Les Blagues de Toto (En Vod le 3 Décembre & DVD et Blu-ray le 9 Décembre 2020) De Pascal Bourdiaux Avec Gavril Dartevelle, Guillaume De Tonquédec, Anne Marivin

A l’école, Toto est bien plus doué pour faire rire ses copains qu’écouter les leçons de la maîtresse. Avec ses parents aussi, les blagues de Toto se transforment souvent en catastrophes… La dernière en date

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Chronique : Il ne faut pas mépriser ces films qui nous rendent heureux, qui même s’il sont tout en légèreté, vont plus loin qu’ils n’en ont l’air. Les comédiens sont tous très justes, les enfants sont adorables, j’avoue que j’ai craqué sur le personnage d’Igor que je trouve vraiment drôle et attachant mais les autres sont tous très mignons. J’adore tous les personnages, Guillaume de Tonquédec et Anne Marivin sont parfaits comme toujours, dans leurs rôles de parents aimants malgré tous les problèmes causés par leur fils. Ramzy joue à la perfection un rôle de super-méchant très crédible, il m’a fait penser au personnage de Rambal-Cochet dans le film « Le jouet » de Francis Weber, merveilleusement interprété par l’immense Michel Bouquet. Daniel Prévost est merveilleux lui aussi comme d’habitude. Tous les rôles contribuent à créer une belle alchimie qui nous transporte dans cet univers où on se sent pour un moment hors du temps. Ce voyage tendre et poétique m’a rappelé l’enfant que j’ai été. J’ai eu aussi une pensée émue pour mes propres parents, qui même s’ils se sont sentis démunis face à mes bêtises, ont fait de leur mieux pour m’aimer et m’aider à m’épanouir. C’est la belle morale de ce film, dans la vie chaque chose a son revers, et être parent n’est pas chose aisée, on apprend sur le tas et parfois on se sent perdu face à ces « étrangers » qui même s’ils sont notre chair et notre sang échappent à notre compréhension. Les enfants sont parfois, souvent, ingérables mais le bonheur qu’ils nous procurent, la magie, la lumière qui les accompagnent rendent nos vie plus riches et plus belles. Je conseille à ceux qui veulent s’évader et faire le plein de bonnes énergies de voir ce film qui fait du bien.

Note : 8,5/10

The Tax Collector / 25 novembre 2020 /De David Ayer Avec Shia LaBeouf, Bobby Soto, George Lopez

David et Creeper travaillent comme « percepteurs d’impôts » pour un seigneur du crime nommé Wizard, en récupérant sa part des profits auprès des gangs locaux. Mais lorsque l’ancien rival de Wizard revient du Mexique, toute son entreprise est chamboulée, et David se retrouve à devoir protéger ce qui compte le plus pour lui, sa famille.

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Chronique : David (Bobby Soto) est un « collecteur d’impôts » pour le lourd local de LA connu sous le nom de Wizard. Alors que Wizard vit en prison, David et son bras droit Creeper (Shia LaBeouf) collectent leurs 30% des gangs locaux en échange de protection et de médiation en cas de petites querelles. Tout est sorti du garage de son oncle Louis (George Lopez). Tout danger mis à part, c’est une belle vie. David est respecté dans les gangs en tant qu’opérateur équitable alors qu’il vit grand avec une belle maison, une femme et des enfants. Tout cela est sur le point de changer lorsque l’ancien rival de Wizard, Conejo (Jose Conejo Martin), décide de prendre les gangs pour lui-même et d’anéantir la vie de David.

David Ayer est le cinéaste pour lequel je suis profondément enraciné. Le gars a gravi les échelons sans passer par les grinds traditionnels de l’école de cinéma. Il est entré en tant qu’écrivain, s’est entouré des bonnes personnes, s’est mis au travail et a réussi. Ouais, il n’est pas parfait et ses pires tendances à la violence hyper-macho trop graphique peuvent devenir répétitives, mais la plupart du temps, il est plutôt bon. Au pire, ses films sont au moins divertissants et il obtient de grandes performances de sa distribution. Cela dit, quelque chose a raté la cible avec The Tax Collector .  

C’est un grand film sur toile. Alors que Fury plongeait le public dans les profondeurs de la Seconde Guerre mondiale, il a été vu dans les limites d’un escadron de chars. Il y avait une intimité dans ce film avec le casting de personnages et la mission. The Tax Collector vise à faire quelque chose de similaire avec l’entreprise familiale de David et Creeper, mais faire exploser le monde dans le monde souterrain de la vie de gang à Las Angeles. J’adore le fait que ce film ait pris son temps pour se lancer. Tout cela est de construction du monde, nous présentant divers personnages, comment David fait des affaires, comment il est respecté par les gangs rivaux en tant qu’intermédiaire honnête. Il faut presque 45 minutes avant l’incident incitant et j’adore ça parce que nous apprenons à savoir qui sont ces personnes et comment elles fonctionnent. Il y a même des rappels à Training Day et Harsh Times les attirant dans le même petit univers. Ensuite, quand le grand deuxième acte arrive, vous pensez que vous êtes dans une bataille épique. Le problème, c’est qu’à ce moment-là, il reste à peine 30 minutes de film.

Si vous le décomposez par structure de scénario, The Tax Collector a l’ impression de manquer complètement son deuxième acte. La configuration se produit – mais ensuite le film passe un peu par les mouvements aussi vite que possible pour arriver à une résolution rapide du troisième acte. David essaie de trouver un moyen de s’échapper avec sa famille et lorsque cela ne fonctionne pas, il essaie autre chose et lorsque cela ne fonctionne pas, il doit revenir à la loyauté d’un gang en quelques minutes. L’appeler «précipité» est un euphémisme. The Tax Collector à honnêtement l’impression de se lancer dans un grand drame policier épique de 3 heures semblable à The Godfather , mais a eu la moitié du temps pour l’exécuter. J’ai continué à devoir revenir en arrière et revoir les scènes parce que c’était tellement décousu. C’est frustrant parce que les 45 premières minutes étaient si bonnes, certaines des meilleures choses qu’Ayer ait exécutées en tant que scénariste / réalisateur. Le reste va au pot.

Comme il est à l’avant-plan tout au long du film, Bobby Soto gère la charge de travail. Il apporte beaucoup de cœur et de passion au rôle et joue un homme au-dessus de sa tête de manière convaincante. Vous ressentez pour lui quand les choses tournent au sud et vous voulez que le monde fonctionne à ses côtés dès que possible. Shia LaBeouf est une autre histoire. Ne vous méprenez pas, il est incroyable. Il ressemble et se sent comme une bombe à retardement prête à exploser, mais vous n’obtenez pas ce moment. Nous sommes taquinés de ce qu’il pourrait faire quand il a relâché la chaîne – mais rien de plus. Sans rien gâcher, je vais simplement dire que les tatouages ​​corporels infâmes et étendus qu’il a obtenus pour ce film n’étaient pas du tout nécessaires.  

Et puis… c’est fini. Claquement des doigts, le film est terminé. Vous avez l’impression d’avoir vu le film mais vous n’avez pas vraiment apprécié toute la série. The Tax Collector est comme une pizza au pepperoni Hot Pocket qui n’a pas été entièrement cuite. Vous ne réalisez pas qu’il est encore gelé jusqu’à ce que vous arriviez au milieu, alors vous mangez sur les bords. Vous obtenez en quelque sorte la saveur et quelques morceaux de viande, mais le meilleur est perdu parce que vous ne pouvez pas le faire cuire deux fois. J’adorerais lire le scénario original d’Ayer pour cela, car cela ressemble vraiment à un film avec beaucoup plus. Je ne sais pas si ce matériel a été filmé et coupé pour une durée d’exécution plus courte ou si des problèmes de budget l’ont rendu court, mais The Tax Collector a un début épique avec une finition triviale.  

