», chante-t-il «J’ai donné tellement de signes», proteste-t-elle).

Choisir deux points forts – l’un dans la pile satisfaite, l’autre parmi les tourmentés – conduit à deux choix: «Illicit Affairs» est la meilleure chanson de triche depuis, eh bien, «Getaway Car» difficile à battre de «Reputation». Il y a moins de catharsis dans celui-ci, mais tout autant de sagesse piquante, car Swift décrit les détails les plus banals du maintien d’une liaison (« Dites à vos amis que vous êtes parti pour une course / Vous serez rincé à votre retour ») avec le qui détruisent l’âme de la façon dont «ce qui a commencé dans de belles salles se termine par des réunions dans les parkings», comme «une drogue qui n’a fonctionné que les centaines de fois» se dissipe dans l’amertume clandestine.

Mais Swift a-t-il un bouchon d’une chanson d’amour pour faire basculer la balance de l’album vers la douceur. Ce n’est pas «Invisible String», bien que ce soit un prétendant. La chanson romantique championne ici est «Peace», dont le titre est légèrement trompeur, car Swift promet à son beau, ou partenaire de vie, que cette qualité de tranquillité est la seule chose qu’elle ne peut pas lui promettre. Si vous aimez vos ballades amoureuses réalistes, c’est un peu de candeur qui rend tous les vœux compensatoires de fidélité et de courage d’autant plus crédibles et profondément ravissants. « Tous ces gens pensent que l’amour est pour le spectacle / Mais je mourrais pour toi en secret. »

Cette promesse d’intimité à son intention est un rappel que Swift est en fait assez douée pour garder les choses près du gilet, quand elle ne renverse pas tout – des qualités qu’elle semble apprécier et défendre dans une mesure à peu près ironiquement égale. C’est peut-être par respect pour le caractère sacré de tout ce qui lui tient à cœur en ce moment qu’il y a plus de récits extérieurs qu’auparavant dans cet album – y compris une chanson faisant référence à son grand-père prenant d’assaut les plages pendant la Seconde Guerre mondiale – alors même qu’elle sort pour de nouveaux collaborateurs et des sons aussi. Mais ce qui vous maintient enfermé, comme toujours, c’est la notion de Swift en tant que diseur de vérité, interdit ou non, dans un monde de spin pop. Elle célèbre l’ère masquée en enlevant à nouveau la sienne.

Taylor Swift
«Folklore»
Republic Records

« Fuck 2020 », la chanson qui résume le mieux l’échec de cette année

L’hymne de 2020 est là, et il a déjà fait le tour du monde ! Découvre « Fuck 2020 », la vidéo TikTok du groupe Avenue Beat.

fuck 2020 avenue beat

Découverte musicale : Bishop Briggs, pop primal et rafraîchissante

Au détour d’un forum consacré à la chanteuse P!nk, je surpris une évocation d’une artiste dont un membre affirmait que P!nk ferait bien de s’inspirer. Après avoir vérifié sur Spotify ce que cette artiste avait à proposer je ne pût que tomber d’accord avec lui.

Cette première chanson résume tout le talent de celle qui est ma découverte musicale de cet été. Incroyable qu’une artiste comme Bishop Briggs puisse passer inaperçu auprès du grand public surtout lorsque l’on voit les sons que l’on doit endurer à la radio. Pourtant cette jeune chanteuse de 28 ans, originaire de Londres mais ayant grandi à Hongkong et résidant à Los Angeles, a tout pour séduire les programmateurs radios. À part cette touche hip-hop qui est tant à la mode en ce moment, Bishop possède une voix puissante, des productions à mi-chemin entre la pop, le folk et le rock et des chansons courtes, efficaces qui vont à l’essentiel.

Son premier album,sorti en 2018, baptisé Church of scars, est un condensé d’hymnes puissant alliant les gimmick pop, comme sur Wild horses, et une batterie rock qui épouse parfaitement la voix puissante de la chanteuse, comme sur River.

Un premier opus balayé par un vent folk qui se ressent dans les textes où l’esprit de Patti Smith est invoqué. Sa voix rauque balaye les trente minutes d’écoutes d’une émotion à fleur de peau et d’une sensibilité touchante que l’on peut ressentir notamment sur la ballade Lyin’ ou Hi-lo (Hollow).

