Alain, la quarantaine, dirige une célèbre maison d’édition, où son ami Léonard, écrivain bohème, publie ses romans. La femme d’Alain, Séléna, est la star d’une série télé populaire et Valérie, compagne de Leonard, assiste vaillamment un homme politique. Bien qu’ils soient amis de longue date, Alain s’apprête à refuser le nouveau manuscrit de Léonard… Les relations entre les deux couples, plus entrelacées qu’il n’y paraît, vont se compliquer.

Chronique :  Un éditeur, un écrivain, une actrice, une assistante parlementaire … Les personnages de Doubles vies ne représentent pas vraiment la France profonde. Et alors ? Il y a une belle ironie dans ce film qui n’est pas loin de caricaturer la comédie sentimentale à la française, très proche de l’image qu’a le cinéma français à l’étranger, que ce soit pour le louer ou le critiquer. Assayas, qui a toujours réalisé des films très écrits, littéraires même, parle ici d’un petit univers qu’il connait bien, celui des intellectuels parisiens qui pérorent sur l’état du monde et de la culture tout en menant une vie qui ne respecte pas nécessairement la morale qu’ils mettent dans les affaires qui ne ressortent pas du domaine privé. A l’écran, cela donne un long-métrage que certains jugeront sans doute trop bavard, un cinéma en chambre qui s’écoute quelque peu penser. Tout ce qui est dit n’est d’ailleurs pas d’une suprême intelligence mais c’est précisément dans le regard mi-moqueur, mi attendri d’Assayas vis-à-vis de ses personnages que réside l’intérêt principal de Doubles vies. Et notamment sur leurs petits mensonges et tromperies entre amis et au sein du couple dans une redéfinition de la carte du tendre, certes aucunement révolutionnaire mais totalement dans l’air du temps. S’y ajoute la manière élégante d’Assayas, avec une mise en scène sans ostentation mais comme souvent chez lui d’une grande fluidité. En outre, les acteurs sont à la fête dans son cinéma et brillent de mille feux de Canet à Binoche en passant par Macaigne et la moins connue mais toute aussi excellente Nora Hamzawi.

Note : 7 /10

Test DVD :

Vidéo : L’image du film est de bonne tenue avec des couleurs bien pesées et des contrastes qui donnent une véritable profondeur à l’ensemble. Le film jouant sur les différentes ambiances : Colorées en extérieures, et plus sombres en intérieur ou lorsque les choses ne vont pas forcément bien, il fallait un support qui ne soit pas trop en défaillance ou en saturation. Le travail de transfert et de très bonne qualité et le film se regarde avec beaucoup de plaisir

Audio : Une piste DTS-HD Master Audio 5.1, totalement en accord avec le film et avec ses besoins. La répartition est minutieuse, et les voix ne sont pas trop en retrait. La dynamique de l’ensemble se met au service du film et notamment à ses ambiances. Un véritable plaisir pour les oreilles.

Bonus :

Entretien avec le réalisateur Olivier Assayas : Très bien comme itw qui nous offre plus de carté sur le projet et de l’intention du réalisateur sur son film.

• Acteurs : Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi, Christa Théret
• Réalisateurs : Olivier Assayas
• Format : Couleur, PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 5.1)
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 1.85:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Ad Vitam
• Date de sortie du DVD : 4 juin 2019
• Durée : 107 minutes

Claire Randall, une infirmière de la Seconde Guerre Mondiale se retrouve projetée dans le passé, en 1743. Forcée d’épouser Jamie Fraser, un Écossais rebelle, elle en tombe amoureuse et doit alors composer avec deux amours à deux époques différentes. Claire doit apprendre à vivre au XVIIIe siècle dans un monde violent et imprévisible tout en menant une guerre sans merci pour sauver le coeur et l’âme de Jamie…

Chronique : Outlander, depuis sa saison 1, est une série qui accentue les destins de ses personnages, les invitant à se croiser, faire et défaire, au fil des épisodes et des intrigues qu’il traverse. Une fois de plus en cette saison 4, après l’installation de Claire et Jamie sur leurs terres. Murtagh, que l’on pensait disparu fait son grand retour. Tout comme Stephen Bonnet, l’antagoniste qui se révèle après avoir été sauvé par Jamie d’une mort certaine, pour croiser le destin de Roger, Brianna etc… avant de périr en fin de saison. Toutes les vies de ces personnages auxquels le spectateur s’attache défilent au fil d’un cycle, avec la certitude que ces derniers se croiseront à nouveau, même si perdus de vue.Cette saison d’ Outlander, marque le dépaysement total pour les spectateurs de la série, loin de l’Ecosse ou des îles de la saison passée. En saison 4, toujours proche des romans de Diana Gabaldon – même si les scénaristes s’accordent certaines libertés scénaristiques – on se penche sur le mythe de la Frontière Américaine et son rapport avec les populations indigènes amérindiennes, dont on connaît tous le destin funeste.Une saison assurément sous le signe du renouveau, de la découverte de l’esclavage – qui ne manquera pas de choquer Claire bien sûr – mais aussi celui de la célébration de ces premiers colons avant les prémices de la Guerre d’Indépendance à venir, entre Boston Tea Party et rébellion contre le royaume Britannique.Une fresque assez juste – même si, un poil fantasmée – qui n’est pas pour déplaire puisqu’elle reste dans l’esprit et l‘esthétique de la série, proche d’une Histoire dépeinte à travers ses personnages plus que ses décors. Des personnages toujours aussi charismatiques et attachants. Que serait Outlander sans ses romances et ses scènes d’ébats amoureux langoureux ? Cette saison, après la réunion tant attendue entre nos deux amants maudits légendaires en saison dernière et tumultueux voyages vers les Terres d’Amérique, désormais ensemble pour le meilleur, mais aussi le pire, il était certain que le couple serait – avec la maturité de l’âge et leur historique – bien plus « sage » à l’écran.Ce qui propose un passage de relai – sans pour autant leur voler la vedette car Outlander restera l’histoire du Chardon et du Tartan bien sûr, aka Claire et Jamie – à Brianna et Roger, amoureux mais hésitant. Après avoir assisté à l’amour naissant entre les deux stars de la série, c’est désormais celui de leur progéniture qui prend de la place cette saison. Avec bien évidemment des questionnements, des incompréhensions, des séparations, des moments tendres mais aussi de la violence. Car oui, la violence est un protagoniste important et considérable de Outlander. Une violence toujours à l’égard des femmes, réalité historique qu’on ne peut oublier, mais aussi pour les hommes, comme on le montre avec les périples de Roger pour retrouver celle qu’il aime.