Vidéo : Comme je n’ai pas pu trouver d’informations techniques sur la façon dont il a été tourné ou sur le dernier intermédiaire numérique – sans aucune classification HDR, The Tax Collector n’offre qu’une amélioration visuelle modeste en 2160p par rapport à son homologue 1080p. Dans l’ensemble, l’image est superbe, elle est bien détaillée avec des couleurs vives et des niveaux de noir d’encre. Il y a plusieurs moments oniriques brumeux – au début du film lorsque David se réveille avec sa femme par exemple – qui apparaissent ici plus clairement et plus clairement que le Blu-ray inclus. Après cela, les plus grandes différences de clarté ne sont vraiment repérées que dans les gros plans et les plans du milieu. Aussi noueux soient-ils, j’avais l’impression de voir les oreilles de chou-fleur de LaBeouf plus claires, et les effets de maquillage plus grotesques sont également apparus plus clairement. Les modèles de vêtements sont également meilleurs – les lignes serrées avaient des bandes en 1080p qui ne sont pas apparentes sur ce disque.

Les niveaux de noir sont un peu mieux résolus ici, la profondeur d’image est un peu plus appréciable. Il y a plusieurs photos qui semblent avoir été capturées avec des caméras corporelles basse résolution ou des GoPros qui sont plus propres tout en maintenant ce sentiment de profondeur un peu mieux que la présentation 1080p. Les couleurs sont au rendez-vous, le film se dore de jaune / or avec des rouges et des bleus n’apparaissant que pendant quelques séquences dynamiques. Dans l’ensemble, pas mal, mais comme tout disque 4K sans HDR, les avantages du format sont subjectifs et pas toujours faciles à repérer. Il y a assez de choses à faire pour appeler cela la présentation supérieure.

Sur Blu-ray, The Tax Collector roule avec un transfert 1080p agréable. Les détails sont globalement forts tout au long du film. Il y a quelques séquences où les choses deviennent intentionnellement brumeuses, comme un rêve, lorsque David se réveille avec sa femme est un exemple où les détails ne ressortent tout simplement pas aussi bien, mais c’est un regard intentionnel. Les couleurs privilégient les tons jaunes / dorés, les rouges et les bleus ne profitant que de la pop intermittente. Le sang prend une belle couleur pourpre.

Les niveaux de noir sont un peu du côté gris brumeux. Cela est dû en grande partie à la photographie, mais comparé au disque 4K UHD, même sans HDR, ce disque semblait avoir des niveaux de noir plus équilibrés plus forts avec une plus grande profondeur de l’image. La plupart du temps, avec ce disque 1080p, l’image peut sembler plate. L’imagerie floue n’aide pas cet aspect, mais le disque 4K l’a également mieux géré. L’autre problème avec ce transfert par rapport au disque 4K est la bande. Les modèles de vêtements et les lignes serrées présentent plus de bandes. Dans l’ensemble, c’est un assez bon transfert, mais côte à côte avec le disque 4K UHD, il existe suffisamment de différences subtiles pour donner à cette présentation un avantage.

Audio : The Tax Collector arrive avec un mix audio DTS-HD MA 5.1 global solide et immersif – avec un léger problème de clarté des dialogues. La plupart du temps, le dialogue est limpide et ne pose jamais de problème. Cependant, il y a plus d’une séquence où les gens parlent à voix basse et il devient très difficile d’entendre ce qui est dit à un volume d’écoute normal. Le dernier moment où David parle à Wizard et nous voyons qui le joue réellement – le dialogue de Wizard est pratiquement inaudible. J’ai dû activer les sous-titres juste pour obtenir le moment « ah-ha » requis de son poids dramatique. Mis à part cette finale et ces quelques autres moments, le reste de la piste est génial. Les séquences d’action fournissent des échanges de coups de feu intenses. Les atmosphères font un excellent travail, et il y a de bons grondements de basses dans les sous-marins pour faire pomper le sang.

Bonus : Les fonctionnalités bonus sont légères sur les matériaux des coulisses, mais offrent des matériaux supprimés. À seulement 12 minutes, ils n’aident pas vraiment le film à se sentir plus « complet » mais s’ils étaient restés dedans, ils auraient pu aider le rythme et laisser respirer un peu certaines scènes. Surtout les scènes de Judo qui se sont senties clouées comme un moment «oh par il connaît le Judo et cela l’aidera plus tard…». Ici, il y a quelque chose à voir avec la séquence et son lien avec la personnalité de David. C’est court mais cela lui donne du poids – le film aurait pu en utiliser plus.  

  • Scènes supprimées (HD 12:21)
    • Ouverture prolongée
    • Menace de perception fiscale
    • Discuter avec Sensei  

Dernières pensées

The Tax Collector est le genre de film dont je souhaite que le produit final soit meilleur qu’il ne l’était. J’appréciais vraiment la première moitié du film. Ce n’était pas étonnant mais cela ne semblait pas aussi mauvais que les premières critiques l’ont établi. Puis il est allé vers le sud – dur. Un film policier épique devrait en fait être épique . La dernière moitié est un désordre flou avec une conclusion trop simpliste et pratique qui écarte le matériau d’ouverture qui a en fait bien fonctionné pour lui-même. David Ayer est un meilleur cinéaste que celui-ci et The Tax Collector a l’ impression qu’il y avait un meilleur film prévu qui n’a pas fait le montage final.  

RLJ Entertainment offre à The Tax Collector une version Blu-ray UHD 4K décente dans un SteelBook exclusif à 2 disques de Best Buy. Sans HDR, les améliorations globales de l’image ne sont pas évidentes, mais avec certains retournements de disques côte à côte, les améliorations des détails, de la profondeur de l’image et des problèmes de compression deviennent un peu plus évidentes. Si vous avez besoin de celui-ci dans votre collection, l’ensemble 4K est la voie à suivre. Si vous êtes un client curieux et perspicace et n’êtes pas sûr du film lui-même, louez-le d’abord. Sinon, cet ensemble vaut le coup d’œil .  

Test: Blu-ray: The King Of Staten Island (28 Octobre 2020) /De Judd Apatow Avec Pete Davidson, Marisa Tomei, Bill Burr

Il semblerait que le développement de Scott ait largement été freiné depuis le décès de son père pompier, quand il avait 7 ans.

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Chronique: Pour ceux qui vivent sous un rocher au cours des dernières décennies, Judd Apatow est surtout connu pour avoir également réalisé d’autres films tels que «The 40-Year-Old Virgin» (2005), «Knocked Up» (2007), «Funny People» (2009 ), «This is 40» (2012), et plus récemment «Trainwreck» (2015). Apatow est également bien connu pour son travail également en tant qu’écrivain et producteur sur d’autres films et émissions de télévision

Je sais que cela semble être une expérience importante sur le cinéaste, mais Apatow a vraiment fait un travail incroyable au cours des dernières décennies, en termes de comédie et même de drame romantique. Donc, j’ai senti que cela valait la peine d’être souligné et ainsi de suite. Je vais cependant m’arrêter là. Après tout, ce film ne parle même pas de Judd, c’est une biographie approximative (un peu) d’un jeune homme en qui il a confiance. Ce n’est pas seulement Apatow non plus, comme notamment Lorne Michaels (en tant que son patron) à «SNL» [ «Saturday Night Live» ] semble également avoir beaucoup confiance en lui. L’homme dont je parle n’est autre que Pete Davidson, qui est devenu un acteur vedette de SNL en septembre 2014. Cela dit, le scénario du film ici a été co-écrit par Judd Apatow , Pete Davidson et Dave Sirus . Sirus est surtout connu pour son travail d’écrivain sur «SNL» et a probablement été amené à devenir un ami de Davidson, on ne peut que supposer.

