Denise, une adolescente rebelle est témoin de phénomènes étranges et inexpliqués. Et si l’obsession de son père pour les OVNIS avait causé sa mort huit ans plus tôt ?
Chronique : Avec un mélange entre « X-Files » et « Stranger Things », le film « UFO Sweden » se déroule dans une petite ville où une adolescente rebelle placée en famille d’accueil, soupçonne que son père n’est pas mort, mais qu’il a été kidnappé par des extraterrestres. Elle est déterminée à découvrir la vérité avec l’aide d’une association OVNI. Le film a été produit par Crazy Pictures, qui a eu l’idée après avoir découvert UFO-Sweden, une organisation qui enquête sur des phénomènes mystérieux et gère les plus grandes archives d’OVNI au monde, Archives for the Unexplained à Norrköping, en Suède.
Le tournage de « UFO Sweden » a eu lieu en septembre à Norrköping, en Suède.
Ce charmant, amusant et palpitant film vous ramène directement dans les années 90 (et un peu des années 80 aussi). Pour les amateurs de vintage, vous trouverez beaucoup de détails sympas, et pour les fans de vieux films de science-fiction, vous aurez la sensation de ces vieux films de Spielberg comme « Rencontres du troisième type ».
Les effets spéciaux sont époustouflants, tout en restant fidèles aux films d’il y a 30 ans, et il y avait des scènes à vous couper le souffle.
Les rôles sont parfaitement distribués, et les personnages sont diversifiés. J’ai particulièrement apprécié Isabelle Kyed dans le rôle de « Töna » et Niklas Kvarnbo Jönsson dans le rôle de « Karl-Tefat », mais je n’ai que de grands mots à dire sur le reste de la distribution également.
Ce film réussit là où d’autres échouent en étant absolument authentique et terre à terre (jeu de mots non intentionnel) et je suis très impressionné par la petite société de production Crazy Pictures qui continue de se faire un nom avec des productions comme celle-ci.
Pour les amateurs de science-fiction et d’action, c’est un must, mais c’est aussi filmé avec cet humour et cette chaleur qui le porte à un autre niveau.
25 mai 2023 en VOD / 1h 55min / Aventure, Science fiction De Victor Danell Par Victor Danell Avec Jesper Barkselius, Eva Melander, Sara Shirpey
Espagne, 1977 : à la fin du franquisme, le pays vit l’un des plus grands moments de liberté de son histoire. Mais le passage à la démocratie ne change rien dans les prisons.
Chronique : Le réalisateur et co-scénariste de 7 Virgins et Group 7, Alberto Rodriguez, présente dans Prison 77 un drame carcéral difficile qui se transforme en une explosion de colère envers le passé. Originaire de Séville, Rodriguez a également dirigé le sombre polar Marshland (2014), et il y a des similitudes ici dans la représentation d’un pays qui tente maladroitement de progresser vers la démocratie après la mort de Francisco Franco à la fin de 1975. Bien que Prison 77 soit un film de prison plus conventionnel dans d’autres aspects, il décrit avec un sentiment de faim l’horrible injustice vécue par des détenus maltraités qui prennent position en faveur de l’amnistie à la fin d’un régime qui a emprisonné ceux qu’il n’aimait pas – des communistes aux homosexuels – et a jeté les clés.
Il est courant qu’un drame carcéral se concentre sur un petit groupe de détenus, mais Rodriguez prend son temps pour introduire d’abord son personnage principal. Manuel, un jeune comptable têtu et fier, interprété par Miguel Herran (connu pour son rôle dans Money Heist à la télévision), a été jeté à Modelo après avoir été accusé de fraude par son employeur. Il n’a aucun espoir d’être jugé rapidement. Dès le début, Manuel refuse de se soumettre aux « blisters » – les gardiens de prison qui dirigent cette prison immense à l’aide de leurs matraques. Il porte son costume à larges revers, même si cela lui coûte un matelas pour ses deux premières semaines d’isolement «sanitaire» obligatoire, où il est tourmenté par les insectes, développe un abcès et dépose sa première plainte officielle, attirant sur lui un traitement encore plus brutal. Finalement, le film se concentre sur Manuel et ses camarades de cellule, mais Rodriguez prend le temps d’établir son personnage principal avant de plonger dans leur histoire.
Ce n’est qu’un avant-goût de ce qui attend Manuel, car les conditions de détention vont empirer lorsque les gardiens essaient de briser son esprit. Avec une attente de quatre ans pour son procès, la seule visiteuse de Manuel – et la seule femme du film – est Lucia, la sœur de son ex-petite amie, interprétée par Catalina Sopelana. C’est sa seule offre d’amitié dans le monde, mais il la refuse fièrement. Il ne se soumettra pas non plus aux gardes, même si son défi constant s’apparente à de l’auto-sabotage. Finalement, Manuel est livré à sa cellule avec l’aide du malheureux factotum El Negro, joué par Jesus Carroza, et du condamné à perpétuité Pino, interprété par le robuste et fiable Javier Gutierrez, qui a également joué dans Marshland.
Manuel, qui est incarcéré pour incendie criminel, décide de rejoindre la naissante Association des Droits des Prisonniers, tandis que Pino regarde avec scepticisme ses livres de science-fiction et sa position blasée de sécurité. La mort d’un détenu et des violences punitives exercées en toute impunité finiront par inciter Pino à soutenir son compagnon de cellule, alors que les émeutes éclatent dans la prison et que la structure du pouvoir se tord et se retourne sur elle-même.