• Format : PAL
• Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Français, Anglais
• Rapport de forme : 1.78:1
• Nombre de disques : 5
• Studio : Sony Pictures
• Date de sortie du DVD : 29 mai 2019

Des morts-vivants assoiffés de sang ont envahi la Terre et se nourrissent de ses habitants. Un groupe de survivants se réfugie dans un centre commercial abandonné. Alors que la vie s’organise à l’intérieur, la situation empire à l’extérieur…

Chronique : Nous sommes en présence de ce qui n’est sans aucun doute le meilleur film de zombies jamais tourné. Et pourtant, lors de ces 35 dernières années, de nombreux films de cadavres ont vu le jour. Mais aucun n’aura réussi à égaler le «zombie» de George Andrew Romero. En plus d’être un classique du cinéma et un sommet du gore, ce film est aussi un violent pamphlet social dont le thème central est une sévère critique de la société de consommation. Ce n’est pas un hasard si cette histoire se passe dans un centre commercial. Dans ce quasi-huis–clos, les personnages tentent de s’échapper d’une grande surface assiégée par toute une armée de zombie. Tout en organisant leur survie, les protagonistes n’hésitent pas à piller les rayons du magasin. L’attroupement des zombies près des portes vitrés rappelant la cohue qui s’entasse lors des soldes. Mais ce film contient d’autres thèmes, comme le racisme par exemple. Ici, le personnage salvateur est un homme de couleur, comme dans «La nuit des morts-vivants». Le féminisme est aussi abordé à l’image de cette femme qui est d’abord rejetée par les trois hommes mais qui se rebelle en demandant d’être tenue au courant de toutes les initiatives qui va acquérir une plus grande responsabilité. Et enfin, Romero aborde le thème du chaos qui intervient lorsque la bande de pillards déboule et met tout en dessus dessous et qu’une guerre s’engage entre ces voyous et les survivants. Romero pose la question suivante: le monde est-il plus dangereux lorsqu’il est infesté de zombies ou lorsqu’il est infesté de petits bandits qui saccagent tout? Les films de Romero ne sont pas comme les autres, on le sait et possèdent un contenu intelligent et concret. Un immanquable.

Note : 10/10

Note: N’ayant eu que le Blu-ray 1 : La version Européenne la chronique ne sera que sur le disque 1.

Vidéo : Voici la version européenne, 119 minutes, nouveau master haute définition 2019 à partir d’un nouveau scanne 4k réalisé une restauration complète du film révolutionnaire à partir du meilleur interpositif 35 mm disponible et a numérisé ces éléments en résolution 4 k. Malheureusement, ce classique culte bien-aimé et très influent nous est présenté en SDR, et non en HDR10, ce qui est quelque peu décevant, laissant les fans à se demander si de meilleurs reflets et une meilleure luminosité changeraient radicalement l’expérience visuelle. Néanmoins, pris en l’état, les résultats offrent une mise à jour étonnamment bonne par rapport à son homologue Blu-Ray, offrantes diverses améliorations qui en font le meilleur que ne le filmait jamais regardé sur la vidéo amateur. Bien sûr, à partir d’une pellicule 35 mm bon marché développée en 16 mm pour le montage et ensuite agrandi à nouveau en 35 mm pour les tirages en salles, la source ne donnera pas le type de résultats qui convaincra le plus. Mais pour ceux qui sont familiers avec le chef-d’œuvre des zombies, il y a beaucoup d’améliorations appréciables pour faire de ce paquet un achat intéressant. Présenté dans son format original de 1,85: 1, le transfert est très détaillé, exposant chaque recoin du centre commercial. Certes, la version européenne d’argento s’accompagne de moments doux et flous, ce que l’on peut attendre d’une source vintage et d’une petite production comme celle-ci. Pourtant, les fans peuvent mieux voir les coutures et les plis décolorés des vestes en cuir usées des cyclistes, la texture du tissu des meubles qui décorent les quartiers d’habitations des survivants est plus perceptible, et le maquillage gore de Tom Savini est plus éclatant et plus sanguinaire.

Audio : Le mixage mono 2.0 est l’option d’écoute supérieure car il est plus proche de l’enregistrement audio original, qui a également été remastérisé à partir des mêmes éléments que pour la vidéo. Immédiatement, la reproduction des dialogues est grandement améliorée et très prioritaire, ce qui permet aux fans de mieux profiter du va-et-vient constant entre les personnages. Les médiums sont plus pleins et beaucoup plus dynamiques, avec une clarté et une séparation remarquables dans les hautes fréquences, tout en conservant une excellente distinction de l’activité d’arrière-plan pendant les séquences d’action. Le film n’a jamais vraiment eu beaucoup de bas de gamme à parler, mais il y a quelques basses appréciables à apprécier, donnant au classique culte des zombies un meilleur sens de l’espace et de la présence.

Bonus : Blu-ray 1 (Version Européenne) :

• Présentation du film par Dario Argento : Argento fait l’éloge du film et de sa restauration.
• Commentaire audio du directeur de la photographie Michael Gornick, Tom Dubensky (assistant caméraman) et Lee Karr (historien du cinéma et auteur) produit et réalisé par Jim Cirronella
• Entretien autour du film avec Dario Argento (20′) Le légendaire maestro de l’horreur italien Dario Argento qui évoque Romero, comment il a participé à la production et sa contribution à ce classique culte du marché européen, en expliquant les raisons de ces changements.
• George A. Romero, l’homme aux Zombies par Julien Sévéon (27′)
• Discussion publique entre Bertrand Bonello et Jean-François Rauger à la Cinémathèque Française (60′)
• Entretien avec Dario Argento, Claudio Argento, Alfredo Cuomo, Claudio Simonetti… (30′) Une série d’ interviews qui parle de leurs carrières et de leurs  implication dans cette production ainsi que de leurs  amour du film et partage leurs réflexions sur les thèmes de l’intrigue.

Contenu additionnel

Alors que le Département V est sous tension avant le départ annoncé d’Assad, partenaire de l’inspecteur Carl Mørck, ces derniers se lancent dans une nouvelle enquête qui pourrait bien être leur dernière. Suite à la découverte de trois squelettes cachés derrière la tapisserie d’un vieil appartement, les deux enquêteurs et leur assistante Rose doivent exhumer une macabre affaire datant des années 1950 : sur la petite île de Sprogø, des femmes étaient internées et stérilisées de force sous la direction du docteur Curt Wad…

Chronique : Après trois enquêtes trépidantes au sein du département V, quel bonheur de retrouver une nouvelle fois, les inspecteurs Mørck et Assad accompagnés de Rose, leur assistante de choc. Avec “Journal 64”, les spécialistes du “Cold Case” reviennent au sein d’un thriller mâtiné de drame social particulièrement bien troussé. Le récit prend corps dans les années cinquante sur l’îlot de Sprogo en mer Baltique. Ce minuscule bout de terre, abritait à l’époque, un sinistre pensionnat de jeunes filles. De nos jours, alors que Assad s’apprête à intégrer une unité douanière pour une promotion, la tension est palpable entre les deux hommes. Carl Mørck, toujours rongé par ses démons intérieurs est de plus en plus borderline et incontrôlable. Pour ne rien arrangé, lui, le flic misanthrope détesté de presque tous, s’insinue dans une affaire sordide ne lui étant pourtant pas destinée. Durant des travaux dans un appartement, une équipe de rénovation met à jour une scène de crime particulièrement macabre datant de 2005. A partir de là, le département V va se retrouver à nouveau en première ligne pour notre plus grand plaisir. Le réalisateur Christopher Boe, d’après le roman de Jussi Adler-Olsen plonge le spectateur dans un tourbillon de suspense, d’action, de drame social, dans lequel, la fiction rencontre la réalité d’une douloureuse et pas très glorieuse page de l’histoire danoise. C’est bien écrit, c’est bien joué, on ne s’ennuie jamais, vivement “L’Effet Papillon”, la cinquième enquête du département V !!!