C’est une bonne histoire ici qui n’est pas du tout entièrement biographique, mais plutôt basée sur des événements de la vie de Davidson – à savoir la mort de son père, un pompier de New York qui est décédé tragiquement le 11 septembre. Le père de Pete s’appelait Scott, et c’est pourquoi le personnage du film porte ce nom – en hommage. En fait, le film lui-même est dédié à feu Scott Davidson à la fin, et à juste titre.

Le protagoniste du film est un jeune homme, dans la vingtaine, nommé «Scott» ( Pete Davidson ) qui vit toujours à la maison avec sa mère et sa jeune sœur adolescente. Lorsque nous rencontrons Scott pour la première fois, dans les premières minutes d’ouverture du film, nous pouvons dire que c’est un gars avec beaucoup de problèmes émotionnels qui pourrait envisager de faire quelque chose d’assez stupide. Heureusement, il s’en sort. Nous avons bientôt l’occasion de voir une partie de la vie décontractée de Scott avec ses amis proches, où ils sont simplement assis dans son sous-sol et fument de l’herbe. Les amis de Scott se composent d’abord des gars «Oscar» ( Ricky Velez ), «Richie» ( Lou Wilson ), «Igor» ( Moises Arias ), puis enfin son amie «Kelsey» ( Bel Powley ).

Comme nous ne l’apprendrons pas beaucoup plus tard, le père de Scott était pompier et est décédé tragiquement alors qu’il était en service. La mère veuve de Scott, «Margie» ( Marisa Tomei ), garde un bon foyer et elle prend surtout soin de son fils, malgré qu’il traverse des moments compliqués et qu’il ait des idées assez absurdes pour les entreprises – sans parler du tatouage de tout le monde. Ensuite, elle s’occupe également de sa sœur «Claire» ( Maude Apatow ) qui est sur le point de terminer ses études secondaires et de partir pour l’université.

Certains événements se produiront dans la vie de Scott qui l’amèneront à rencontrer sa mère et lui un voisin, un pompier, nommé «Ray Bishop» ( Bill Burr ) qui entre dans leur vie. Disons simplement, faites attention à qui vous tatouez lorsque vous traînez avec vos garçons. Une amitié intéressante et improbable se développe ici, laissons-en là. Ce film a un vrai cœur et de grandes performances de Davidson, Tomei et Burr. Ce n’est pas un biopic sur la vie de Pete Davidson, encore une fois, c’est juste à peu près basé sur sa vie. J’aime ça, et cela s’avère être l’un des films les plus émotionnels que Judd Apatow a réalisés jusqu’à présent dans sa carrière de cinéaste et d’écrivain.

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Vidéo : Tourné sur pellicule, dans le processus Super 35 mm, à l’aide de la caméra Panavision Panaflex Millennium Xl2.

Il y a une bonne quantité de détails ici, comme on peut s’y attendre d’une source de film Super 35 comme celle-ci, ainsi qu’une quantité toujours aussi légère de grain de film visible et quelques imperfections occasionnelles telles que des poils sur l’impression du film lui-même qui ont été laissés. J’adore ce genre de choses, alors que peu de films sont même tournés sur pellicule ces jours-ci, sans parler du processus Super 35. Cela a un niveau de noir solide, une belle palette de couleurs vives et cela semble impressionnant pour une comédie dramatique comme celle-ci. Le film pourrait un jour bénéficier d’une sortie physique 4K, comme mentionné, mais pour l’instant, cela a l’air génial et les fans seront ravis de la présentation HD.

Dans l’ensemble, cela se mérite une note respectable de 4,5 pour la qualité vidéo . Le choix de mettre une grande quantité de matériaux bonus en qualité vidéo SD (définition standard) a permis de s’assurer que la qualité du film lui-même ne souffre pas de compression ou autre.

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Audio L’audio ici, sur le Blu-ray de The King of Staten Island , est présenté en son Dolby Atmos – avec un noyau Dolby TrueHD 7.1 pour ceux qui ne sont pas capables de décoder complètement le format audio.

Je ne vois pas un énorme avantage à ce que le film soit en Dolby Atmos en 12 minutes, car les canaux en hauteur sont à peine utilisés, voire pas du tout (jusqu’à présent). Le dialogue est la composition de près de 90% de ce film et il est uniquement diffusé par le haut-parleur du canal central. Même plus tard, lors de scènes avec beaucoup de musique hip-hop, il n’y avait vraiment aucune utilisation des canaux en hauteur. Cependant, au cours de la seconde moitié du film (pendant certaines scènes, je ne peux pas vraiment discuter sans distribuer des «spoilers»), il se révèle être un peu impressionnant d’utilisation des haut-parleurs en hauteur pendant certains moments dramatiques.

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Bonus : Dans l’ensemble, les matériaux bonus ici sont très longs pour une comédie. Judd Apatow est bien connu pour faire de superbes bonus pour ses films et ce n’est en aucun cas une exception.

Les fins alternatives ne fonctionnent vraiment pas, car elles semblent bien conscientes (à en juger par le titre). Pourtant, ils sont amusants à regarder. Les scènes supprimées sont amusantes à regarder et quelques-unes ont l’impression qu’elles auraient peut-être dû être laissées dans le film. La bobine de bâillon est hilarante et est à ne pas manquer.

Test Blu Ray :The Hunt (30 septembre 2020) /De Craig Zobel Avec Betty Gilpin, Hilary Swank, Wayne Duvall

Sur fond d’obscure théorie du complot sur internet, un groupe de dirigeants se rassemble pour la première fois dans un manoir retiré, afin de se divertir en chassant de simples citoyens américains. Mais leurs sombres desseins vont être mis en péril par Crystal, une de leurs proies, capable de les battre à leur propre jeu. La jeune femme renverse les règles, et abat un par un les chasseurs qui la séparent de la mystérieuse femme qui tire les ficelles de ce passe-temps macabre.

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Chronique : Le réalisateur Craig Zobel ( Conformité ), le producteur Jason Blum et les écrivains (Carlton Cuse, Damon Lindelof) de renommée PERDUE n’auraient jamais pu prédire les événements qui ont conduit à l’annulation de leur film The Hunt et à reculer des mois après ses débuts originaux sur le grand écran. Non seulement il y a eu quelques fusillades de masse, mais l’actuel président américain a mentionné le film de manière négative sans le voir et a donc poussé ce drôle d’enfer et un bon moment sanglant d’un film plus tard dans l’année. Avec cette quantité insensée de publicité gratuite, The Hunt est devenu le film le plus curieux à voir, qui ne manquait pas de soulever une controverse majeure, son sujet étant une bataille royale moderne entre la division politique extrême de ce pays. Le résultat est un film très drôle qui mêle une grande violence burlesque qui rendrait Quentin Tarantino excité avec un dialogue ringard et quelques idées subtiles et spirituelles. The Hunt est une tonne de plaisir et donne un coup de pouce sain aux deux côtés du spectre.