Prison 77, dont les événements sont « inspirés par » des événements réels, commence en 1976, quelques mois après la mort de Franco, et se termine en 1978, avec un espoir difficile à maintenir. Le travail de caméra saisissant, avec une reconstitution impressionnante d’une manifestation sur le toit, et les costumes fantastiques (Pino est décrit comme un « dandy ») sont des éléments visuels marquants, mais ils ne peuvent pas retenir l’attention du spectateur aussi longtemps que les coups et la brutalité incessante infligée aux prisonniers.
Pendant près de deux heures, le film dépeint sans pitié les espoirs des détenus écrasés par la structure du pouvoir. Seules les 20 dernières minutes tiennent la promesse de suspense longtemps retenue. Le film suggère qu’un avenir est possible, mais que les prisonniers doivent se battre pour le tailler à leur mesure.
Une image récurrente, vue depuis la fenêtre de la cellule, est une enseigne lumineuse au néon incitant les gens à « sauter dans la couleur ». Bien que cela puisse sembler un peu sur le nez, cette publicité pour les téléviseurs résume efficacement la vision de Rodriguez d’une Espagne en train de chercher son chemin vers la lumière.
Prison 77 25 mai 2023 en VOD / 2h 05min / Drame De Alberto Rodriguez Par Alberto Rodriguez, Rafael Cobos Avec Miguel Herrán, Javier Gutiérrez, Jesús Carroza Titre original Modelo 77
Italie 1609. Accusé de meurtre, Le Caravage a fui Rome et s’est réfugié à Naples. Soutenu par la puissante famille Colonna, Le Caravage tente d’obtenir la grâce de l’Église pour revenir à Rome. Le Pape décide alors de faire mener par un inquisiteur, l’Ombre, une enquête sur le peintre dont l’art est jugé subversif et contraire à la morale de l’Église.
Le réalisateur Michele Placido, surtout connu pour ses films sur la mafia comme La Piovra 1 et 2, signe ici un magnifique film à la photographie exceptionnelle qui privilégie les tons ocres et bruns pour illustrer la vie du célèbre peintre Le Caravage (1571-1610).
D’une durée de deux heures et en italien, le film évite les clichés du film de cape et d’épée pour se concentrer sur l’aspect mystique du génie de la peinture, dont la mort a longtemps été entourée de mystères.
L’histoire se déroule durant les dernières années de la vie du Caravage (joué par Riccardo Scarmarcio), forcé de quitter Rome après avoir été condamné pour le meurtre de Renuccio Tomassoni, un proxénète lié à la famille des Farnese de Parme. Il se réfugie à Naples chez Constanza Sforza Colonna (interprétée par Isabelle Huppert), une puissante famille que la Curie ne souhaite pas froisser.
Le nouveau pape Paul V, Camille Borghese, est le neveu de Scipion Borghese, un soutien du peintre dont le talent est largement reconnu à l’époque. Le pape souhaite réhabiliter le peintre controversé, mais pour cela, il demande une enquête menée par l’Ombre (joué par Louis Garrel), un agent secret et plénipotentiaire attaché à la Curie romaine.
L’intérêt du film réside dans la trame tissée à travers le regard de cet enquêteur inquiétant et néophyte en art, qui découvre l’œuvre du peintre et ses ressorts en passant au crible sa vie de débauche et de repentance. Le spectateur est ainsi plongé au cœur du débat sur l’art, en pleine contre-réforme, qui utilisait l’art pour élever les âmes vers Dieu, en particulier l’architecture et la peinture.
Caravage pousse loin le trait et l’innovation, utilisant de pauvres gens comme modèles, les sublimant avec un réalisme nouveau en Saints-Martyrs ou en Madones (la superbe Micaela Ramazzotti), peignant la souffrance et les grimaces, la crasse et la misère du peuple.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Michele Placido Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 55 minutes Date de sortie : 3 mai 2023 Acteurs : Riccardo Scamarcio, Micaela Ramazzotti, Louis Garrel, Isabelle Huppert, Michele Placido Sous-titres : : Français Studio : Le Pacte
Alex, chanteuse dont la carrière peine à décoller, accepte un drôle de job : faire chanter des comptines à une chorale de retraités. Elle découvre un groupe de séniors ingérables qui ne rêve que d’une chose, chanter du rock ! La mission d’Alex va s’avérer plus compliquée que prévu avec la plus improbable des chorales…
Chronique : Ce film est une bouffée d’air frais pour le moral. Les interprétations sont remarquables, les titres musicaux choisis avec soin, et l’équipe joue de manière cohérente. Voir tous ces acteurs qui ont été des compagnons de vie chanter ensemble est un plaisir immense ! Mathilde Seigner mérite également des félicitations pour sa direction de chorale dynamique et joyeuse. La vieillesse n’est pas un naufrage, mais plutôt une occasion supplémentaire de partager des activités qui nous donnent de l’énergie. Et que serait la vie sans la musique ? Bien que ce soit une énième histoire de chorale, le film commence lentement avec Dunkerque dans le décor, mais le sujet des « vieux » est encore tabou et on ressort avec une sensation de joie en pensant aux personnages attachants qui ont bravé les règles, la solitude et les commérages. On s’attache à eux comme dans la vie, leur travail et leur solidarité leur permettant de surmonter les obstacles.