Note : 9/10

Vidéo : Wild Side qui nous propose aujourd’hui de découvrir Les enquêtes du département V – Dossier 64   l’éditeur nous propose un master assez sublime : piqué, contrastes, couleurs, profondeur de champ… Tout est parfait, le rendu est irréprochable : une galette de démo de plus à ajouter au giron de l’éditeur françai

Audio :  Niveau son, Wild Side se révèle également fidèle à ses habitudes, en nous offrant deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1, tous deux très immersifs, bien spatialisés et : enveloppants.

Bonus : On  y trouve un court bêtisier et une sélection de deux scènes coupées, qui s’accompagneront d’un court making of et un long entretien avec Nikolaj Lie Kaas et Fares Fares et un second  entretien avec Louise Vesth, productrice, qui reviendra sur les différents challenges du métrage.

• Format : PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 5.1), Danois (Dolby Digital 2.0), Danois (DTS 5.1)
• Sous-titres : Français
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.35:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Wild Side Video
• Date de sortie du DVD : 8 mai 2019
• Durée : 113 minutes

Peu de temps après les événements relatés dans Split, David Dunn – l’homme incassable – poursuit sa traque de La Bête, surnom donné à Kevin Crumb depuis qu’on le sait capable d’endosser 23 personnalités différentes. De son côté, le mystérieux homme souffrant du syndrome des os de verre Elijah Price suscite à nouveau l’intérêt des forces de l’ordre en affirmant détenir des informations capitales sur les deux hommes…

Chronique : M. Night Shyamalan’s Glass clôt la trilogie du réalisateur d’une manière plutôt attendue pour un drame sur des gens apparemment ordinaires avec des capacités spéciales et extraordinaires vivant parmi nous. Il ne s’agit pas de suggérer que le dernier épisode d’une série qui a été en pause pendant près de dix-sept ans est entièrement satisfaisant ou qu’il apaisera une base de fans fidèles qui attendaient avec impatience son achèvement depuis deux décennies. Cependant, le chapitre final et l’épreuve de force climatique qui s’ensuivra sont une conclusion adéquate à une histoire qui n’a jamais vraiment promis le genre de spectacle d’action à gros budget typique des films de super-héros à gros budget. En fait, la montée en puissance et les retombées sont parfaitement conformes aux attentes des deux films précédents, presque au point d’être même prévisibles puisque ses prédécesseurs ont eux aussi bouclé leurs intrigues respectives sur une note à la fois sobre et modérée. Comme dans les deux autres films, il ne s’agit pas de l’action, mais de personnages avec des conflits internes et externes les uns contre les autres.

Dans cette suite directe, Shyamalan reprend peu après les événements de Split les exploits de David Dunn (Bruce Willis), le protagoniste central d’Unbreakable (incassable), dont l’apparition inattendue a été la surprise habituelle du cinéaste dans cette suite 2016. Avec l’aide de son fils aujourd’hui adulte Joseph (Spencer Treat Clark), David a patrouillé les rues de Philadelphie et est devenu une légende vigilante et une sensation Internet baptisée « The Overseer ».

Malheureusement, les vingt dernières années n’ont pas été bonnes pour David. Accepter son rôle de super-héros s’est avéré être une entreprise exhaustive, peut-être parce qu’il ne se sentait pas à l’étroit dans sa poursuite de petits criminels, mais la possibilité de capturer un méchant meurtrier surnommé « La Horde » (James McAvoy) donne de la vigueur et un sens du but à ses patrouilles de nuit. Leur affrontement initial – et potentiellement explosif – où David sauve une escouade de pom-pom girls est rapidement déjoué – ou plutôt sapé – par le Dr Ellie Staple (Sarah Paulson).

C’est là que le scénario de Shyamalan prend non seulement une tournure intéressante, mettant l’aventure de notre héros dans une direction imprévue et bizarre – pour le personnage, pas pour ceux d’entre nous qui connaissent les avant-premières – mais sert aussi de métaphore plus large du thème sous-jacent de l’histoire. Après deux films qui se déroulent dans notre monde contemporain et qui fantasment des super-héros de bandes dessinées pourraient être inspirés par de vraies personnes aux capacités surhumaines, la science finira tôt ou tard par rattraper et essentiellement écraser ces notions fantasmatiques sur le préternaturel. Dans ce cas, des questions sur la santé mentale de ces personnes sont appelées à se poser, particulièrement dans le cas de Kevin Wendell Crumb de McAvoy, qui souffre de trouble dissociatif de l’identité. En découvrant que le Dr Staple a aussi traité Elijah « Mr Glass » Price de Samuel L. Jackson, dont la maladie osseuse fragile l’a en quelque sorte encouragé à devenir un narcissique égocentrique à l’intelligence surnaturelle, les doutes prennent forme et interrompent ce qui aurait pu être.

Certes, Shyamalan a indiqué une confrontation spectaculaire et à grande échelle via les machinations machiavéliques de M. Glass, mais le super-vilain hautement intellectuel de Jackson a toujours été établi comme un manipulateur hautement qualifié, l’homme derrière le rideau tirant les ficelles avec un talent pour détourner les soupçons. Et ce combat initial dans le premier acte est, en effet, autant un signe avant-coureur du dernier trimestre du film qu’un catalyseur de l’intrigue, rendant la bataille climatique moins importante que les événements qui l’ont précédé, le talent suspect du Dr Staple pour semer le doute et la signification de la surprise toujours certaine – un élément prévisible du Shyamalan. Franchement, la facilité avec laquelle les personnages luttent contre l’incertitude semble fidèle à la signification implicite du titre du film tout en rappelant l’importance de l’histoire, un personnage qui trouve sans doute sa rédemption dans cette finale. Mais c’est une conversation pour un autre jour. En l’état actuel des choses, Glass de Shyamalan est une solide conclusion à une trilogie originale et fascinante de super-héros d’un cinéaste confiant.