The Hunt n’est pas du tout un film sérieux et ne se permet jamais de se transformer en un message unilatéral et prêcheur sur ce qui est bien ou ce qui ne va pas. Au contraire, c’est une satire idiote avec assez de sang et de tripes pour un film de Stuart Gordon qui se moque des deux extrémités du paysage politique. C’est un carnaval rapide et serré de 90 minutes qui contient des rires et des moments hilarants pour chaque personnage.

Le film est centré sur un groupe de personnes qui ont été droguées, kidnappées et transportées par avion vers un endroit secret, pour se réveiller avec des bâillons sexuels verrouillés sur leurs visages dans un grand champ ouvert. Ces personnes parviennent à déverrouiller leur muselière où elles ouvrent une grande caisse en bois qui contient une tonne d’armes de toutes formes et tailles à l’intérieur. Avant que quiconque ne commence à poser des questions, une balle siffle et un crâne est nettoyé. On s’est vite rendu compte que tous ces malheureux avaient une chose en commun – ils sont pour la plupart des républicains redneck, chassés par les libéraux riches et d’élite, en raison de leurs croyances différentes.

La violence n’est pas faite de manière sérieuse ou mélancolique, mais plutôt d’une manière caricaturale stylisée. Il ne s’agit pas non plus uniquement de violence armée. Le plus souvent, des flèches, des mines terrestres et des appareils de cuisine sont utilisés pour éloigner un attaquant avec un grand effet comique. Tout cela culmine dans un point culminant de style Kill Bill entre deux femmes opposées, Betty Gilpin ( Glow ) et Hilary Swank ( The Next Karate Kid ). La chorégraphie gore and fight est de premier ordre et les one-liners de toutes les personnes impliquées sont si mauvais qu’ils sont terriblement géniaux. Le motif de ce bain de sang dans l’histoire est simple et moins réfléchi qu’il ne devrait l’être, mais là encore, cela joue dans le climat politique d’aujourd’hui, ce qui était un merveilleux parallèle.

Les performances de tous les acteurs, peu importe leur taille, étaient merveilleuses et contagieuses dans la façon dont ils s’amusaient sur le plateau. The Hunt n’est pas là pour offenser qui que ce soit, mais plutôt pour provoquer un grand rire et inciter la société à prendre du recul, à se regarder et à rire de la violence à quel point tout le monde est devenu sérieux en politique et en pensant d’une manière différente. The Hunt est un film divertissant et très amusant.

Vidéo :The Hunt se fraye un chemin vers un transfert HD 1080p sur Blu-ray dans un rapport hauteur / largeur de 2,39: 1 avec d’excellents détails et un. palette de couleurs sanglantes qui devrait satisfaire les fans de genre.

La palette de couleurs est quelque peu atténuée à l’exception de quelques éléments. La première scène se déroule à l’intérieur d’un jet privé de première classe qui est imprégné d’un éclairage bleu électrique avec des contours rouge vif avec la plus faible lumière blanche brillant d’en haut, signalant peut-être le drapeau américain. La palette de couleurs est profonde et riche ici, mais une fois sur terre, les couleurs sont pour la plupart atténuées avec des verts et des bleus anémiques qui semblent presque grisâtres. Même les couleurs primaires du choix de la garde-robe sont plus vagues. Cela dit, lorsque le sang commence à voler et que toute couleur rouge de votre choix apparaît à l’écran, elle est brillante, audacieuse et éclate énormément. C’est le cas pour tout le film, et c’est un choix stylistique à des fins d’histoire. Les niveaux de noir sont pour la plupart profonds dans les séquences éclairées inférieures sans aucun saignement, et les tons de peau sont un peu plus pâles que la normale.

Les détails sont assez vifs du début à la fin, même avec le spectre de couleurs en sourdine, révélant tous les effets de maquillage nécessaires et le gore pratique qui est exposé. Chaque morceau d’entrailles et de tripes a l’air merveilleusement dégoûtant, tout comme les blessures et les coupures sur les visages de l’acteur lorsque la caméra zoome de près. Leurs poils individuels et leurs pores faciaux sont également beaux. Les textures et les coutures des vêtements se détachent dans des séquences bien éclairées et les éléments d’arrière-plan montrent encore suffisamment de détails pour ne jamais pénétrer en territoire mou. Enfin, il n’y avait pas de gros cas d’alias de bande ou de bruit vidéo à proprement parler.

Audio: The Hunt est livré avec une piste audio DTS-HD MA 7.1 fantastique et animée sans perte, très engageante et chaotique. À partir d’environ cinq minutes, les balles et les flèches commencent à voler, c’est là que les haut-parleurs utilisent leur directionnalité lorsque chaque balle et flèche passe devant chaque haut-parleur avec précision et précision, conduisant à une transition en douceur du son. Ces coups de balle et ces explosions d’armes à feu ont également un coup de poing lorsqu’ils sont tirés directement sur l’écran, en particulier le gros fusil de chasse à l’intérieur de la station-service. Les explosions de grenades et les parties du corps qui tombent partout ont tous ce son unique de squish et de gluant lorsqu’elles touchent le sol. C’est drôle et dégoûtant à la fois.

Les bruits ambiants de personnes qui crient à de longues distances, les cris, les sons de la nature, et plus encore, sont également robustes et forts. Le score amplifie la situation à chaque tournant sans jamais noyer aucun autre élément. La basse entre en action lorsque les véhicules sont conduits et que les coups de feu se déclenchent, ce qui est assez constant. Enfin, le dialogue est limpide et facile à suivre, même avec les épais accents du sud caricaturaux.

Bonus : Il y a moins de 11 minutes de bonus inclus sur ce Blu-ray, ce qui est dommage car cela aurait pu être bourré de contenu de qualité. Au lieu de cela, ce trio d’extras est plus ou moins juste une pièce EPK promotionnelle avec très peu de séquences en coulisses et quelques interviews de têtes parlantes qui sont principalement superposées sur des clips du film.

The Hunt est un film très divertissant et carrément hilarant avec des singeries exagérées qui s’accompagne d’un message satirique sur l’état actuel de la politique aux États-Unis. Cela ne devrait offenser personne, en raison de sa vision caricaturale de la situation dans son ensemble et de sa sincère qualité de ne pas juger un livre par sa couverture. Les présentations vidéo et audio sont toutes deux excellentes, mais les trois extras sont moins que souhaités. Pourtant, ce film est une joie et est hautement recommandé!

LE CÉLÈBRE CLOWN GRIPPE-SOU REVIENT POUR HALLOWEEN EN ÉDITION COLLECTOR

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ÇA (2017) : À Derry, un groupe de 7 adolescents enquête sur une effroyable créature qui hante leur petite ville depuis des siècles : Grippe-Sou le Clown dansant. ÇA prend la forme de vos peurs les plus profondes. Le seul moyen de survivre pour ces adolescents sera de combattre ÇA ensemble.