Ce bel hommage aux années rock and roll et à nos aînés que nous deviendrons tous est à voir sans aucun doute ! Le film est jouissif, prenant, jubilatoire, réjouissant, captivant, poignant, émouvant, palpitant, passionnant, bouleversant, touchant et attachant. J’ai adoré chaque instant de ce premier long métrage de Luc Bricault, où tout est parfaitement maîtrisé, avec une distribution impeccable, allant de Mathilde Seigner, une mère de famille un peu dépassée, mais passionnée de musique, à un florilège de seconds rôles, de d’Andréa Ferréol à Bernard Lecoq et tous les autres… La bande son et le choix des titres, allant de Clash à Trust en passant par William Sheller, sont excellents, et l’histoire qui s’inspire de l’aventure des Salt and Pepper est très réussie. C’est un film à ressentir et à vivre, qui fait du bien, sans prétention… Malgré un final improbable et peu crédible (essayer d’entrer comme cela à un concert et de monter sur scène est peu probable)… Cette œuvre est un véritable joyau qui nous laisse avec un large sourire aux lèvres : le rock n’est pas mort, héhé ! De plus, savoir que l’histoire est inspirée de faits réels, c’est que du bonheur !
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Ida Techer, Luc Bricault Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 27 minutes Date de sortie : 3 mai 2023 Acteurs : Mathilde Seigner, Bernard Le Coq, Anne Benoît, Andréa Ferréol, Brigitte Roüan Doublé : : Français Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : UGC
En pleine représentation, un comédien de la Comédie-Française est assassiné par empoisonnement. Martin, membre de la troupe témoin direct de cet assassinat, est bientôt soupçonné par la police et pourchassé par la mystérieuse organisation qui a commandité ce dernier. Aidé par une dessinatrice de bandes dessinées, Claire, il cherchera à élucider ce mystère au cours d’un voyage très mouvementé en Europe.
Chronique : Après avoir réalisé l’excellent « Alice et le maire » ainsi que plusieurs épisodes de la célèbre série « En thérapie », Nicolas Pariser s’attaque à la comédie d’espionnage avec brio dans son dernier film, « Le Parfum Vert ». Dans un paysage cinématographique qui manque parfois d’humour, cette œuvre est un vrai bol d’air frais !
Le réalisateur montre ici sa passion pour le film de genre et se meut avec une aisance talentueuse et décomplexée dans un univers surréaliste, rocambolesque et joliment désuet. La combinaison de ces éléments crée un écrin parfait pour accueillir l’un des duos d’acteurs les plus réussis de l’année : Kiberlain et Lacoste. Leur couple comique est tout simplement irrésistible, alliant élégance nonchalante et burlesque de cartoon. Cette alchimie repose également sur la précision des dialogues et l’intelligence des répliques, qui fusent comme des coups de Beretta 418, mettant en lumière tout le talent des deux comédiens.
Le Parfum vert nous plonge dans une soirée théâtrale qui tourne au drame lorsque l’un des acteurs est assassiné sous les yeux de Martin, lui-même comédien. Accusé à tort, il se retrouve en fuite, poursuivi par la police et une organisation mystérieuse. Sa route croise celle de Claire, une dessinatrice en quête de réponses à ses propres interrogations. Ensemble, ils vont mener une enquête rocambolesque, digne d’une aventure de Tintin, à travers l’Europe, sur les traces du meurtrier.
Le film est mené à un rythme effréné, avec une énergie communicative, entraînant le spectateur dans une quête pleine de rebondissements et de faux-semblants. Les personnages hauts en couleur, tels que les policiers quasi jumeaux aux dialogues décalés, rappellent l’univers de Dupond et Dupont. L’usage astucieux du MacGuffin par le réalisateur rappelle l’art de Hitchcock dans ses films anglais des années 30 et 40.
Le Parfum vert est également porteur d’un message plus profond, évoquant la montée des nationalismes et de l’antisémitisme en Europe, avec deux personnages principaux de confession juive ashkénaze et un humour noir qui reflète leur paranoïa. La mise en scène élégante et soignée ajoute au charme de ce film divertissant et réjouissant, qui rappelle une partie de Cluedo à la fois inspirée et rafraîchissante. Mais attention, l’agent infiltré du Parfum vert peut être n’importe qui, restez vigilant !
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Dimensions du produit (L x l x h) : 13.5 x 1.3 x 19 cm; 80 grammes Réalisateur : Nicolas Pariser Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 37 minutes Date de sortie : 2 mai 2023 Acteurs : Sandrine Kiberlain, Vincent Lacoste, Rüdiger Vogler, Léonie Simaga, Arieh Worthalter Doublé : : Français Langue : Français (Dolby Digital 5.1) Studio : Diaphana
Adaptée des romans éponymes de Philip Pullman, la série se situe dans un monde dominé par le Magisterium, un organisme gouvernemental régi par l’Eglise. Dans cet univers fantastique, chaque être humain possède un Daemon, sorte de créature représentant notre âme et conscience sous forme animale. Lyra, une jeune orpheline rebelle, vit à Jordan College, un des établissements de l’Université d’Oxford. Lorsque son meilleur ami disparait, Lyra décide de partir à sa recherche. Sa quête la mènera dans les Royaumes du Nord où elle découvrira un complot impliquant des enlèvements d’enfants et des expériences scientifiques secrètes liées à une mystérieuse particule : la Poussière.
Chronique : His Dark Materials : A la croisée des mondes – Saisons 1 à 3 est une série télévisée dramatique fantastique britannique, basée sur la trilogie de romans du même nom de Philip Pullman. Les trois saisons ont été réalisées par Tom Hooper, Otto Bathurst, Jamie Childs, Euros Lyn, Dawn Shadforth, William McGregor et Leanne Welham, et mettent en vedette Dafne Keen et Amir Wilson dans les rôles principaux.
L’histoire suit Lyra Belacqua, une jeune fille orpheline qui vit dans un monde parallèle à notre propre monde. Elle découvre bientôt qu’elle est destinée à jouer un rôle crucial dans la lutte entre les forces du bien et du mal, et est entraînée dans une aventure épique à travers des mondes différents, accompagnée de son daemon, une créature qui représente son âme.