Note : 9/10

Vidéo : Glass fait ses débuts sur Blu-ray  avec un encodeur H.265 HEVC H.265. Le drame du super-héros a d’abord été tourné avec le système de caméra Arri Alexa, capable d’une résolution de 3,4K, mais plus tard, il a été masterisé sur un intermédiaire numérique 4K, et les résultats sont un mélange d’améliorations mineures.L’amélioration la plus notable est l’augmentation des niveaux de luminosité, ce qui permet d’obtenir des noirs nettement plus riches et plus incrustés partout. Bien sûr, cela donne aussi une qualité d’image plus sombre où les ombres les plus profondes et les plus soyeuses ont tendance à engloutir les détails les plus fins dans les intérieurs d’action mal éclairés au début. Les séquences de lumière du jour sont meilleures avec une forte visibilité dans les coins les plus sombres et les plus sombres. Comme ses frères HD, le contraste reste relativement modéré et atténué, ce qui est fidèle aux intentions créatives des cinéastes et en ligne avec le look des deux précédents épisodes. D’autre part, tout en créant une atmosphère grisâtre et nuageuse, les blancs sont néanmoins un peu plus nets et plus nets avec des reflets spéculaires sensiblement améliorés, donnant à l’image 2.39:1 une pop plus radieuse et éblouissante pendant les scènes de lumière naturelle susmentionnées. Ce sont les couleurs avec des primaires, en particulier, qui semblent plus pleines et un peu plus saturées. Cependant, la vidéo reste fidèle à la photographie stylisée où une grande partie de l’action et des conversations se situent à l’extrémité inférieure de la gamme de gris, affichant une palette délibérément sombre et parfois presque monochromatique. Les teintes spécifiquement liées à nos trois protagonistes sont un peu plus nuancées et subtilement complexes, surtout dans les scènes où l’on doute de leurs capacités. David est absorbé par les tons sarcelle terne, Kevin est plongé dans les jaunes canari blonds, et Elijah est absorbé par les lavandes pâles. Au fur et à mesure qu’ils recommencent à croire en eux-mêmes, ces pigments se transforment en riches verts émeraude, en moutardes dorées profondes et en violettes pourpres vibrantes. Il est plus intéressant de voir les roses mauves, les bruns décolorés et les gris nuageux associés au Dr Staple.

Audio : Glass se heurte aux cinémas maison en faisant jouer une bande sonore Dolby  étonnamment musclée et impressionnante d’émotion. Comme il s’agit d’une étude de personnage axée sur les dialogues, la présentation est plus subtile et nuancée que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un film de super-héros typique.

Néanmoins, la scène sonore est toujours spacieuse et large, avec beaucoup d’activité en arrière-plan qui remplit l’espace hors écran tout en maintenant un équilibre exceptionnel et un mouvement convaincant entre les trois canaux et les hauteurs les plus élevées, créant ainsi un environnement de demi-dôme très engageant. L’imagerie présente une superbe fidélité et des détails acoustiques dans le milieu de gamme, ce qui permet d’obtenir de l’action avec une excellente clarté dans les segments les plus bruyants. En même temps, le chant est d’une clarté et d’une précision cristallines, et des graves robustes et en bonne santé procurent une puissance appréciable et un poids palpable aux séquences d’action.

L’utilisation des abords peut sembler quelque peu sporadique avec plusieurs poches de silence observables de façon intéressante, ce qui signifie que de tels moments semblent délibérés puisqu’ils se produisent à l’intérieur de l’établissement et durant les séances de thérapie. Pourtant, les côtés et les arrières sont utilisés de temps en temps avec divers effets d’ambiance discrets, comme des voix qui résonnent dans les couloirs de l’hôpital ou l’agitation familière d’une ville trépidante. À l’occasion, de telles activités se répercutent efficacement sur les rétroprojecteurs, et il y a quelques scènes où la pluie et l’eau tombent d’en haut de façon convaincante, créant un champ sonore hémisphérique très satisfaisant qui attire davantage les spectateurs dans cette réalité alternative.

1987. Alors qu’il est en fuite, l’Autobot Bumblebee trouve refuge dans la décharge d’une petite ville balnéaire de Californie. Il est découvert, brisé et couvert de blessures de guerre, par Charlie, une ado qui approche de ses 18 ans et cherche sa place dans le monde. Et quand elle le met en marche, elle se rend vite compte qu’il ne s’agit pas d’une voiture jaune ordinaire.

Chronique : En tant que sixième épisode de la franchise ridiculement populaire des Transformers de Michael Bay, Bumblebee est de loin le meilleur de la série d’action de science-fiction. Réalisé par Laika-alumni Travis Knight, qui a marqué ses débuts dans la mise en scène de Kubo and the Two Strings, Knight apporte un enchantement envoûtant, ancré par un centre poignant, convergeant intelligemment sur l’amitié étroite entre les deux protagonistes. Bien sûr, nous sommes également ici pour le chaos des véhicules et l’exposition sans fin de batailles de robots suralimentés et injectés de carburant, dont il y en a beaucoup. Mais au fond, c’est l’histoire d’une paire de solitaires qui se retrouvent.

À partir d’un scénario de Christina Hodson, Knight emmène le public dans un conte d’aventure qui rappelle une production de Steven Spielberg, s’inspirant notamment d’E.T. : The Extra-Terrestrial. Prenant note de l’émission animée originale des années 1980, l’intrigue ne perd pas de temps à faire se lier d’amitié le héros titulaire sans voix Charlie Watson (Hailee Steinfeld), un adolescent humain bienveillant qui remplace le personnage Spike Witwicky des bandes dessinées. Seulement, ici, Charlie pleure toujours la perte de son père – le père de Spike s’est joint à plusieurs des aventures des Transformers – qui luttent contre le deuil seul dans une famille qui semble avoir tourné la page. Son frère cadet Otis (Jason Drucker) ne semble pas affecté tandis que sa mère (Pamela Adlon) et son nouveau petit ami (Stephen Schneider) partagent du bon temps à regarder ALF sans elle. Pour le robot sensible Bumblebee, il est littéralement seul avec peu de souvenirs de son passé, passant une grande partie de son temps comme un garçon effrayé mais curieux.

Comme on pouvait s’y attendre, les deux s’aident mutuellement à trouver leur place dans ce monde chaotique – Charlie finit par dépasser son deuil alors que Bumblebee appelle presque littéralement chez elle. Mais comme le dit l’expression, il ne s’agit pas tant de la destination que du voyage, et le film y parvient avec un grand sens de l’humour, du rythme et des virages dramatiques qui évitent les conditions dangereuses et mièvres. Tout le monde a sa chance de diriger la comédie sans les absurdités des films précédents, depuis les Watsons et Ron conduisant imprudemment et l’innocence enfantine de Bee lorsqu’il s’agit d’egger la maison d’un tyran jusqu’à Memo (Jorge Lendeborg Jr.) qui cache maladroitement son amour pour Charlie. Même John Cena, en tant qu’agent du secteur 7 Jack Burns, a le droit de montrer ses talents de comédien tout en faisant de son mieux en tant que soldat déterminé d’un mystérieux organisme gouvernemental, à la « Keys » d’E.T. Et les références culturelles des années 80 ajoutent à l’humour sans se sentir comme un jeu trivial dérangeant.