ÇA CHAPITRE DEUX (2019) : 27 ans après la victoire du Club des Ratés sur Grippe-Sou, le sinistre clown est de retour. Désormais adultes, les membres du Club ont tous quitté la petite ville. Cependant, lorsqu’on signale de nouvelles disparitions, Mike, le seul du groupe à être demeuré sur place, demande aux autres de le rejoindre. Traumatisés par leur expérience du passé, ils doivent faire face à leurs peurs les plus profondes pour détruire définitivement le Clown, devenu plus dangereux que jamais

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Sous-titres : Français, Néerlandais, Suédois, Norvégien, Polonais, Danois, Finnois.
Pour sourds et malentendants : Anglais.
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Audio : Dolby TrueHD :
Français ; Dolby Atmos DD+ : Anglais 5.1, Dolby Digital (ÇA Chapitre Deux uniquement) : Français 5.1, Anglais 5.1 ; DTS-HD Master Audio (ÇA uniquement) : Français 5.1, Anglais 5.1.
Sous-titres :
Français.
Pour sourds et malentendants : Anglais.

Les Enfants du Temps / BR [Édition boîtier SteelBook Combo Blu-Ray + DVD + CD BO] Makoto Shinkai (Réalisateur) / 7 Octobre 2020

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SYNOPSIS : Jeune lycéen, Hodaka fuit son île pour rejoindre Tokyo. Sans argent ni emploi, il tente de survivre dans la jungle urbaine et trouve un poste dans une revue dédiée au paranormal. Un phénomène météorologique extrême touche alors le Japon, exposé à de constantes pluies. Hodaka est dépêché pour enquêter sur l’existence de prêtresses du temps. Peu convaincu par cette légende, il change soudainement d’avis lorsqu’il croise la jeune Hina…

Ce film d’animation est tout simplement magnifique. C’est le genre qui reste gravé dans les mémoires et dans les cœurs. Je le reverrais avec un grand plaisir et je suis sur que ce second visionnage sera encore meilleur. Déjà, dès le début, on voit qu’on va passer un superbe moment. C’est splendide. Les dessins sont d’une grande beauté. Certains plans sont à couper le souffle. J’ai eu plusieurs moments de frisson. Surtout que la musique, faite par le groupe Radwimps, est toujours dans le bon timing pour donner de la valeur aux scènes. J’entends encore les douces mélodies bercer mes oreilles. Les personnages sont géniaux, que ce soit les principaux ou les secondaires, ils ont chacun leur petit truc qui fait la différence. Sur le fond, l’histoire est très belle. Makoto Shinkai aime jouer sur la thématique temporelle mais cette fois il va varier. Oui car le mot « temps » du titre correspond à la météo. Posé comme cela, ça peut laisser sceptique mais pas du tout. Le récit me semblait partir de travers une fois que c’est posé sur la table, alors qu’en réalité ça lui donne énormément de richesse. Dans cette partie plus fantaisie, il y a toujours une cohérence, le rendant agréable à suivre. Il y a un mélange de croyance ancienne avec un monde moderne, fait d’une manière très habile. La grande puissance, reste la force de l’amour qui ressort. Ça me fait vibrer à chaque fois. C’est d’une beauté indescriptible ce qui se passe sous nos yeux.

  • Rapport de forme : 1.78:1
  • Classé : Tous publics
  • Dimensions du colis : 17.27 x 13.46 x 1.52 cm; 180 grammes
  • Réalisateur : Makoto Shinkai
  • Format : Couleur
  • Durée : 1 heure et 54 minutes
  • Date de sortie : 7 octobre 2020
  • Sous-titres : : Français
  • Langue : Japonais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1)
  • Studio  : @Anime

 

Test Blu-Ray : I See You (02 Septembre 2020) De Adam Randall Avec Helen Hunt, Jon Tenney, Judah Lewis

Justin Whitter, 10 ans, disparaît alors qu’il faisait du vélo dans un parc. L’inspecteur de police Greg Harper en charge de l’affaire découvre de nombreuses similitudes avec de précédents cas d’enlèvements d’enfants dans la région.

Achat : https://amzn.to/3gYjq3Y

Chronique : J’ai adoré ce film. Il y a beaucoup de choses qui se passent et le premier acte est une lente construction du mystère. Des enfants disparaissent, y a-t-il un tueur en série ou quelque chose de plus mystérieux ? L’infidélité, la colère et les événements effrayants qui se déroulent dans la maison des protagonistes donnent un air de réalité magique semblable à celui de « Héréditaire » ou « Le meurtre d’un cerf sacré », mais que se passe-t-il ? Est-ce une chose ou plusieurs ? Cela s’explique par une série de révélations qui donnent un air de tension croissante et de changement de perspective qui était du génie absolu, donc pas de déceptions. Il est fou dans la manière dont il est fait. Chaque élément est brillant. Déjà, j’ai adoré l’ambiance. Elle se construit et nous absorbe totalement. La bande originale est véritablement angoissante. Je sentais tout du long la tension. J’étais sur les nerfs et j’aime ça. Il y a une façon de faire tel qu’on est sur le qui-vive durant 1h30. Le film est aussi parfaitement construit d’un point de vue récit. Il va avoir deux points de vue, celui du « bien » et celui du « mal ». Chacun va se compléter et on va comprendre beaucoup de choses. Tout s’emboite bien et c’est passionnant à voir ce décalage. Même si ce n’est pas révolutionnaire, ce n’est pas non plus quelque chose qu’on voit souvent, donc quand c’est bien fait je dis banco. Surtout que le final m’a donné la chair de poule. Ce genre de conclusion est mémorable. Tout ceci est aussi possible grâce à de très bons acteurs. J’ai particulièrement aimé Jon Tenney et Judah Lewis qui joue son fils. Je l’avais apprécié dans THE BABYSITTER (2017) sur Netflix et SUMMER OF ’84 (2018). À noter la présence étonnante d’une très bonne Helene Hunt qui dans mes souvenirs restés attaché à son rôle dans la série DINGUE DE TOI. I see you est une véritable petite surprise. On ne s’attend à pas grand et finalement quel suspens. Plein de rebondissements qui nous surprennent. La réalisation est parfaite et les acteurs au top. Je recommande

Note : 9,5/10

I See You : Dans la tranquillité de son chez soi -

Vidéo : I see you fait ses débuts sur Blu-ray , l’amélioration la plus notable est l’augmentation des niveaux de luminosité, ce qui permet d’obtenir des noirs nettement plus riches et plus incrustés partout. Bien sûr, cela donne aussi une qualité d’image plus sombre où les ombres les plus profondes et les plus soyeuses ont tendance à engloutir les détails les plus fins dans les intérieurs d’action mal éclairés au début. Les séquences de lumière du jour sont meilleures avec une forte visibilité dans les coins les plus sombres et les plus sombres. Comme ses frères HD, le contraste reste relativement modéré et atténué, ce qui est fidèle aux intentions créatives des cinéastes et en ligne avec le look des deux précédents épisodes. D’autre part, tout en créant une atmosphère grisâtre et nuageuse, les blancs sont néanmoins un peu plus nets et plus nets avec des reflets spéculaires sensiblement améliorés, donnant à l’image 2.39:1 une pop plus radieuse et éblouissante pendant les scènes de lumière naturelle susmentionnées. Ce sont les couleurs avec des primaires, en particulier, qui semblent plus pleines et un peu plus saturées. Cependant, la vidéo reste fidèle à la photographie stylisée où une grande partie de l’action et des conversations se situent à l’extrémité inférieure de la gamme de gris, affichant une palette délibérément sombre et parfois presque monochromatique. Les teintes spécifiquement liées aux protagonistes sont un peu plus nuancées et subtilement complexe.