His Dark Materials : Une adaptation spectaculaire qui comble enfin les attentes des fans. Après une adaptation cinématographique en demi-teinte, Jack Thorne et HBO ont réussi à donner un second souffle au roman éponyme de Philip Pullman. La réalisation est foisonnante et sublime de bout en bout, avec des plans séquences sublimes et une reconstitution formidable des lieux emblématiques, de Oxford aux côtes enneigées du Nord. L’ambiance sombre et mystérieuse est accompagnée d’un générique flamboyant et d’une BO grandiose de Lorne Balfe, apportant un véritable souffle épique aux épisodes.
Le scénario est fidèle à l’œuvre originale tout en restant captivant du premier au dernier épisode, avec quelques ajustements scénaristiques culottés et audacieux qui apportent des rebondissements croustillants et abordent des thèmes essentiels comme la croyance, la religion, la quête identitaire, la rédemption, la paternité, l’amitié et les liens fraternels. Le rythme de croisière monte progressivement en puissance pour ne plus lâcher prise au cours des huit épisodes. Les effets spéciaux sont époustouflants de réalisme, avec une mention spéciale pour le design des daemons, une véritable prouesse à l’écran. Les morceaux de bravoure sont dynamiques et époustouflants, avec quelques pointes d’humour bien apaisantes et quelques moments de suspense bien soutenu, tout en faisant la part belle à l’émotion avec des scènes intimistes particulièrement émouvantes.
Le casting est fabuleusement judicieux en campant à la perfection ces rôles iconiques de la littérature. La talentueuse comédienne Dafne Keen trouve un rôle à la hauteur dans le rôle emblématique de Lyra Belacqua, une jeune orpheline indépendante, malicieuse, courageuse et attachante au mystérieux passé qui vit une incroyable aventure qui la changera à jamais. Autour de notre intrépide héroïne, on retrouve une poignée de seconds rôles inoubliables, tels que l’immense James McAvoy dans le rôle de Lord Asriel, un aventurier explorateur énigmatique et déterminé, jouant un rôle clé, la séduisante et fabuleuse Ruth Wilson dans le rôle de Mrs Coulter, une aristocrate ambiguë, dangereuse et glaçante, ainsi que le reste de la distribution, parfaite en étant composée de Lin-Manuel Miranda, Clarke Peters, Ruta Gedmintas, Anne-Marie Duff, James Cosmo, Lewin Lloyd et Ariyon Bakare.
En conclusion, His Dark Materials est indéniablement un pur régal télévisuel qui fait enfin honneur au roman phare de Philip Pullman. Cette adaptation est à la fois épique, captivante, haletante et touchante,
Rapport de forme : 1.78:1
Classé : Tous publics
Dimensions du colis : 17.5 x 13.9 x 3.9 cm; 290 grammes
Réalisateur : Tom Hooper, William McGregor, Harry Wootliff, Dawn Shadforth, Otto Bathurst
Format : Couleur, Cinémascope
Durée : 21 heures et 5 minutes
Date de sortie : 26 avril 2023
Acteurs : Dafne Keen, Amir Wilson, Robert Emms, Lewin Lloyd, Lin-Manuel Miranda
Lyra, l’enfant de la prophétie, et Will, porteur du Poignard Subtil, s’engagent pour une odyssée en direction d’un endroit dont nul n’est jamais revenu alors que la guerre que mène son père, Asriel contre l’Autorité s’approche de son terme, les deux amis vont apprendre à leurs dépens que la sauvegarde du Monde requiert un lourd tribut.
Chronique : His Dark Materials est une de ces sagas fantastiques que beaucoup considèrent comme une œuvre incontournable. La sortie en 2007 du film La Boussole d’or, plutôt moyen, laissait présager que l’adaptation fidèle des romans de Philip Pullman ne verrait jamais le jour sur grand écran. Mais d’une certaine manière, nous avions raison.
Lorsque la BBC et HBO ont annoncé leur coproduction de la série, ils ont livré une adaptation assez fidèle des événements du livre, sans s’aventurer dans des directions imprévues susceptibles d’irriter les fans puristes.
La saison 3 reste fidèle à la plupart des événements du livre, tout en intégrant beaucoup des éléments qui ont rendu les deux premières saisons si agréables. Bien sûr, les fans inconditionnels trouveront peut-être des changements qui ne sont pas tout à fait fidèles – en particulier une bataille tardive en particulier – ce qui est tout à fait compréhensible. Néanmoins, cette troisième saison conserve un ton et une atmosphère convaincants tout au long de son déroulement, culminant dans une grande bataille finale.
L’expérience de visionnage est bien meilleure lorsqu’elle est consommée d’une traite, donc il peut valoir la peine d’attendre que la saison entière soit disponible.
Pour ceux qui ne connaissent pas l’histoire, Lyra et Will se retrouvent plongés au cœur du conflit alors qu’Asriel prévoit de faire la guerre contre l’autorité angélique, Metatron, et de rallier autant de races que possible à sa cause. Pendant ce temps, Lyra est poussée malgré elle à accomplir son destin, se lançant dans une quête périlleuse après avoir été en compagnie de Mme Coulter, qui est devenue un personnage beaucoup plus intrigant et complexe cette année.
L’histoire atteint un point culminant dans les derniers épisodes dramatiques, qui clôturent tous les arcs de l’intrigue de manière satisfaisante et terminent les histoires de Lyra et Will sur une note sombre.