En toute honnêteté, il y avait beaucoup à faire contre Bumblebee – de très faibles attentes et un cynisme largement terni par des années passées à endurer les maux de tête et la méchanceté perçante des films des Transformers précédents. Heureusement, Knight et son équipe démontrent qu’il reste encore de l’étincelle dans le moteur, qu’il y a juste assez de pièces récupérables pour reconstruire un véhicule autonome avec beaucoup de muscle sous le capot. En collaboration avec le directeur de la photographie Enrique Chediak et le monteur Paul Rubell, la caméra de Knight est exactement le genre de combustible dont la franchise avait besoin, où l’action métal sur métal est toujours intelligible et où il y a toujours un sens de l’espace et de l’ampleur comme les Cybertroniens le font. Avec des visuels amusants et spectaculaires qui complètent l’histoire, Bumblebee se sent comme un épisode d’un ensemble plus vaste sans jamais se sentir épisodique.

Note : 8,5/10

Vidéo : Le crash du prequel de science-fiction atterrit sur Blu-ray avec un encodage MPEG-4 1080p/AVC 1080p/AVC exceptionnel, traversant l’écran dans un style qui ne demande qu’à être montré. Tout juste sorti de la chaîne de montage numérique, le transfert de qualité de référence présente des détails d’une netteté à couper le souffle dans chaque véhicule, exposant la moindre trace de rouille et de rayure sur la VW Bug, chaque rivet des VUS militaires et le chrome brillant des garnitures des muscle cars des Decepticons. De même, nous pouvons tout simplement faire de chaque recoin de l’intérieur du Bug, du garage et de l’espace de travail de Charlie, des bureaux militaires et des plus petits objets qui ornent la maison de Watson, décorée avec goût et élégance. Les coutures, les fils et le tissu des vêtements radicaux des années 80 sont distincts, les poils individuels sont décidément bien coupés et les teints du visage ont une texture réaliste qui révèle des imperfections négligeables. Même les séquences d’action du CG maintiennent une superbe visibilité de chaque pièce métallique en mouvement et des débris qui volent dans toutes les directions.

Présentée dans son format 1,85:1 original, la présentation HD arrive également avec un contraste précis et précis, offrant une image brillante et vibrante du début à la fin. Grâce à des blancs éclatants de netteté dans chaque scène, les reflets sont particulièrement extraordinaires avec une brillance éblouissante en cas d’explosion et une brillance étincelante sur les carrosseries chromées des différents véhicules et des Transformers. En même temps, les niveaux de noir sont en grande partie encrés et pleins, ce qui donne à l’image une profondeur appréciable et une belle qualité cinématographique. Bien que la délimitation soit assez forte dans les coins les plus profonds et les plus sombres, il y a peu de moments où les ombres, surtout dans quelques plans intérieurs, perdent un peu de leur éclat. Heureusement, la cinématographie d’Enrique Chediak vient à la rescousse avec un affichage dramatique de somptueuses primaires et une gamme magnifique de teintes secondaires richement saturées avec du jaune, en particulier, à la recherche vrai et précis.

Audio :  Bumblebee arrive en force dans les cinémas maison avec une bande-son Dolby Atmos exceptionnelle qui semble s’accorder parfaitement avec les autres titres de Transformers.

Une grande partie de l’attention est répartie sur l’action à l’écran avec divers effets qui emploient fortement les alentours dans la lutte pour protéger la Terre, créant un environnement enveloppant impressionnant. Le chaos et l’agitation des bagarres robotiques sont parsemés d’engrenages métalliques et de pièces d’acier qui atterrissent sans problème tout autour de la zone d’écoute. À plusieurs reprises, les débris volent légèrement à travers le plafond ou le grondement des moteurs d’avion Decepticon crient d’en haut et à la vue. Pendant les séquences plus calmes, les hauteurs sont relativement silencieuses tandis que les autres canaux font plus de gros soulèvements, remplissant la salle d’atmosphères subtiles et maintenant un champ sonore généralement satisfaisant, mais quand les choses passent à la vitesse supérieure, les auditeurs sont en pleine bataille.

En fin de compte, la vraie victoire ici est la sélection totalement tubulaire de morceaux des années 80 et de la partition de Dario Marianelli, tirant pleinement parti de la marge de manœuvre supplémentaire et remplissant toute la scène sonore avec une clarté et une fidélité exceptionnelles. L’imagerie est régulièrement large et spacieuse, avec beaucoup d’activités d’arrière-plan dans les hauteurs les plus élevées, à travers les canaux avant et de façon convaincante dans l’espace hors écran, tandis que le milieu de gamme affiche une superbe distinction et une chaleur pénétrante de la pièce. Au milieu du chaos du heavy metal et du chaos robotique, le dialogue reste précis et impeccable, tandis que le mieux est d’entendre les voix des Cybertroniens qui résonnent d’en haut, créant un sentiment d’échelle et de portée. Le morceau à base d’objets est également accompagné d’un grave d’une autorité tonitruante qui donne à l’action un effet de cliquetis mural, de tremblement de canapé, de basses qui frappent la poitrine, pour donner au subwoofer une séance d’entraînement saine. Il y a aussi quelques moments qui s’enfoncent profondément dans les profondeurs les plus basses, dynamisant la pièce d’une présence palpable.

Bonus :

• Bumblebee sur grand écran (HD) : Mettant en vedette des entrevues avec les acteurs et l’équipe de production et de nombreuses séquences de BTS, ce court documentaire en cinq parties couvre divers aspects de la production, de la genèse de l’histoire, au casting, aux personnages et aux thèmes, en passant par la scénographie et un retour aux Transformers G1.
  L’histoire de Bumblebee (4 min)
  L’alignement des étoiles (7 min)
  Bumblebee retourne à G1 (10 min)
  Retour à la Coccinelle (6 min)
  Chemin des souvenirs de la croisière en Californie (20 min)
• Secteur 7 Archive (HD) : Un autre court-métrage divisé en deux parties portait sur le mystérieux organisme gouvernemental. La première est une brève introduction de John Cena, et l’autre une bande dessinée de motion.
  Agent Burns : Bienvenue au secteur 7 (1 min)
  Secteur 7 Aventures : La bataille au demi-dôme (9 min)
• Scène supprimée (HD, 19 min) : Neuf séquences excisées et prolongées.

Michael Banks travaille à la banque où son père était employé, et il vit toujours au 17 allée des Cerisiers avec ses trois enfants, Annabel, Georgie et John, et leur gouvernante Ellen. Comme sa mère avant elle, Jane Banks se bat pour les droits des ouvriers et apporte son aide à la famille de Michael. Lorsque la famille subit une perte tragique, Mary Poppins réapparaît magiquement dans la vie de la famille. Avec l’aide de Jack, l’allumeur de réverbères toujours optimiste, Mary va tout faire pour que la joie et l’émerveillement reviennent dans leur existence… Elle leur fera aussi découvrir de tout nouveaux personnages plein de fantaisie, dont sa cousine, l’excentrique Topsy.