Audio : I see you se heurte aux cinémas maison en faisant jouer une bande sonore Dolby  étonnamment musclée et impressionnante d’émotion. Comme il s’agit d’une étude de personnage axée sur les dialogues, la présentation est plus subtile et nuancée que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un film classique

Néanmoins, la scène sonore est toujours spacieuse et large, avec beaucoup d’activité en arrière-plan qui remplit l’espace hors écran tout en maintenant un équilibre exceptionnel et un mouvement convaincant entre les trois canaux et les hauteurs les plus élevées, créant ainsi un environnement de demi-dôme très engageant. L’imagerie présente une superbe fidélité et des détails acoustiques dans le milieu de gamme, ce qui permet d’obtenir de l’action avec une excellente clarté dans les segments les plus bruyants. En même temps, le chant est d’une clarté et d’une précision cristallines, et des graves robustes et en bonne santé procurent une puissance appréciable et un poids palpable aux séquences d’action.

Bonus : Un making of (12 minutes) nous proposant un intéressant retour sur la genèse du film entrecoupé d’images volées sur le tournage et d’entretiens avec l’équipe.

Bande annonce :

TEST BluRay: La Fille au bracelet (29 Juillet 2020) / De Stéphane Demoustier Avec Melissa Guers, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni

Lise, 18 ans, vit dans un quartier résidentiel sans histoire et vient d’avoir son bac. Mais depuis deux ans, Lise porte un bracelet car elle est accusée d’avoir assassiné sa meilleure amie.
Chronique : « La fille au bracelet » de Nicolas Demoustier, est un film brillant qui a su mettre en relief tout ce qui concerne l’ambiguïté des relations et des sentiments familiaux, face au bouleversement, voire au chaos total que représente cette affaire de meurtre et dont la fille aînée Lise est suspectée ! Si l’enjeu même du procès est pourtant bien présent à l’écran, c’est pourtant celui de la famille, avec les répercussions et conséquences, qui est ici sous l’œil du microscope et ainsi du spectateur… Bien que l’essentiel du film se déroule au sein de cette salle d’audience, avec de plus un traitement très incisif et chirurgical, on reste ici plus préoccupé de l’attitude de la jeune accusée et de ses parents, que du dénouement final de cette sombre affaire. Le réalisateur a su en effet éviter les pièges de film de procès classique, en nous interpellant complètement quant à la personnalité profonde de Lise. On découvre ainsi pour la première fois, la jeune Mélissa Guers. Elle est justement pour le spectateur le pivot central, soit une véritable énigme, tant son jeu est manifestement dénué d’affect, d’empathie et d’émotion malgré le contexte oppressant de la situation qu’elle subit ! On découvre ainsi une jeune adulte très sûre d’elle, ayant un impact puissant sur son entourage… Quelle prestation impressionnante, où la froideur, la maîtrise, le calcul sont les maître-mots de ce personnage presque glaçant et imperturbable, au point de se demander jusqu’où est la part de vérité ou de mensonge, et dont même les parents ne semblent pas comprendre en découvrant leur enfant sous un autre jour ! La tension va ainsi devenir de plus en plus étouffante, ce que les jeux des avocates (général et de la défense) va encore renforcer par là aussi l’excellence des interprétations ! La mise en scène très tenue comme sur un fil, va ainsi donner une dimension dramatique très intense à ce procès, en lui donnant un aspect sec, quasi documentaire le plus souvent. On est totalement pris par ces plaidoiries argumentées, étayées et construites sous forme de joutes verbales habiles, par ces démonstrations abouties qui amènent des controverses et des retournements, tout en regardant toujours et toujours cette Lise ultra déterminée en toile de fond, prisonnière de sa cage de verre et pourtant plus que jamais observatrice. Impressionnant… Si la fin nous laisse perplexe, c’est précisément là aussi un autre atout de ce film, en nous mettant ainsi à la place des jurés, qui en leur âme et conscience auront rendu justice, plutôt que de simplement juger une jeune femme pour ce qu’elle semble laisser paraître. Ce film intelligent, particulier et pertinent par son approche, a de quoi faire réfléchir et questionner.
Note : 9,5/10
La Fille au bracelet : Photo Anaïs Demoustier

Vidéo : Le travail du détail excelle ici, provoquant l’apparition des détails les plus subtils. En fait, il est si détaillé que vous pouvez voir chaque imperfection et chaque mèche de cheveux . Mais la plupart des arrière-plans semblent beaucoup plus unidimensionnels dans un film qui a autrement une dimension incroyable. Cela crée un look très unique qui se traduit extrêmement bien  .  Encadré à un rapport d’aspect de 1: 85.1 qui nous donnant une palette de couleurs plus vives et dynamiques. Ceci est particulièrement visible dans les scènes où les personnages sont montrés debout près des fenêtres où le soleil brille vers l’intérieur. Les rayons de lumière sont si vifs qu’ils sont tangibles lorsqu’ils sont projetés sur les personnages sur leur chemin. Les noirs sont brillant et  révèlent une grande profondeur.

La Fille au bracelet : Photo Chiara Mastroianni, Roschdy Zem

Audio :  L’audio dégage l’énergie du film sans effort. La partition remplit votre champ sonore d’exubérance. Même les scènes subtiles où les personnages ont une conversation rencontrent une excellente séparation des enceintes, l’une provenant de votre haut-parleur avant gauche et l’autre de votre droite.  Les hautes, moyennes et basses fréquences sont exactement ce que nous voulons.

La Fille au bracelet : Photo Melissa Guers

Rencontre avec le réalisateur :  une superbe rencontre qui nous en apprend plus sur le film

Les scènes coupées . Il y en a plusieurs mais on comprend le pourquoi elle ne sont pas présente

Essais casting de Melissa Guers

  • Acteurs : Melissa Guers, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Annie Mercier, Anaïs Demoustier
  • Réalisateurs : Stéphane Demoustier
  • Audio : Français (DTS-HD 5.1)
  • Audio description : Français
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
  • Rapport de forme : 1.66:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : Le Pacte
  • Durée : 95 minutes

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Test Blu-ray : Une vie cachée De Terrence Malick (10 Juin 2020) Avec August Diehl, Valerie Pachner, Maria Simon

Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme, Fani, et ses enfants, Franz reste un homme libre. Une vie cachée raconte l’histoire de ces héros méconnus.