Je dois avouer que cela fait longtemps que je n’ai pas lu les livres, donc n’hésitez pas à souligner tout écart majeur que j’aurais pu manquer dans notre récapitulatif final ! Cependant, dans l’ensemble, la série suit le même cheminement que les livres et parvient à une fin satisfaisante pour Lyra et Will, qui est à la fois poétique et émouvante. Cette conclusion touchera probablement le cœur des téléspectateurs.
Dès le début de la saison 3 de His Dark Materials, les personnages sont éparpillés aux quatre coins de différents mondes. Lyra (Dafne Keen) est retenue prisonnière par sa mère, Mme Coulter (Ruth Wilson), qui la maintient dans un sommeil artificiel pour la protéger du maléfique Magisterium. Dans ses rêves, elle reçoit l’appel à l’aide de son ami décédé, Roger (Lewin Lloyd), qui se trouve au Pays des Morts. Pendant ce temps, Will (Amir Wilson) utilise le Couteau Subtil pour la retrouver à travers les mondes, tandis que le Dr Mary Malone (Simone Kirby) explore un nouveau royaume où elle se lie d’amitié avec des êtres inattendus. Et bien sûr, il y a la question cruciale de la bataille finale de Lord Asriel (James McAvoy) contre l’Autorité, qui rassemble des anges, des sorcières et des humains.
Cette saison à la portée tentaculaire nous offre de nombreux nouveaux lieux fantastiques à explorer, du champ de bataille mouvementé d’Asriel au royaume austère mais grandiose des cieux. Deux mondes en particulier se distinguent : le Pays des Morts, avec son atmosphère industrielle fascinante et ses gardiennes terrifiantes, les harpies ; et le monde dans lequel Mary atterrit, un paradis luxuriant peuplé de mulefas aux allures d’éléphants. Oui, vous avez bien lu, fans des livres : nous voyons enfin les mulefas et leurs roues de graines. Réjouissez-vous !
Les deux premières saisons de His Dark Materials partageaient le temps de l’écran entre Lyra et d’autres personnages, mais la saison 3 permet à ces histoires de progresser à toute vitesse. La relation complexe entre Asriel et Coulter est explorée avec un mélange parfait d’amour, de haine et d’ambition, tandis que la rébellion contre l’Autorité obtient enfin sa récompense épique appropriée. Cependant, les scènes du Magisterium continuent d’être difficiles à traverser, et les retours constants à cet endroit éloignent le temps des histoires plus captivantes. Malgré cela, la saison 3 prend vie lorsqu’elle se concentre sur la relation entre Lyra et Will, qui cherchent à s’entraider pour atteindre leurs objectifs tout en étant confrontés à une guerre divine. Keen et Wilson ont une excellente chimie et leurs scènes emballent les plus gros coups de poing émotionnels cette saison.
ous ces éléments convergent vers le moment le plus dévastateur de His Dark Materials jusqu’à présent : la fin. Sans révéler quoi que ce soit, je peux dire que c’est un point culminant parfait de l’histoire de passage à l’âge adulte de Lyra et Will – même si cela peut vous laisser en larmes. Si vous n’avez pas lu les livres, soyez préparé. Si vous les avez lus, vous serez satisfait de la façon dont la série traite ces scènes finales.
Bien que la série ait ses imperfections, His Dark Materials vaut la peine d’être regardée pour son étrangeté fascinante, sa maturité et sa tristesse.
Image : La troisième saison complète de His Dark Materials est disponible en Blu-ray grâce à l’aimable autorisation de HBO et Warner avec un transfert 1080p encodé AVC en 2.00:1, poursuivant ainsi le format d’image plus large proposé pour la première fois dans la deuxième saison. Comme mentionné précédemment dans la critique principale, le temps de production supplémentaire entre la deuxième et la troisième saison a permis une planification et une exécution plus minutieuses des effets spéciaux, en particulier pour les CGI. Le résultat est souvent magnifique, avec des rendus impressionnants de créatures telles que les démons, avec des textures de fourrure et des expressions faciales détaillées. De plus, certains des différents mondes visités offrent des perspectives d’établissement à couper le souffle. Bien qu’il puisse y avoir des moments où les rendus des démons peuvent sembler légèrement moins crédibles, en général, les niveaux de détail sont précis et sans problème. Comme dans la deuxième saison, il y a des séquences intentionnellement floues, en particulier dans le matériel de rêve, mais cela n’affecte en rien la qualité globale de la production.
Son : La troisième saison complète de His Dark Materials présente une piste DTS-HD Master Audio 5.1 bien réalisée qui offre des moments d’immersion captivants dans chaque épisode. Les effets de panoramique sont particulièrement remarquables, comme dans la scène où Asriel tente de piloter un hélicoptère instable, et les scènes extérieures offrent une excellente utilisation des canaux discrets pour les effets environnementaux. Le score est également bien intégré dans les canaux latéraux et arrière. Le dialogue est rendu de manière claire et nette tout au long de la série.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17.3 x 13.7 x 1.3 cm; 110 grammes Réalisateur : Amit Gupta, Charles Martin, Weronika Tofilska, Harry Wootliff Format : Couleur, Cinémascope Durée : 8 heures Date de sortie : 26 avril 2023 Acteurs : Dafne Keen, Amir Wilson, Jade Anouka, Chipo Chung, Jamie Ward Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français, Néerlandais Langue : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : HBO ASIN : B0BSV7CTZ9
L’amitié improbable entre un homme des cavernes à l’aube de l’évolution et un dinosaure dont l’espèce est sur le point de s’éteindre. Les deux s’unissent pour leur survie dans un monde primaire et violent.