Chronique : Bien qu’ils n’aient jamais vu personnellement Mary Poppins, un classique de Disney, le film et la mystérieuse nounou magique qui flotte du ciel sur un parapluie sont des icônes culturelles familières aux chansons et à la musique reconnaissables. Même en la découvrant plus tard dans la vie, la fantaisie musicale possède toujours un charme féerique tout à fait enchanteur, toujours capable de jeter un sort captivant qui inspire l’imagination. Malheureusement, on ne peut en dire autant de sa suite, Mary Poppins Returns, titre qui fait habilement allusion au retour au propre et au figuré du personnage tout en s’inscrivant dans la tendance actuelle de revisiter les classiques Disney pour un public contemporain. Peut-être s’agit-il d’un retard de cinquante ans ou d’une intrigue prévisible qui n’a pas la gravité émotionnelle nécessaire pour être efficace. Mais franchement, cette suite ne parvient tout simplement pas à capturer la magie mélodieuse et l’émerveillement de son prédécesseur tout en offrant miraculeusement une chorégraphie de danse spectaculaire et des visuels imaginatifs.

Le réalisateur Rob Marshall fait carrière dans le genre musical depuis ses débuts en tant que réalisateur à Chicago, mais ses productions sont franchement des succès ou des ratés, cette dernière catégorie faisant sans doute partie de la dernière. Il est vrai qu’il y a quelque chose d’amusant à revisiter le quartier Cherry Tree Lane avec l’officier de marine à la retraite Admiral Boom (David Warner) qui tire encore son canon sur son toit et rend une visite inattendue aux enfants Banks, Michael et Jane, qui ont grandi en Ben Whishaw et Emily Mortimer. Mais ce sentiment de nostalgie est bientôt remplacé par la prise de conscience soudaine que la famille a souffert d’une affaire importante au cours de la dernière année et sur le point de perdre leur maison, transformant littéralement les dirigeants de la banque Colin Firth, Jeremy Swift et Kobna Holdbrook-Smith en loup et ses amis en fouineur. Litière avec des allusions au classique de 1964, l’aventure de sauver la maison familiale laisse peu de place aux surprises tout en se sentant étrangement comme une rechapée mignonne.

Marshall saupoudre de sérieux avec un spectacle enjoué, essayant d’équilibrer les conversations les plus sombres avec des numéros de danse musicale enjoués. C’est efficace pour faire vite oublier aux téléspectateurs que les enfants d’il y a quelques instants ont vu leur cher père au bord d’une dépression nerveuse imminente – en s’échappant dans la fantaisie, ce qui est une pensée troublante et dans laquelle Carl Jung aurait une journée bien remplie. Certes, les performances chorégraphiées sont assez spectaculaires à voir, le numéro « Trip a Little Light Fantastic » étant un point culminant, et elles incluent presque toujours Jack (Lin-Manuel Miranda), l’allumeur de cockney, qui actualise essentiellement Bert, le ramonage de cheminée de Dick Van Dyke. Cependant, la musique de Marc Shaiman n’a pas tout à fait le charme d’un célèbre compositeur et ne se sent jamais particulièrement mémorable alors que le ton de l’histoire ne trouve jamais vraiment le bon équilibre, se sentant plutôt incohérent alors qu’elle s’achemine vers une conclusion bon marché et sans lendemain.

Aussi troublée et problématique que soit l’intrigue, Mary Poppins Returns n’est pas dépourvue de ses points forts, à savoir les performances de la distribution et surtout d’Emily Blunt dans le célèbre rôle titulaire. Bien avant d’entrer dans cette production, elle avait déjà des souliers très difficiles à remplir, osant répéter ce que Julie Andrews avait déjà perfectionné, mais la star de Sicario et The Quiet Place est étonnamment splendide dans le rôle, le faisant sien tout en honorant simultanément la comédie musicale classique. Elle livre ses farces sèches aux enfants avec l’équilibre parfait entre l’esprit sardonique et l’humour pince-sans-rire, ainsi qu’un sourire sportif et sournois qui convient parfaitement au personnage. Meryl Streep et Angela Lansbury se joignent également à la fête joviale avec quelques numéros musicaux tandis que Van Dyke fait une visite inattendue à la dernière minute. Malheureusement, de telles performances sont gaspillées dans une suite qui est vite oubliée de la même façon qu’elle est arrivée : sur un cerf-volant déchiré qui aurait dû être laissé dans le grenier.

Note : 8,5/10

Vidéo : Mary Poppins revient au Blu-ray avec un encodage MPEG-4 1080p/AVC remarquable qui est pratiquement parfait à tous points de vue. La mystérieuse nounou magique enchante les cinémas maison avec une définition précise dans la production scénique et la conception, exposant chaque recoin de la maison familiale Banks, son design architectural unique et les petites fissures sur la route et le trottoir du Cherry Tree Lane. On peut voir les petites boules de poils des vestes, le fil des écharpes et des pulls et les coutures fines dans les charmantes tenues et chapeaux de Mary Poppins. Les poils individuels, les brins d’herbe et toutes les feuilles des arbres du voisinage sont tranchants comme des lames de rasoir, et même la moindre trace de saleté sur le visage de Jack est évidente à voir tandis que tous les autres ont un teint facial très révélateur et réaliste. Cependant, il y a quelques moments doux et flous parsemés d’un bout à l’autre du film, mais surtout liés à des effets CG et à quelques plans extrêmement larges, ce qui est malheureux pour certains des grands numéros de danse.

Le transfert fraîchement imprimé est également fidèle aux intentions créatives des cinéastes, car une grande partie de la photographie se situe dans le côté un peu plus dramatique des choses. La palette de couleurs affiche plus de tons gris pendant les interactions et les conversations ordinaires des personnages, afin de refléter le sérieux de ce que la famille vit, mais le contraste reste constant et net avec des blancs brillamment nets. Il en va de même pour la palette de couleurs, qui semble souvent limitée mais rendue avec précision avec des primaires particulièrement éclatantes. Les niveaux de noir, par contre, sont riches en encre et présentent une excellente délimitation dans les ombres les plus sombres et les plus profondes. Quoi qu’il en soit, l’image 2,39:1 prend vie lorsqu’on entre dans le monde de l’imagination, mettant le feu à l’écran dans un défilé envoûtant de teintes secondaires éclatantes et d’intenses contrastes éblouissants, faisant de la vidéo HD une superbe présentation pour toute la famille.