Achat film : https://amzn.to/3dDue5H

Chronique : Ils ne furent pas nombreux, ceux qui, en Allemagne comme en Autriche, eurent l’audace de dire non, d’une manière ou d’une autre, à Hitler et au nazisme. Oser faire cela, il est vrai, c’était, fatalement, le payer de sa vie. En Allemagne, du côté de Munich, il y eut Sophie Scholl, son frère Hans et leurs autres compagnons de la Rose Blanche. En Autriche, il y eut le parcours exemplaire de Franz Jägerstätter, un paysan du village de Sainte Radegonde qui fut guillotiné le 9 août 1943 à la prison de Brandebourg à Berlin. Il faut observer que celles et ceux qui s’opposèrent à Hitler le firent toutes et tous au nom de leur foi chrétienne. Franz Jägerstätter a d’ailleurs été béatifié le 26 octobre 2007 à la cathédrale de Linz. C’est donc de cet homme-là que Terrence Malick a choisi de raviver le souvenir. Après sa série de films plus ou moins expérimentaux conçus à la manière de poèmes, de méditations, voire de prières, films sublimes mais qui pouvaient déconcerter certains spectateurs, le réalisateur de The Tree of Life renoue avec une narration beaucoup plus classique, mais sans se délester pour autant de son style, reconnaissable entre tous. On retrouve donc, dans Une Vie cachée, le goût du cinéaste pour les voix off, sa propension à filmer la nature, ainsi que de nombreux gros plans sur les acteurs qui semblent presque filmés avec une focale trop courte (mais c’est, évidemment, un effet voulu), etc. Le début est on ne peut plus caractéristique. Comme dans la plupart de ses films, Malick commence par filmer la nature d’une manière quasi édénique. En quelques plans, nous sommes conviés à goûter la vie à la montagne du fermier Franz Jägerstätter (August Diehl), de sa femme Fani (Valerie Pachner) et, bientôt, de leurs trois filles, ainsi que de quelques autres personnages, dont la belle-sœur de Franz qui est venue vivre avec eux. La vie de paysan est rude, certes, mais, au départ, tout est filmé dans une sorte d’innocence première, comme s’il fallait ainsi souligner d’autant plus, par contraste, l’irruption du mal absolu, qui ne tarde pas à paraître. Nous en avions déjà été averti, il est vrai, dès l’ouverture, par des films d’archives montrant avec quel empressement de nombreux Autrichiens accueillirent l’hitlérisme. On pouvait espérer, néanmoins, que le petit village de Sainte Radegonde resterait préservé de cette folie. Il n’en est rien. Personne ne peut se targuer ni d’être neutre ni d’être indifférent. Franz, lui, ne tergiverse pas. Il fait d’abord ses classes, puis, de retour chez lui, ne peut ignorer qu’on va exiger de lui, comme de tout homme en âge de combattre, un serment d’allégeance au Führer. Mais, au nom de sa foi comme de son humanité, il lui est impossible de se résoudre à un tel engagement. Dans son village, il se fait aussitôt remarquer et ostraciser. Quand des nazis passent par là pour réclamer à chaque habitant sa contribution à l’effort de guerre, il est le seul à refuser. Dès lors, sa détermination est telle que rien ne peut l’en détourner. C’est bien l’itinéraire d’un martyr que filme Malick, il n’y a pas de doute, mais sans ostentation, sans prêchi-prêcha, comme certains se plaisent à le reprocher au cinéaste, à la sortie de chacun de ses films, de manière totalement fallacieuse. Au contraire, il y a dans cet homme, tel qu’il est ici filmé, une sorte d’évidence ou de simplicité, comme si la sainteté allait de soi.

Une vie cachée : Photo August Diehl, Valerie Pachner

Pour le détourner de sa voie, certains reprochent à Jägerstätter son orgueil, alors que c’est son humilité qui, au contraire, nous interpelle. Plusieurs interlocuteurs interviennent pour le faire changer d’avis, y compris l’évêque du lieu qui se réfère à saint Paul affirmant qu’il faut se soumettre aux autorités. Le maire du village, lui, affirme à Franz qu’il est plus coupable que les ennemis du pays, puisqu’il agit comme un traître. Plus tard, quand il est emprisonné, il est sournoisement invité à signer son acte d’allégeance à Hitler, quel que soit son sentiment profond, même si celui-ci est contraire à la déclaration écrite. On ne lui demande pas d’aimer le Führer, mais de parapher un document. « Ce n’est qu’un bout de papier, lui dit-on. En ton for interne, tu peux penser ce que tu veux. » Mais Jägerstätter ne peut se résoudre à cette hypocrisie. Terrence Malick film l’obstination d’un homme dont la droiture morale est sans faille et qu’aucun raisonnement, aucune intimidation, aucune torture ne font plier. En cet homme, tout comme d’ailleurs en sa femme Fani, il y a une bonté qui semble naturelle et qui se traduit, entre autres, par une absence de jugement d’autrui. Même ses bourreaux, Franz ne les juge pas. Le cinéaste réussit le tour de force de filmer la bonté sans maniérisme, sans mièvrerie d’aucune sorte. Car la force de l’accusé, ce qui lui permet de tenir jusqu’au bout, jusqu’au don de sa vie, cette force, il la puise dans sa foi chrétienne, sans nul doute, mais aussi, c’est évident, dans l’amour qui l’unit à Fani.

Une vie cachée : Photo August Diehl, Valerie Pachner

Leurs échanges épistolaires, superbes, interviennent en voix off, à plusieurs reprises au cours du film. Malgré les épreuves, le mépris des villageois, la séparation du couple, la dureté des travaux de ferme en l’absence de Franz, malgré l’issue fatale qui se profile, l’amour ne faiblit pas. Ceux qui affirment à Franz que son sacrifice ne sert à rien, qu’il ne modifiera en rien le cours de l’histoire, qu’il ne sera connu de personne, qu’il n’aura d’autre effet que de faire du mal à ses proches, ceux-là ne savent rien de la grandeur de l’amour. « L’amour excuse tout, croit tout, espère tout, supporte tout. L’amour ne passera jamais… », écrit saint Paul dans sa Première Lettre aux Corinthiens (13, 7-8). Les bourreaux de Jägerstätter avaient tout prévu, sauf cela. Une phrase de George Eliot, tirée du roman Middlemarch, phrase projetée sur l’écran à la fin du film, le dit aussi à sa manière et l’éclaire de sa douce lumière : « Si les choses ne vont pas aussi mal pour vous et pour moi qu’elles eussent pu aller, remercions-en pour une grande part ceux qui vécurent fidèlement une vie cachée ».

Note : 10/10

Une vie cachée arrive sur le disque Blu-ray de chez UGC avec une vidéo encodée AVC 1080p et un son audio maître DTS-HD 7.1 sans perte.

Il s’agit d’un transfert haute définition de qualité de référence qui a l’air spectaculaire. Parfois, je trouvais les visuels à couper le souffle. Le film utilise un palais chromatique réservé qui donne le ton thématique à l’époque dont il est issu. Les vêtements, la décoration intérieure, etc. sont maintenus dans le cadre du délai, ce qui signifie beaucoup de bruns, gris, verts et noirs. Les couleurs définies par la nature ont l’air formidables alors que les couleurs profondes, vives, rouges, les bleus succulents et les tons de terre resplendissants sautent de la vidéo encadrée de 2,39: 1.

Les séquences lumineuses sont tout aussi gratifiantes et présentent des gris graduels et des blancs nets et délimités. Les images sont extrêmement détaillées, avec un sens de la profondeur presque infini quelle que soit la perspective de l’appareil photo. La résolution est forte car l’immensité et la portée de l’imagerie sont pleinement réalisées et apparaissent lucides, dimensionnelles et sans artefact. À mon avis, les lentes mineures que j’ai trouvées ne justifiaient pas de déduction, donc je ne les mentionnerai pas. Je pensais que cela avait l’air incroyable.

La bande sonore DTS-HD Master Audio sans perte est impressionnante et utilise toute la plate-forme surround. C’est un design sophistiqué qui récompense occasionnellement des activités qui sont placées de manière complexe dans le champ sonore afin de fournir une sensation d’immersion totale. J’ai trouvé cette présentation audio très détaillée avec une excellente plage dynamique qui lui permet de faire autorité à un moment et de subtilement nuancer le suivant. La boîte de dialogue est définitive et sensiblement lucide à travers le canal central lorsqu’elle atteint loin dans la pièce. Il est situé juste en face des haut-parleurs gauche / droit dans la scène sonore. Je n’ai jamais eu de difficulté à distinguer les moindres changements de hauteur ou d’inflexion de voix. La séparation des canaux avant est excellente, ce qui fait ressortir à la fois les grands et les petits éléments sonores, ce qui permet de définir leur corrélation directionnelle en fonction des événements à l’écran. Il n’y a pas d’utilisation perpétuelle des canaux arrière mais lorsqu’ils sont appliqués, les effets impliquent.