Chronique : Dans le dernier épisode de la première saison de la série animée anarchique Primal de Genndy Tartakovsky la mention d’un seul nom, Mira, prend une signification profonde. Prononcé par le personnage de Spear (Aaron LaPlante), un homme taciturne qui a perdu sa famille dans une attaque violente, ce nom représente pour lui une rare connexion humaine. Après avoir d’abord été méfiant envers Mira, il s’est progressivement ouvert à elle de manière inédite. Cependant, leur moment de rapprochement a été brutalement interrompu lorsque Mira a été enlevée et emmenée sur un bateau, laissant Spear et son compagnon sont impuissants. Cet épisode a marqué la fin de la saison sur une note sombre, renforçant la tristesse dominante qui a caractérisé l’ensemble de la série.
Mais la deuxième saison de Primal continue de fasciner avec sa combinaison de violence viscérale et d’émotions brutes. Les deux premiers épisodes introduisent de nouveaux personnages intéressants, dont certains se joignent à Spear et Fang dans leur quête pour retrouver Mira. Malgré la lenteur du début, l’intrigue s’intensifie progressivement pour donner lieu à des scènes d’action intenses et émouvantes. Bien que cette saison se concentre davantage sur une trame narrative globale, chaque épisode reste une œuvre d’art autonome. Les créateurs de la série continuent de repousser les limites de l’animation télévisée avec leur utilisation inventive de la couleur, de la musique et du silence pour raconter des histoires. Dans l’ensemble, la deuxième saison de Primal est une suite digne de la première, avec de nouveaux rebondissements et personnages qui ajoutent de la profondeur à cet univers captivant.
Tartakovsky a créé certains des spectacles les plus aimés de tous les temps, tels que Le laboratoire de Dexter et Samurai Jack, mais c’est avec Primal qu’il étire vraiment ses muscles créatifs. Tout est raconté sans presque aucun dialogue, à l’exception des nombreux grognements douloureux, des rugissements qui font trembler le sol et des conversations étouffées dans des langues inconnues. Tout est largement communiqué visuellement d’une manière continuellement dynamique et créative, insufflant à chaque scène une émotion intense. L’impact de cette manière de raconter ne peut pas être sous-estimé. Si vous n’avez pas vu la première saison exceptionnelle, mieux vaut la regarder maintenant en préparation de toutes les nouvelles directions intéressantes que prend cette deuxième saison.
Dans les deux premiers épisodes, Spear et Fang construisent rapidement un radeau pour partir en pleine mer. Bien qu’il se moque un peu de ce processus de construction, le poids écrasant de la perte pèse toujours sur eux. Alors qu’ils ont un visage dur, il y a un sentiment d’appréhension alors qu’ils quittent le monde qu’ils ont connu pour se lancer dans l’inconnu. Bien que la deuxième saison soit toujours teintée de tristesse, il est agréable de revoir ces personnages alors qu’ils tentent de sauver leur amie Mira. La première saison était axée sur des intrigues relativement contenues d’un épisode à l’autre, mais cette saison se concentre sur la recherche de Mira, ce qui donne une direction claire et passionnante à l’histoire. Tout comme dans la première saison, l’univers préhistorique alternatif de Primal est magnifiquement animé avec des monstres macabres et parfois magiques, tout cela dans un monde d’une beauté brutale et à couper le souffle. Bien que la deuxième saison ne commence pas avec un coup de poing émotionnel comme la première, la créativité visuelle et l’émotion intense sont toujours présentes, promettant une autre saison incroyable de Primal.
Une fois sur l’eau, l’ampleur et l’isolement de leur voyage deviennent encore plus évidents grâce à l’animation immersive. Avec l’horizon sans fin de l’océan dans toutes les directions, chaque instant est rempli de terreur et d’ennui, le poids de leur perte pesant lourdement sur eux. Cela souligne leur détermination à tout risquer pour récupérer Mira, sans savoir où ils vont ou ce qui les entoure. Les attaques d’une énorme tortue et d’un requin apportent une variété nécessaire à leur voyage, bien que ces affrontements soient à la fois passionnants et épuisants, les obligeant à faire du surplace sur le territoire de ces prédateurs. Malgré leur ingéniosité et leur habileté, ils finissent par être séparés, confrontés à de nouveaux défis dans des voyages distincts. Bien que leur perte partagée les ait unis, le futur ne semble pas prometteur, la violence imminente annonçant des batailles encore plus intenses à venir.
La force de Primal réside dans sa capacité à transcender les attentes du genre en offrant une profondeur émotionnelle à ses personnages. Bien que le spectacle offre de nombreux moments de violence et de destruction, il est clair que Fang et Spear sont des êtres brisés qui luttent pour survivre. Chaque rencontre avec un nouvel ennemi les pèse lourdement, malgré l’excitation que cela procure pour le spectateur. Lorsque le spectacle ralentit et commence à explorer l’impact émotionnel de ces rencontres sur les personnages, il devient vraiment spécial. La terreur qui consume Fang et Spear est palpable, car chaque nouveau lieu représente un risque de mort douloureuse, une menace qui pèse sur eux à chaque instant. Le désir de récupérer Mira est compréhensible dans ce contexte, car il représente une chance de mettre fin à cette douleur. Bien que les créateurs promettent d’étendre l’histoire avec de nouveaux êtres sauvages à rencontrer, c’est cette complexité émotionnelle qui donne à Primal son attrait. Le spectacle est capable d’équilibrer les séquences d’action explosives avec des moments plus introspectifs, créant ainsi une expérience de visionnage captivante. Si Primal parvient à maintenir cet équilibre pour le reste de la saison, il pourrait bien devenir l’un des meilleurs spectacles animés à regarder.