Audio : Mary Poppins dérive dans le ciel et nous rend visite avec une excellente bande-son DTS-HD Master Audio 7.1. Ce n’est peut-être pas le genre auquel on pourrait s’attendre d’un fantasme musical récent, mais il sert très bien les visuels, en utilisant les ambiances à diverses occasions et en plongeant les spectateurs dans ce monde fantastique de magie et d’imagination. Bien sûr, les meilleurs moments proviennent des séquences chorégraphiques flamboyantes, alors que la musique se répand dans toutes les enceintes avec une fidélité et une chaleur exceptionnelles. Imaginer est toujours aussi large et spacieux, avec une grande variété d’arrière-plans et des mouvements convaincants sur les canaux avant, tout en affichant de superbes détails et de la distinction dans le milieu de gamme. De temps en temps, on entend distinctement quelques atmosphères sur les côtés et à l’arrière, ajoutant un peu d’ambiance qui élargit bien une partie de l’action, mais qui ne génère jamais vraiment un champ sonore enveloppant. Néanmoins, le chant est toujours précis et prioritaire, tandis qu’une voix grave robuste et chaleureuse donne un poids et une présence palpables à la musique et aux numéros de danse.

Bonus :

• The Pratically Perfect Making of Mary Poppins Returns (HD, 24 min) : Divisé en quatre parties qui peuvent être regardées séparément, le court doc commence par une introduction avant de passer à des entrevues avec les acteurs et l’équipe de production pour commenter la conception de la production, la mise en scène, le casting, les performances musicales et les camées des acteurs tout en partageant des idées sur la suite.
• « Voir les choses d’un point de vue différent  » (HD, 18 min) : Un autre court métrage documentaire en quatre parties portait sur la musique et la chorégraphie de danse, avec diverses entrevues avec des acteurs et des membres de l’équipe discutant de scènes précises et de nombreuses séquences du BTS.
• Retour à Cherry Tree Lane (HD, 5 min) : D’autres interviews faisant l’éloge du rôle de Dick Van Dyke.
• Chanson supprimée (HD, 5 min) : Marc Shaiman interprète « The Anthropomorphic Zoo », qui a été remplacé par « The Royal Douton Music Hall », sur des croquis bruts.
  Mode Sing-Along (HD) : Accessible par le menu contextuel, le spectateur peut apprécier le film et chanter en même temps que les paroles qui apparaissent à l’écran.
• Scène supprimée (HD, 2 min) :

• Audio : Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS-HD 7.1), Castillan (DTS 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1), Français
• Audio description : Anglais
• Sous-titres : Castillan, Néerlandais, Français
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Walt Disney France
• Date de sortie du DVD : 26 avril 2019
• Durée : 130 minutes

• Format : PAL
• Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Français, Anglais, Arabe
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.35:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Sony Pictures
• Date de sortie du DVD : 6 mai 2019
• Durée : 112 minutes

Décembre 1897, Paris. Edmond Rostand n’a pas encore trente ans mais déjà deux enfants et beaucoup d’angoisses. Il n’a rien écrit depuis deux ans. En désespoir de cause, il propose au grand Constant Coquelin une pièce nouvelle, une comédie héroïque, en vers, pour les fêtes. Seul souci : elle n’est pas encore écrite. Faisant fi des caprices des actrices, des exigences de ses producteurs corses, de la jalousie de sa femme, des histoires de cœur de son meilleur ami et du manque d’enthousiasme de l’ensemble de son entourage, Edmond se met à écrire cette pièce à laquelle personne ne croit. Pour l’instant, il n’a que le titre : « Cyrano de Bergerac ».

Chronique : Edmond émerveille ! Quand la pièce moderne la plus grandiose se trouve adaptée pour migrer des planches au grand écran, l’attente devient immense, autant que l’est le talent de son auteur et réalisateur, Alexis Michalik. Après Le porteur d’histoire, Le cercle des illusionnistes ou encore Intra muros, dont les mérites ont été précédemment vantés, c’est donc Edmond qui a été l’Elue pour révéler, grandeur nature, sa dimension cinématographique, à une allure effrénée qui font se succéder les scènes à vitesse grand V, ce même V de la victoire d’avoir réussi un pari osé, en cherchant à rendre populaire un sujet provenant du théâtre, souvent considéré comme élitiste, même si, en l’occurrence, sa source d’inspiration, Cyrano de Bergerac, reste l’œuvre classique la plus jouée du patrimoine français. Le rôle titre est d’ailleurs si compliqué que seuls les plus grands s’y sont essayé, la preuve en est si l’on en juge par cette modeste liste : Jean Piat, Jean-Pierre Cassel, Jean-Paul Belmondo, Gérard Depardieu, Jacques Weber, Philippe Torreton, Michel Vuillermoz… que de mythes se trouvent liés à tout jamais à ces si nobles noms ! Et justement, le propre de Michalik, c’est d’avoir toujours su s’entourer d’extraordinaires comédiens. Faisant appel à certains d’entre eux, il se garantit d’atteindre le résultat souhaité, et crée néanmoins la surprise en demandant la participation de célébrités telles que Mathilde Seigner, Clémentine Célarié, Antoine Duléry, Olivier Lejeune, Dominique Besnehard, qui viennent encadrer les rôles principaux de Thomas Solivérès et d’Olivier Gourmet. Encore une fois, le jeune touche-à-tout prouve qu’il est le maître du rythme et du séquençage, dans tous les domaines, y compris la bande-dessinée qui porte le même titre.

Note : 9,5/10

Image : copie HD, image bien définie et bon contraste mais les nombreuses séquences nocturnes ou en intérieurs peu éclairés expliquent une certaine densité des ambiances, étalonnage chaud, colorimétrie chaleureuse aux tons nuancés

Son : mixage français 5.1, dialogues très clairs et équilibrés, spatialisation naturaliste avec une ample répartition des ambiances urbaines ou de spectacles, belle dynamique, musique bien mise en valeur.

Bonus : Un making of qui revient sur ce parcours du combattant et montre cette légèreté et cette fausse décontraction qui régnait sur le plateau. A l’instar d’un chef d’orchestre, le réalisateur maitrise son œuvre et le prouve en contrôlant chaque plan et chaque mouvement des acteurs.

Un documentaire sur la musique du film, qui permet de v comment le compositeur Romain Trouillet  s’est inspiré du film et plus particulièrement de son histoire pour en tirer une musique à la fois subtile et puissante.

Puis des scènes coupées.

• Acteurs : Thomas Solivérès, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner, Tom Leeb, Lucie Boujenah
• Réalisateurs : Alexis Michalik
• Format : PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 2.0), Français (Dolby Digital 5.1)
• Audio description : Français
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Français
• Région : Toutes les régions
• Nombre de disques : 1
• Studio : Gaumont
• Date de sortie du DVD : 9 mai 2019
• Durée : 108 minutes

Un jeune homme trouve un ordinateur portable et, innocemment, le ramène chez lui. Dans les dossiers, il déniche d’inquiétants fichiers cachés qu’il s’empresse de montrer à ses amis sur Skype. Sans le vouloir, tous se retrouvent dans les tréfonds du Dark Web et découvrent rapidement que quelqu’un les observe et que cet inconnu est prêt à tout pour récupérer son portable et protéger ses secrets.