 

  • Audio : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1)
  • Audio description : Français
  • Sous-titres : Français
  • Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
  • Rapport de forme : 2.35:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : UGC
  • Date de sortie du DVD : 10 juin 2020
  • Durée : 174 minutes

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Test : Bluray / J’ai perdu mon corps (06 Mars 2020) de Jérémy Clapin avec Hakim Faris, Dev Patel

A Paris, Naoufel tombe amoureux de Gabrielle. Un peu plus loin dans la ville, une main coupée s’échappe d’un labo, bien décidée à retrouver son corps. S’engage alors une cavale vertigineuse à travers la ville, semée d’embûches et des souvenirs de sa vie jusqu’au terrible accident. Naoufel, la main, Gabrielle, tous trois retrouveront, d’une façon poétique et inattendue, le fil de leur histoire…

Chronique : Le thème de la main coupée n’a rien d’inédit. Gérard de Nerval en avait fait le sujet d’une nouvelle (La Main enchantée) qui fut adaptée au cinéma par Maurice Tourneur en 1943 sous le titre de La Main du Diable. Il y eut aussi Les Mains d’Orlac, roman mi-policier mi-fantastique écrit par Maurice Renard et adapté quatre fois au cinéma. Or le film d’animation de Jérémy Clapin, film déjà acclamé à Cannes où il a reçu le Grand Prix de la Semaine de la Critique ainsi qu’à Annecy où lui ont été décernés deux Prix, ce film donc renouvelle l’approche du thème en question. Sans lui enlever son caractère fantasmagorique (difficile de faire autrement quand on met en scène une main coupée en mouvement), le cinéaste insiste sur un autre aspect, celui de la quête, de la recherche irrépressible de ce qui manque, autrement dit le corps dont dépendait la main en question. Pas de magie comme chez Nerval ni d’affaire criminelle comme chez Maurice Renard, mais la nécessité impérieuse de retrouver le corps perdu. De ce fait, dès le début du film, on est impressionné, car la main, symbole identitaire très fort, ne se contente pas d’agiter ses doigts, mais elle se met en mouvement, s’échappe du laboratoire où elle est conservée et entreprend un périple périlleux pour aller à la rencontre du corps dont elle a été retranchée. L’organe semble être doté d’une volonté propre, ce qui ne peut manquer de déconcerter mais qui, pourtant, s’impose rapidement comme une sorte d’évidence. De quoi est capable une main toute seule, coupée des autres membres ? J’allais dire qu’elle n’a qu’une chose en tête, ce qui est absurde pour une main, et pourtant la vérité est de cet ordre : c’est comme si elle avait une pensée propre ou, en tout cas, un désir, se traduisant par l’obsession de la quête du corps manquant, ce qui fait qu’elle prend tous les risques et affronte tous les dangers, entre autres ceux du métro où elle manque de se faire écrabouiller puis dévorer par des rats ! Mais le film ne se cantonne pas à nous faire haleter en suivant les déambulations de la main.

Il nous raconte aussi, en parallèle, l’histoire de Naoufel et de Gabrielle. Le premier, quand il était un petit garçon, rêvait d’être à la fois pianiste et cosmonaute ! Les deux, oui ! Malheureusement, une fois devenu un jeune homme obligé de résider chez un oncle du fait du décès de ses parents, ses ambitions sont réduites à néant. Il n’a pour tout travail que de faire le livreur de pizzas. Or c’est précisément grâce à cet emploi qu’il fait la rencontre de Gabrielle. Une rencontre qui ne se concrétise que par étapes car, au départ, le garçon, arrivé très en retard à l’adresse de Gabrielle à qui il devait livrer une pizza, n’a droit à rien de plus qu’à la voix de cette dernière, par interphone interposée. Cela donne lieu à une scène assez longue qui est, sans doute, l’une des plus belles, des plus réussies, des plus émouvantes du film.

Le seul son de la voix de Gabrielle suffit à changer la vie de Naoufel. Il n’a dès lors qu’une obsession, qui est de faire la connaissance de la jeune fille. Sa quête lui donne l’occasion de trouver un nouvel emploi chez l’oncle de Gabrielle, un emploi dans la menuiserie, bien plus valorisant que celui de livreur de pizza. Quoi qu’il en soit, pour les deux jeunes gens, commence l’histoire de la quête de l’autre. On le comprend, dans ce film, il n’est question que de cela : la main recherche son corps manquant tout comme Naoufel et Gabrielle, malgré leurs déboires, se recherchent l’un l’autre.

Ce film surprenant, audacieux, mérite amplement les Prix qui lui ont été décernés. Il s’encombre de peu de dialogues, mais est servi par la beauté des images, leur précision et leur poésie. Quant au thème, ne nous rejoint-il pas tous d’une manière ou d’une autre dans la mesure où nous recherchons, nous aussi, une part manquante dont nous avons besoin pour nous épanouir ?

Note 10/10

J'ai perdu mon corps : Photo

Vidéo : Le travail du détail excelle ici, provoquant l’apparition des détails les plus subtils. En fait, il est si détaillé que vous pouvez voir chaque imperfection et chaque mèche de cheveux . Mais la plupart des arrière-plans semblent beaucoup plus unidimensionnels dans un film qui a autrement une dimension incroyable. Cela crée un look très unique qui se traduit extrêmement bien en contraste avec l’animation .  Encadré à un rapport d’aspect de 1: 85.1 qui nous donnant une palette de couleurs plus vives et dynamiques. Ceci est particulièrement visible dans les scènes où les personnages sont montrés debout près des fenêtres où le soleil brille vers l’intérieur. Les rayons de lumière sont si vifs qu’ils sont tangibles lorsqu’ils sont projetés sur les personnages sur leur chemin. Les noirs sont brillant et  révèlent une grande profondeur.

J'ai perdu mon corps : Photo

Audio :  L’audio dégage l’énergie du film sans effort. La partition remplit votre champ sonore d’exubérance. Même les scènes subtiles où les personnages ont une conversation rencontrent une excellente séparation des enceintes, l’une provenant de votre haut-parleur avant gauche et l’autre de votre droite.  Les hautes, moyennes et basses fréquences sont exactement ce que nous voulons.

J'ai perdu mon corps : Photo

Bonus:  Une bande-annonce et un passionnant making of (31 minutes) qui revient sur les différentes étapes de la production, de l’écriture au tournage des scènes « live » en passant par la modélisation 3D,le doublage. Jérémy Clapin, Guillaume Laurant et le  producteur Marc du Pontavice reviendront sur leurs ambitions et les différents challenges à relever au fil du tournage.

 

  • Réalisateurs : Jérémy Clapin
  • Format : PAL
  • Audio : Français (Dolby Digital 5.1)
  • Région : Région 2
  • Rapport de forme : 2.35:1
  • Nombre de disques : 1
  • Studio : Sony Pictures
  • Date de sortie du DVD : 6 mars 2020
  • Durée : 78 minutes