Image et Son : La série Primal nous offre une expérience visuelle et sonore époustouflante, sublimée par l’édition en haute-définition sur Blu-ray par Warner Bros. L’image est d’une clarté remarquable, avec des couleurs et des contrastes éclatants, ainsi qu’une définition sans faille et un piqué d’une grande précision. Les compositions de plans ingénieuses créées par Genndy Tartakovsky et son équipe, qui combinent des personnages aux contours francs et massifs en avant-plan avec des arrière-plans stylisés, sont un véritable régal visuel. Du côté du son, il n’y a pas de dialogues à proprement parler, mais des grognements et des bruits d’ambiance, ce qui est un choix ambitieux pour Primal. Cependant, cela permet à Warner de proposer un mixage DTS-HD 5.1 Master Audio unique, qui permet à la bande originale de Tyler Bates et Joanne Higginbottom de se distinguer dans une ambiance sonore immersive à 100%. Le mixage explore avec ingéniosité chaque parcelle de la scène sonore, mélangeant des bruitages parfois agressifs à des surrounds d’ambiance épatants. Cette présentation acoustique est à la hauteur de la série : intense et dynamique.
Rapport de forme : 2.40:1 Classé : Accord parental souhaité Dimensions du colis : 17.1 x 13.55 x 1.25 cm; 67 grammes Réalisateur : Genndy Tartakovsky Format : Couleur, Cinémascope Durée : 3 heures et 45 minutes Date de sortie : 26 avril 2023 Sous-titres : : Français, Néerlandais Langue : Anglais (DTS-HD 5.1) Studio : Warner Bros. Entertainment France ASIN : B0BST822PV
Espagne, fin des années 1980. Sara, nouvelle arrivante, essaie de s’intégrer aux autres adolescents d’une petite ville soudée de la province de Tarragone. Si seulement elle ressemblait plus à sa meilleure amie extravertie, Rebe. Un soir, elles sortent en boîte de nuit. En rentrant chez elles, elles tombent sur une petite fille tenant une poupée, habillée pour sa première communion. Le cauchemar commence maintenant.
Chronique : The Communion Girl est un film d’horreur réalisé par Víctor García, un cinéaste hispanique. Tout d’abord technicien d’effets spéciaux, il s’est fait connaître en 2003 avec un court-métrage horrifique efficace intitulé El ciclo, et a depuis dirigé une dizaine de séries B américaines peu remarquables. Le scénario, écrit par Guillem Clua, qui adapte une histoire originale d’Alberto Marini et de Victor Garcia, n’est guère novateur, car il est basé sur le thème classique du spectre vengeur, qui a été excellemment traité par la J-Horror (Ring, Dark Water). L’intrigue est inspirée d’une légende urbaine née à la fin du 19ème siècle, concernant les apparitions spectrales d’une communiante, « La Niña de Valparaíso », dans les ruines d’un village abandonné près de Peralada de la Mata (Estrémadure).
Pour son premier film en Espagne, Víctor García adopte une approche progressive : les amateurs de sursauts devront patienter jusqu’à la moitié de la narration pour que l’horreur envahisse l’écran. En effet, toute la première partie de The Communion Girl nous invite à faire connaissance avec les deux héroïnes, Sara (Carla Campra), la nouvelle venue, et Rebe (Aina Quiñones), en difficulté familiale, dans le contexte quotidien d’une ville espagnole des années 80. Le cinéaste attache beaucoup d’importance à la justesse psychologique de ses personnages, dont on partage les préoccupations, mais ce traitement s’exerce au détriment de l’angoisse sourde qui devrait générer la peur attendue. Il faudra donc attendre le dernier tiers du film pour que la mise en scène bascule dans les scènes gore avec des coups de théâtre à répétition selon une logique banale peu convaincante.
Dommage, car la réalisation est raffinée, la technique sans reproche, les jeunes interprètes crédibles et l’évocation de la vie des adolescents dans l’Espagne des années 80 bien documentée et plutôt satisfaisante. The Communion Girl est un film bancal qui réussit parfaitement en tant que film d’atmosphère, mais qui peine dans l’horreur frontale. Cette histoire de poupée maléfique et de spectre insatisfait manque trop d’originalité pour surprendre, mais sa facture soignée en fait un divertissement très convenable et distrayant.
Image : La copie HD offre une définition excellente ainsi qu’un piqué précis sur les textures. Les effets spéciaux ont un aspect numérique, mais le contraste reste bon, notamment lors des éclairages tranchés. Les noirs sont soutenus et l’étalonnage naturaliste procure une ambiance chaleureuse. La colorimétrie est nuancée et les teintes vives sont chatoyantes.
Son : Le mixage espagnol en 5.1 présente des dialogues clairs et équilibrés, une excellente dynamique sur les scènes d’action telles que la voiture et le puits, ainsi qu’une musique tonitruante de Marc Timón. La spatialisation est immersive grâce à de nombreux effets surrounds efficaces et les graves sont solides, en partie grâce à l’utilisation hypertrophiée du canal LFE. La version française en 5.1 est également claire et dynamique, tout en conservant une spatialisation convaincante et un doublage soigné.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Réalisateur : Víctor Garcia Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 35 minutes Date de sortie : 26 avril 2023 Acteurs : Carla Campra, Aina Quiñones, Marc Soler, Carlos Oviedo, Olimpia Roch Doublé : : Espagnol, Français Sous-titres : : Français Langue : Français (Dolby Digital 2.0), Espagnol (Dolby Digital 5.1), Français (DTS 5.1) Studio : Wild Side Video
Carrie, Miranda et Charlotte voyagent entre la réalité compliquée de la vie et de l’amitié à la trentaine et la réalité encore plus compliquée de la vie et de l’amitié à la cinquantaine.