Consacré par les critiques, ce premier opus lui a permis de se faire un nom sur la scène internationale et de signer son premier contrat publicitaire avant de revenir l’année suivante avec un second opus.

Étrangement, alors que le premier album s’intitulait église des cicatrices une fois traduit en français mais nous emportait dans une chevauchée sauvage en pleine nature, c’est dans avec son second album que l’on a l’impression d’être en pleine messe gospel. Baptisé CHAMPION, ce deuxième opus est plus minimaliste dans sa production. Il fonctionne beaucoup à coup de claquement de main et de choeur comme sur LONELY par exemple ou bien TATTOOED ON MY HEART.

On peut même entendre le son d’un orgue au début de la chanson JEKYLL & HYDE. mais quoi d’étonnant pour celle qui a pris comme nom de scène le nom de son village natal, qui signifie peu ou prou, brique d’évêque ?

Sa voix se fait plus susurrante avant d’exploser tel un torrent qui n’attendait que le dégel pour faire entendre à nouveau son rugissement, la chanson WYLD en ait un parfait exemple. C’est sans doute pour cela qu’elle est son équipe ont décidé d’écrire les titres des chansons en majuscules comme si chacune d’entre elles étaient un cri du cœur impérieux pour la chanteuse.

Mon seul regret est qu’avec deux albums uniquement assez courts, le deuxième ne dépasse pas les trente minutes, on a envie d’en écouter plus de cet artiste qui n’a sans doute pas fini de nous surprendre.

Les Black Eyed Peas de retour avec « Translation »

Avec chaque mouvement culturel réussi, vous avez forcément des cavaliers en marche. Comme une pluralité de reggaetoneros, traperos et chanteurs pop de toute l’Amérique latine jouissent d’un succès mondial sans précédent, bien que tardif, des touristes comme DJ Khaled, DJ Snake et Tyga ont inévitablement glommé sur leur son, avec des degrés de succès variables.

haricots à oeil noir

Aucune de ces tentatives ne s’est sentie aussi désespérément opportuniste et peu profonde sur le plan sonore que celle des Black Eyed Peas, qui ont lutté pour conserver un semblant de leur ancienne omniprésence culturelle dans les années qui ont suivi le départ de Fergie. Le single de retour de l’équipage reconstitué, «Ritmo», a sollicité les services du J Balvin débordé au sommet d’une confluence commode de facteurs à amorçage viral. La gratification instantanée du pillage d’Eurodance de Corona dans les années 1990 a frappé « Rhythm Of The Night » à l’apogée précise de son moment de meme drôle avec l’appât croisé d’un lien de suite de blockbuster hollywoodien s’est avéré irrésistible pour les programmeurs de radio et les playlisteurs de streaming, envoyant la piste à le haut des graphiques latins de Billboard pour la majeure partie de 2020 jusqu’à présent.

Si les Black Eyed Peas avaient limité leur exposition à «Ritmo» seul, la nouveauté aurait pu prendre plus de temps à se dissiper. Au lieu de cela, la traduction souvent maladroite double pour une pleine longueur qui méritait au mieux un traitement EP. Se trompant de formule, ils recrutent Nicky Jam pour rapper sur l’interpolation au micro-ondes de MC Hammer « Vida Loca » et contraignent Maluma à chanter pour un classique malformé de Lisa Lisa et Cult Jam rebaptisé « Feel The Beat ». Ces versets sans charme sont encore entachés par les vers Spanglish paresseusement offensifs du trio de base. Même le membre de longue date Taboo, dont l’héritage mexicain donne une crédibilité nominale à cet effort pan-latin, manque tragiquement la marque avec des paroles hackneyed et des crochets ad libbed comme Let’s party comme nous manquons de tiempo .

Pourtant, la traduction a ses charmes improbables. La constante et avisée Becky G fait la bilinguisme mieux que la plupart des deux côtés de la fracture latine, comme en témoigne son crochet simple mais solide pour « Duro Hard ». Comme à son habitude, la sensation dominicaine de dembow El Alfa apporte son énergie de superstar au «No Mañana» relativement restreint. Remplaçant d’Ostensiblement Fergie, J. Rey Soul apporte un talent de calibre vocal plus élevé à une poignée de ces coupes, sa présence complémentaire aux côtés d’Ozuna sur « Mamacita » en particulier faisant un contrôle des dégâts si nécessaire au nom d’un groupe si clairement hors de son élément.

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