Chronique : Bien que la plupart des gens qui reconnaissent son nom l’associent probablement aux films de Night Watch , ou peut-être à son vrai succès, au succès au box-office Wanted , le cinéaste Timur Bekmambetov s’est secrètement créé un nouveau nom en tant que pionnier dans un seul genre de niche. : le film de genre sur écran. Bekmambetov est le producteur des films Unfriended et de Searching. Unfriended: Dark Web (le premier long métrage de Stephen Susco, auteur du remake de Grudge ) se détourne de l’histoire surnaturelle contenue dans l’original de Unfriended et évolue vers des peurs réelles.

Matias (Colin Woodell) vient de recevoir un « nouvel » ordinateur portable (nouveau pour lui, pas tout neuf) et cherche comment l’utiliser au début du film. Son désir principal d’obtenir un ordinateur plus rapide est la possibilité d’utiliser son programme Papaya pour communiquer en ASL avec sa petite amie sourde Amaya (Stephanie Nogueras), mais cela plait également à son groupe d’amis de la nuit de jeu sur Skype – le tout récent fiancé Nari ( Betty Gabriel) et Serena (Rebecca Rittenhouse), le technicien britannique Damon (Andrew Lees), le dopey podcasteur AJ (Connor Del Rio) et Lexx (Savira Windyani) – qui sont ravis de le voir passer à une technologie plus moderne. Le seul problème est que les notifications du propriétaire précédent ne cessent de s’afficher, et elles deviennent de plus en plus étranges: de nombreuses femmes réclamant « Norah » leur achètent des billets d’avion, parlent de transactions passées et présentes, et enfin, une femme nommée Erica exigeant de savoir où Matias a eu le portable … une question qui va rapidement devenir pertinente pour Mathias et tous ses amis alors qu’ils approfondissent le contenu de l’ordinateur et se retrouvent plongés dans un jeu mortel au chat et à la souris.

Susco, qui a également écrit le scénario, établit des liens bienvenus avec le premier film Unfriended . Comme ce film, c’est un conte de moralité d’horreur classique, avec les rebondissements terrifiants servant de retour pour une transgression. Il y a aussi une scène où des appelants anonymes de Skype commencent un compte à rebours numérique éprouvant pour les nerfs. « Vieux amis » et « interaction en ligne » sont des choses qui entravent facilement les écrivains, mais Susco s’acquitte assez gentiment, avec l’avertissement que la plupart des téléspectateurs (moi-même inclus) n’en sauront pas assez sur le « web sombre » pour savoir si la description du film n’est pas exacte. Tout le groupe d’amis n’est pas entièrement épanoui – Damon est vaguement défini jusqu’à ce qu’il essaie d’utiliser des solutions techniques pour aider Mathias à se sortir du pétrin, et Lexx n’a jamais beaucoup de personnalité, mais les deux relations amoureuses du film sont étoffées assez pour un certain niveau d’investissement émotionnel.

Ce qui manque au film dans la dynamique de groupe, c’est le mystère. L’histoire des fantômes de Unfriended était convaincante, mais la fantasmagorie de la toile sombre est plus qu’un crochet suffisant pour un suivi. Susco transmet avec succès le sentiment de danger qui règne dans la ruelle alors que Mathias fouille de plus en plus profondément dans les dossiers cachés de l’ordinateur et, à l’instar du premier film, l’anonymat de l’antagoniste du film ajoute à l’atmosphère (les téléspectateurs risquent de faire des cauchemars au sujet du Skype par défaut). avatar). Il serait difficile de faire valoir que, soit Unfriended n’est pas au moins un peu idiot, mais il y a juste ce qu’il faut d’informations indépendantes pour laisser le spectateur deviner, alors que Susco dénoue les divers rebondissements du film.

Dark Web ne se sent pas aussi ambitieux ni aussi avisé quant à la façon dont les gens utilisent leurs écrans que le premier film, mais le film ne traîne jamais et ne devient visuellement pas intéressant. La distorsion électronique qui entoure les personnes qui cherchent un ordinateur portable est ridicule, et pourtant Susco le fait fonctionner (à l’exception d’une bande vidéo déformée dans un clip YouTube de la mort d’un personnage). La conception sonore est généralement efficace, y compris la fissure brutale d’une arme contre le crâne de quelqu’un et le silence inquiétant qui plane souvent dans les airs pendant que les personnages attendent que d’autres chaussures tombent. Dark Web exploite une certaine peur du pouvoir que la technologie place au bout des doigts – au moment d’écrire cet article, je me suis retrouvée à regarder par-dessus mon épaule.

Note : 8/10

La vidéo et l’audio
Unfriended: Dark Web est présenté dans un transfert AVC 1080p de 1,78: 1 qui a généralement l’air beau, dans la mesure où il est censé toujours être « beau ». Il y a des erreurs de distorsion vidéo intentionnelles, des vidéos « webcam » (qui sont sujettes à l’écrasement, au crénelage, à la douceur, etc.) et à d’autres petites anomalies, mais toutes ces choses sont évidemment imputables à la façon dont le film est conçu – L’aspect le plus important ici est que le spectateur peut lire clairement le texte à l’écran, ce qui est rendu clairement. La même licence esthétique s’applique à la piste DTS-HD Master Audio 5.1 du film – les personnages se déplacent vers et hors des microphones d’ordinateurs portables, abandonnent et parfois « soufflent » – tout cela fait partie de la conception. Le silence (ou le silence relatif de tout, sauf de la frappe au clavier) est un élément important de l’action ici, avec quelques indices de partition minimaux. Les sous-titres en anglais pour les sourds et les malentendants sont également inclus.

Les extras
Les trois fins alternatives annoncées sur la couverture représentent les seuls extras sur le disque. Ils sont présentés comme un « choisissez votre propre aventure » se terminant par le sous-titre « Qui mérite de vivre? » Pour éviter les spoilers, je ne peux pas révéler les titres de chacun, mais il existe évidemment trois options distinctes (5h30, 7h52 et 7h03). L’une des terminaisons, la dernière des trois options, jouée lors de certaines séances dans les théâtres, comme l’ indice d’ origine, est sans aucun doute la plus satisfaisante des trois terminaisons alternatives, et peut même même être meilleure que la fin théâtrale du film. Les deux autres sont des haussements d’épaules, des tentatives anti-climatiques où le téléspectateur sera capable de réfléchir, mais aussi de comprendre pourquoi ils ont été largués. C’est dommage qu’aucune autre option d’affichage ne soit disponible ici. Si la possibilité de choisir l’autre version jouée de manière théâtrale était une option, j’y répondrais à chaque fois.

• Acteurs : Kurt Carley, Colin Woodell, Betty Gabriel, Stephanie Nogueras, Rebecca Rittenhouse
• Réalisateurs : Stephen Susco
• Format : Couleur
• Audio : Allemand (DTS 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS 5.1)
• Sous-titres : Français, Allemand
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 1.78:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Universal Pictures France
• Date de sortie du DVD : 2 mai 2019
• Durée : 92 minutes