Chronique : And Just Like That… est une série télévisée américaine créée par Michael Patrick King, basée sur les personnages de la série à succès de HBO, Sex and the City. La série suit les personnages principaux, Carrie Bradshaw (interprétée par Sarah Jessica Parker), Charlotte York (interprétée par Kristin Davis), et Miranda Hobbes (interprétée par Cynthia Nixon), alors qu’ils naviguent à travers les hauts et les bas de leur vie à New York, cette fois-ci dans leur cinquantaine.
La suite de Sex and the City, And Just Like That…, a eu un début difficile et a été confrontée à de nombreuses controverses, notamment l’absence de Samantha Jones et le noyau dur réduit à un trio. Les films précédents avaient été mal reçus, ce qui a suscité des doutes quant à la capacité de la série à survivre dans les années 2020. Cependant, malgré ces défis, la série a réussi à développer de nouveaux charmes qui lui sont propres et a été appréciée par les fans de la série originale, bien qu’elle ait également reçu des critiques mitigées.
Le premier épisode d’And Just Like That… a été marqué par un gros rebondissement controversé, où Carrie, plutôt que de serrer son mari encore conscient pendant une crise cardiaque, aurait envisagé d’appeler une ambulance. La réputation de Peloton est devenue le sujet de conversation dominant. Peu de temps après, des allégations d’agression sexuelle ont été portées contre Chris Noth par plusieurs femmes, ce qui a suscité des messages de soutien de la part de ses co-stars à ses accusateurs. Une rumeur d’apparition caméo de Noth à la fin de la saison a été abandonnée. Les critiques de la série And Just Like That… ont été négatives, avec les deux premiers épisodes instables et maladroits. Certains scénarios ont alimenté des guerres culturelles, donnant l’impression que les écrivains ne supportaient plus les trois femmes principales. Un personnage queer non binaire, Che (Sara Ramirez), a été introduit, mais les protagonistes, maintenant dans la cinquantaine, ont eu du mal à naviguer dans un monde moderne. Carrie semblait ignorante de Diwali, et la subtilité était absente. Les références culturelles étaient souvent maladroites, et les scènes de sexe dans la cuisine étaient déplacées.
Je dois avouer que, bien que je reconnaisse les défauts de la série mais je continue de la regarder. J’ai remarqué que les critiques se concentrent rarement sur les deux premiers épisodes, mais plutôt sur les épisodes trois, quatre et cinq (comme la tricherie de Miranda ou la hanche douteuse de Carrie). Cela m’a amené à me demander si les gens qui prétendent détester la série la regardent malgré tout. Je soupçonne que oui. Bien sûr, le retour de la série a été cahoteux (Miranda est alcoolique ! Ah non, elle ne l’est pas ! Ah si, elle l’est !). Mais chaque semaine, j’attends impatiemment la sortie d’un nouvel épisode et j’arrête tout ce que je fais pour le regarder, dès que le temps et la décence le permettent. J’ai entendu d’autres personnes avouer la même chose en silence.
Il est paradoxal qu’And Just Like That ait eu des difficultés avec la technologie – depuis la timidité de Carrie lors de ses contributions libres sur le podcast jusqu’à son incapacité à éteindre un bip dans son nouvel appartement – car cette série s’inscrit parfaitement dans l’ère numérique tout en y résistant. En effet, sur les comptes que je suis, qui avouons-le, sont assez partisans, la série est un sujet de conversation chaque semaine. Elle est devenue cette chose tant recherchée : la série qui fait parler d’elle. Et elle résiste à l’ère numérique en raison de son style libre et démodé, ainsi que de sa tonalité blasée et désarticulée. Certains téléspectateurs ont interprété cela comme de l’évitement face aux problèmes, mais pour moi, les erreurs occasionnelles des personnages sur l’identité, par exemple, semblent plutôt ouvertes et sans retenue.
Il y a deux notions contradictoires à garder à l’esprit pour apprécier la série – et j’ai réalisé, après trois ou quatre épisodes, que je l’apprécie vraiment. D’un côté, il peut être incroyablement maladroit et comporter de nombreux moments mal jugés. De l’autre, il est agréable et très divertissant, et a encore beaucoup de ses charmes, même s’ils ne sont pas tout à fait les mêmes qu’à son apogée. Dans un épisode récent, Carrie envisageait de faire quelques modifications cosmétiques à son visage, ce qui s’est transformé en une exploration réfléchie de la valeur de l’expérience vécue. Je ne m’y attendais pas après les deux premiers épisodes, mais j’ose murmurer qu’And Just Like That commence à s’installer dans sa propre peau.
Image : La qualité de l’image est remarquable, avec un piqué net et une grande richesse de détails. Les couleurs sont profondes et les noirs sont bien rendus. Les ambiances sont restituées de manière très fidèle, ce qui témoigne de l’efficacité du support utilisé. Les contrastes sont excellents et donnent à l’image un volume et une profondeur qui valorisent l’ensemble.
Son : La qualité sonore est exceptionnelle, offrant une expérience immersive. Les effets sonores sont répartis sur les différents canaux avec une grande précision et une dynamique élevée.
Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.3 x 13.6 x 1.7 cm; 110 grammes Réalisateur : Michael Patrick King, Gillian Robespierre, Nisha Ganatra, Anu Valia, Cynthia Nixon Format : Cinémascope, PAL, Couleur Durée : 7 heures et 30 minutes Date de sortie : 5 avril 2023 Acteurs : Sarah Jessica Parker, Cynthia Nixon, Kristin Davis, Sara Ramirez, Mario Cantone Sous-titres : : Néerlandais, Français Langue : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : HBO
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